Zwei Verlorene auf dem Weg nach Hause

Die Geschichte ist der Grund, warum man bei OPUS dabei bleibt, und Prism Peak enttäuscht hier nicht. Wir reisen als müder Fotograf an der Seite eines Mädchens, das seine Erinnerungen verloren hat, und schon dieser Ausgangspunkt sitzt. Statt großer Worte erzählt das Spiel über Blicke, kleine Gesten und das, was wir nach und nach mit der Kamera ans Licht holen. Die Dusklands geben ihre Geheimnisse nur stückweise frei, und je mehr wir verstehen, desto stärker zieht uns das Schicksal der beiden mit.

Was SIGONO besonders gut kann, ist Nähe ohne Kitsch. Die emotionalen Momente kommen nicht mit der Brechstange, sondern schleichen sich an und sitzen dann umso fester. Wir ertappen uns dabei, wie wir uns wirklich für dieses Mädchen interessieren, für ihre Vergangenheit und für die Frage, was dieser Ort eigentlich mit den Menschen macht. Das Tempo ist ruhig, aber nie langweilig, weil die Geschichte immer einen Haken auswirft, bevor man abschalten könnte. Wer eine erzählerische Reise sucht, die mehr fühlt als ballert, ist hier goldrichtig.

Wenn der Auslöser zum Schlüssel wird

Das Herzstück von OPUS: Prism Peak ist die Kamera, und das ist mehr als eine nette Spielerei. Wir laufen durch die Dusklands und müssen selbst herausfinden, was sich überhaupt lohnt, durch den Sucher anzuschauen. Das Spiel nimmt uns dabei nicht an die Hand und pflanzt keine leuchtenden Marker in die Gegend, die uns das Denken abnehmen. Stattdessen heißt es: hinschauen, kombinieren, ausprobieren. Erst wenn wir das richtige Motiv im richtigen Moment erwischen, gibt die Welt ein Stück von sich preis.

Dieser Ansatz macht aus einer simplen Mechanik einen echten Antrieb. Wir knipsen nicht stumpf alles weg, sondern fragen uns ständig, was die Szene gerade von uns will. Das erzeugt diese kleinen Aha-Momente, die einem sonst nur gute Rätselspiele schenken, hier aber ganz ohne Frust funktionieren. Die Kamera ist Werkzeug, Tagebuch und Spielleiter in einem, und genau dieser Dreiklang trägt den Loop. Ob das über die gesamte Spielzeit so motivierend bleibt, muss sich noch zeigen, aber bisher greifen wir gern wieder zum Auslöser.

Dämmerlicht, das man fast riechen kann

Optisch fängt OPUS: Prism Peak genau die Stimmung ein, die man von der Reihe erwartet, und legt noch etwas drauf. Die Dusklands liegen in einem ständigen Zwielicht, das die ganze Welt in warme und zugleich schwermütige Töne taucht. Es ist diese Art von Schönheit, bei der man kurz stehen bleibt, bevor man überhaupt an die nächste Aufgabe denkt. Dass wir mit einer Kamera unterwegs sind, ist da kein Zufall: Das Spiel will, dass wir hinsehen, und liefert genug Motive, die es auch verdienen.

Der Sound spielt voll mit. Die Musik hält sich meist dezent im Hintergrund und schiebt sich nur dann nach vorne, wenn es emotional zählt. Dazwischen liegt eine ruhige Geräuschkulisse, die das Gefühl von Einsamkeit und leiser Hoffnung perfekt stützt. Bild und Ton ziehen hier so eng an einem Strang, dass die Atmosphäre nie ins Beliebige kippt. Genau dieses Zusammenspiel macht aus dem Erkunden mehr als nur Wegfindung, es wird zum Erlebnis.

Kleine Stolpersteine im Dämmerland

Technisch macht OPUS: Prism Peak auf der Switch 2 vieles richtig, ganz rund läuft aber noch nicht alles. In ein paar wenigen Momenten merkt man ein leichtes Lagging, das den ansonsten so ruhigen Fluss kurz aus dem Takt bringt. Es ist nichts, was das Spiel kaputt macht, aber gerade bei einem Titel, der so sehr von seiner Stimmung lebt, fällt jeder kleine Ruckler stärker auf als anderswo.

Dazu kommt eine Eigenheit, die uns wirklich verwundert hat. Beim Übersetzen der Buchstaben in unserem Tagebuch wurde eine korrekte Lösung nicht sofort anerkannt, sondern erst, nachdem wir einen weiteren Buchstaben richtig gesetzt hatten. Das fühlt sich kurz an, als würde das Spiel an der eigenen Logik zweifeln, und kann irritieren, wenn man eigentlich schon richtig lag. Abseits davon gab es keine größeren Auffälligkeiten, keine Abstürze und nichts, was den Spielspaß ernsthaft trübt. Unterm Strich ein solider Auftritt mit ein paar Ecken, an denen ein Feinschliff per Patch nicht schaden würde.

Fazit

OPUS bleibt OPUS, und das meine ich als Kompliment. OPUS: Prism Peak nimmt mich genau da, wo mich schon Echo of Starsong gepackt hat: bei einer leisen, emotionalen Geschichte, die sich Zeit nimmt und trotzdem nie langweilig wird. Die Kamera ist für mich der heimliche Star, weil sie Erkundung, Rätsel und Erzählung zu etwas verschmilzt, das sich angenehm anders anfühlt. Ja, technisch gibt es auf der Switch 2 ein paar Stolpersteine, und die Sache mit dem Tagebuch hat mich kurz die Stirn runzeln lassen. Aber das ändert nichts daran, dass ich nach jeder Sitzung wieder zurück in die Dusklands will. Wer narrative Spiele mit Herz und Handschrift mag, sollte hier definitiv zugreifen.

Eine Welt, die jetzt wirklich Platz zum Atmen hat

Der größte Unterschied zur Demo ist schlicht die Masse an Spielwelt. Wo wir vorher einen kuratierten Ausschnitt serviert bekamen, breitet sich jetzt ein ordentliches Stück Land vor uns aus: mehr Gebiete, mehr Dungeons, mehr Wege, die uns erst neugierig machen und dann freundlich in eine Sackgasse mit Schalterrätsel schicken. In zehn bis elf Stunden haben wir die aktuelle Fassung komplett erkundet, und in keiner Minute hatten wir das Gefühl, durch leere Kulissen zu laufen. Die Areale haben eigene Stimmungen, eigene Gegner und eigene kleine Geheimnisse, statt nur Tapete für den nächsten Kampf zu sein. Für einen Early-Access-Start ist das erstaunlich rund.

Fordernd, aber nie gemein

Beim Kampf bleibt sich Radical Fish Games treu, und das ist gut so. Das Zusammenspiel aus Nah- und Fernkampf, Ausweichen und Elementen verlangt Aufmerksamkeit, und Alabaster Dawn macht keinen Hehl daraus, dass es uns fordern will. Manche Gegnergruppen zwingen uns, kurz innezuhalten und unsere Herangehensweise zu überdenken, statt nur draufzuhauen. Das ist angenehm schwer, ohne in Frust zu kippen. Wenn wir verlieren, liegt es selten am Spiel, sondern fast immer an unserer eigenen Hektik. Genau dieses Gefühl, dass jeder Versuch ein Stück besser läuft, hält uns bei der Stange.

Köpfchen gehört weiterhin zur Pflichtausrüstung

Wer CrossCode kennt, ahnt es schon: Hier wird nicht nur gekämpft, hier wird gegrübelt. Die Rätsel verzahnen sich auch im größeren Rahmen sauber mit der Umgebung, statt als isolierte Mini-Tempel danebenzustehen. Timing, Reihenfolge und ein bisschen räumliches Denken gehen Hand in Hand, und der Wechsel zwischen Action und Knobelei sorgt für einen angenehmen Rhythmus. Es bleibt dieses befriedigende Hin und Her aus kurzem Stirnrunzeln und dem Moment, in dem der Groschen fällt.

Technisch erstaunlich aufgeräumt für einen Early-Access-Start

Hier wird die Preview kurz, und das ist als Lob gemeint. In unseren Stunden mit der EA-Version gab es keine Abstürze, keine kaputten Speicherstände, keine Bugs, die uns aus dem Spiel gerissen hätten. Für einen Titel, der gerade erst seine offene Entwicklungsphase begonnen hat, ist das alles andere als selbstverständlich. Hier kommt offensichtlich ein Studio an den Start, das schon einmal ein großes Projekt durch genau diese Phase gebracht hat.

Ein Fahrplan, der Lust auf die nächsten zwei Jahre macht

Spannend wird Early Access immer mit Blick nach vorne, und die Roadmap liest sich ambitioniert. Geplant sind acht größere Updates bis zur 1.0, im Wechsel zwischen Gameplay- und Story-Schwerpunkten. Das nächste Update 0.2.0 ist für August 2026 angesetzt und bringt mit dem Sumpfgebiet Scala Moor östlich von Sundalan eine neue Region, dazu eine Speerwaffe als erste Pierce-Waffe für Juno. Obendrauf kommen erweiterte Skill-Trees, Map-Marker, ein Dojo zum Üben von Kombos und neue Etagen für den Roguelite-Modus Somu's Dream. Das Studio rechnet damit, dass Early Access mindestens zwei Jahre läuft. Wer also auf ein schnelles Finale hofft, sollte sich gedulden. Wer Aufbauarbeit mag und das Wachsen eines Spiels miterleben will, bekommt hier reichlich Futter. Vorerst bleibt es bei PC.

Diesmal verschlägt es unseren grünen Helden allerdings nicht in eine gebastelte Pappwelt, sondern direkt zwischen zwei Buchdeckel. Mr. E, ein lebendes und sprechendes Buch, hat sein Gedächtnis verloren und kann sich an keine der Kreaturen erinnern, die auf seinen Seiten hausen. Klingt nach der Sorte Prämisse, die man entweder zauberhaft oder beliebig finden kann. Wir sind also reingesprungen, im wahrsten Sinne, und haben etliche Stunden in Mr. Es vergesslichem Innenleben verbracht, um herauszufinden, ob hier mehr steckt als eine hübsche Verpackung.

Ein Buch, das sich nicht mehr erinnern kann

Die Geschichte ist schnell erzählt, und das ist hier kein Vorwurf. Mr. E hat seine Erinnerungen verloren, und Yoshi macht das, was Yoshi eben tut: helfen, ohne groß Fragen zu stellen. Jede Seite des Buchs ist ein eigener Lebensraum voller kurioser Kreaturen, und unsere Aufgabe ist es, das Buch nach und nach wieder mit Leben und Wissen zu füllen. Ihr sammelt also nicht einfach Münzen ins Nirwana, sondern bringt einem amnesischen Wälzer bei, wer eigentlich bei ihm wohnt.

Erzählerisch wird das Ganze bewusst leicht gehalten. Wer hier eine emotionale Achterbahn oder doppelten Boden erwartet, sitzt im falschen Kino, beziehungsweise im falschen Buch. Mr. E plaudert nett vor sich hin, die Kreaturen liefern den Charme, und das war's auch schon mit der dramaturgischen Tiefe. Für ein Yoshi-Spiel ist das völlig in Ordnung, weil die Prämisse clever als Rahmen für das eigentliche Herzstück dient: das Erkunden und Ausprobieren. Das Buch ist weniger Story und mehr Spielwiese, und genau so sollte man es auch betrachten.

Rein in die Seiten, raus mit dem Spaß

Hier schlägt das Herz von Yoshi and the Mysterious Book, und hier wird auch entschieden, ob euch der Titel packt oder kalt lässt. Das Grundprinzip ist klassischer Yoshi: Ihr hüpft durch liebevoll gestaltete 2.5D-Level, schluckt Gegner, formt Eier und werft sie auf alles, was nicht bei drei auf dem Baum ist. So weit, so vertraut. Der eigentliche Clou steckt aber in den Kreaturen, die auf jeder Buchseite leben.

Jede neue Seite bringt eine neue Kreatur mit, und jede dieser Kreaturen hat ihre eigene Mechanik. Mal nutzt ihr ein Wesen, um euch durch die Luft tragen zu lassen, mal verändert eines die Umgebung, mal eröffnet eines komplett neue Wege durch ein Level. Und genau das ist der Moment, in dem das Spiel richtig gut wird. Wenn ihr eine Kreatur findet, deren Mechanik wirklich Laune macht, will man sie sofort ausreizen, herumexperimentieren und schauen, was alles geht. Diese kleinen Aha-Momente, in denen eine simple Idee plötzlich richtig clever umgesetzt ist, sind das, was im Kopf hängen bleibt.

Das Spiel lebt also weniger vom Anspruch als vom Entdecken. Ihr werdet hier selten an einer Stelle scheitern, dafür ist der Schwierigkeitsgrad viel zu kuschelig. Stattdessen ist die Motivation, herauszufinden, was die nächste Seite und die nächste Kreatur draufhat. Das funktioniert immer dann hervorragend, wenn die Ideen frisch und verspielt sind, und genau dieses spielerische Ausprobieren ist die größte Stärke des Titels. Es ist Gameplay zum Entspannen, zum Schmunzeln und zum gemütlichen Tüfteln, nicht zum Zähnezusammenbeißen.

Neues Kapitel, gleiche Leier?

So charmant das Entdecken auch ist, irgendwann stellt sich ein vertrautes Gefühl ein, und zwar nicht im positiven Sinne. Der Ablauf ist nämlich erstaunlich vorhersehbar: neues Kapitel, neue Seite, neue Kreatur, gleicher Loop. Man findet das Wesen, probiert seine Mechanik aus, nutzt sie für ein paar Rätsel und Hüpfeinlagen, und dann geht das Spiel zum nächsten Eintrag über. Wieder und wieder. Die Verpackung wechselt, die Struktur darunter bleibt gleich.

Ich will das gar nicht größer machen, als es ist. Das ist kein Spielspaß-Killer und kein Grund, das Buch frustriert zuzuklappen. Aber wer länger am Stück spielt, merkt schon, dass der Titel sich kaum weiterentwickelt. Es gibt keinen echten Spannungsbogen, keine Mechanik, die plötzlich alles auf den Kopf stellt, und auch kein steigendes Anforderungsniveau, das einen bei der Stange hält. Was anfangs nach frischer Idee aussieht, wird in der Wiederholung eben zur Routine.

Gerettet wird das Ganze ausgerechnet von dem, was das Spiel ohnehin am besten kann: den richtig guten Kreaturen-Mechaniken. Immer wenn die Routine droht, einzuschläfern, kommt eine Seite mit einer Idee daher, die so spaßig ist, dass man die Wiederholung kurz vergisst. Diese Highlights machen einiges wett und sorgen dafür, dass die Lust am Weiterspielen nicht komplett verpufft. Man wünscht sich nur, das Spiel hätte sich häufiger getraut, aus seinem eigenen Schema auszubrechen.

Hübsch wie ein aufgeklapptes Pop-up-Buch

Optisch ist das hier wieder eine Schau, und das überrascht bei Good-Feel ungefähr so sehr wie Regen in Hamburg. Das Buch-Setting wird visuell wunderbar ausgereizt: Jede Seite fühlt sich an wie ein aufgeklapptes Bilderbuch, mit liebevoll gezeichneten Habitaten, kräftigen Farben und diesem typischen handgemachten Charme, für den die Reihe bekannt ist. Mal stapft Yoshi durch papierne Wälder, mal über bunt illustrierte Wiesen, und immer wieder gibt es kleine gestalterische Details, die einen kurz innehalten lassen.

Auf der Switch 2 sieht das alles entsprechend sauber und knackig aus. Die zusätzliche Power tut der Bilderbuch-Ästhetik sichtbar gut, auch wenn man ehrlich sagen muss, dass ein Yoshi nie ein Grafikbrett zum Angeben ist. Hier geht es nicht um Polygon-Schlachten oder Raytracing-Spielereien, sondern um Stil, und den hat das Spiel im Überfluss. Es ist die Sorte Optik, die nicht beeindrucken will, sondern einfach nur sympathisch ist. Und das gelingt von der ersten bis zur letzten Seite.

Sound zum Wohlfühlen

Beim Sound gilt im Grunde dasselbe wie bei der Optik: kein Spektakel, aber rundum stimmig. Die Musik plätschert angenehm verspielt vor sich hin, untermalt die einzelnen Seiten passend und drängt sich dabei nie in den Vordergrund. Es ist genau die Sorte Soundtrack, die man im Hintergrund kaum bewusst wahrnimmt, die aber sofort fehlen würde, wäre sie weg. Dazu kommen die typisch knuffigen Yoshi-Laute, die nach wie vor zwischen niedlich und leicht albern pendeln, und das ist auch gut so.

Große akustische Höhepunkte oder Ohrwürmer, die man tagelang mitsummt, sind hier eher die Ausnahme. Aber das muss ein Spiel wie dieses auch gar nicht leisten. Der Sound erfüllt seinen Job, schafft eine gemütliche Atmosphäre und passt sich der entspannten Grundstimmung perfekt an. Mehr braucht es an dieser Stelle nicht.

Läuft, lädt, passt

Auf der technischen Seite gibt es wenig zu berichten, und das ist im besten Sinne gemeint. Auf der Switch 2 lief bei mir alles rund: keine störenden Ruckler, keine nervigen Ladezeiten, keine Bugs, die mir den Spaß vermiest hätten. Das Spiel macht genau das, was es soll, und überlässt die Aufmerksamkeit komplett dem Geschehen auf den Buchseiten.

Das klingt unspektakulär, ist aber am Ende genau das, was man sich wünscht: ein Spiel, das einfach läuft, ohne dass man über die Technik auch nur eine Sekunde nachdenken muss. Keine Patches abwarten, kein Performance-Modus-Gefummel, einfach aufklappen und losspielen. Hier gibt es schlicht nichts zu meckern.

Fazit

Ich hatte mit Yoshi and the Mysterious Book eine richtig entspannte Zeit, und genau dafür ist das Spiel auch gemacht. Es ist kein Titel, der mich herausfordern oder an den Bildschirm fesseln wollte, sondern einer, bei dem ich nach einem langen Tag einfach abschalten und durch hübsche Buchseiten hüpfen konnte. Die Kreaturen und ihre teils richtig cleveren Mechaniken waren für mich klar das Highlight, weil sie immer wieder diese kleinen Momente geliefert haben, in denen ich neugierig herumprobiert und einfach Spaß gehabt habe.

Dass der Loop sich mit der Zeit wiederholt, ist der größte Wermutstropfen, und ich wünschte, das Spiel hätte sich öfter getraut, seine eigenen Ideen weiterzudrehen. Aber ehrlich gesagt habe ich es nie als so schlimm empfunden, dass es mir den Spaß verdorben hätte, dafür waren die guten Momente einfach zu charmant. Wer ein anspruchsvolles Plattformer-Brett sucht, ist hier falsch. Wer dagegen ein gemütliches Spiel für entspannte Stunden möchte, gerne auch zum gemeinsamen Zuschauen und Mitfiebern auf der Couch, bekommt einen liebenswerten kleinen Wälzer, den man immer wieder gern aufschlägt.

Zwischen Ballsaal und Piratenabenteuer

Für männliche Sims stehen mehrere neue Outfitkombinationen bereit, die sich an der Mode der Regency-Epoche orientieren. Besonders gut gefallen hat uns ein Rüschenhemd, das mit einer reich verzierten Weste kombiniert wird. Die glitzernden Ornamente wirken edel und die Variante mit Bienenmuster ist ein echter Hingucker. Dazu gehören schlichte Hosen mit dekorativer Schnalle sowie elegante Schnürstiefeletten.

Außerdem bringt das Set gleich zwei neue Fracks mit. Die erste Variante setzt auf eine kurze, geschlossene Jacke, unter der ein auffälliges Hemd hervorschaut. Dazu werden entspannte Slipper kombiniert. Der zweite Frack besteht aus einer offenen Jacke mit markantem Hemd sowie halbhohen Schnürschuhen.

Ebenfalls neu ist eine Kombination aus Rüschenhemd und halbärmeliger Weste, die mit hohen Stiefeln getragen wird. Wer es etwas ausgefallener mag, darf sich über ein aufwendig gestaltetes Piratenensemble freuen. Üppige Stickereien, eine Totenkopfkette und ein breiter Brustgurt verleihen dem Outfit einen abenteuerlichen Charakter. Die großen Stiefel mit breiter Krempe runden den Look gelungen ab.

Besonders schön ist dabei, dass viele der kompletten Outfits bereits passende Schuhe und teilweise sogar auffälligen Schmuck enthalten. Dadurch wirken die Looks direkt wie aus einem Guss.

Opulente Kleider für die Dame von Welt

Auch die neuen Kleider für weibliche Sims sind für den großen Auftritt gemacht. Viele der Modelle orientieren sich am Empire-Stil, bei dem der Rock direkt unter der Brust ansetzt. Besonders hübsch ist eine Variante, die mit Perlen, Schleifen und großen Zierschleifen an den kurzen Ärmeln geschmückt wurde. Andere Modelle setzen auf florale Stickereien oder transparente Ärmel, die den Kleidern eine elegante und romantische Note verleihen.

Generell stecken in den Outfits viele Details. Fast jedes Kleid ist mit Mustern, Verzierungen oder aufwendigen Stoffstrukturen versehen. Dadurch passen sie hervorragend zu festlichen Anlässen.

Ein echtes Highlight ist das barocke Ballkleid mit seinem üppigen Reifrock, zahllosen Schleifen und funkelnden Edelsteinen. Es sticht deutlich aus der Auswahl hervor und vermittelt genau den übertriebenen Luxus, den man sich von einem Maskenball erhofft. Davon hätten wir uns auf jeden Fall mehr gewünscht.

Daneben gibt es aber auch etwas ungewöhnlichere Kreationen. Dazu gehört ein Kleid mit Faltenüberwurf und griechisch inspirierten Mustern. Besonders kreativ fällt außerdem ein Modell aus, das an ein Kettenhemd erinnert und mit Rüstungselementen versehen wurde. Die Anlehnung an Jeanne d’Arc macht es zu einem der außergewöhnlichsten Stücke des gesamten Sets. Für Fans abenteuerlicher Looks gibt es zusätzlich noch ein passendes Piratenoutfit.

Masken, Kronen und funkelnde Details

Natürlich dürfen bei einem Maskenball die passenden Accessoires nicht fehlen. Das Set liefert hier eine schöne Auswahl. Mit dabei sind klassische Augenmasken, die entweder schlicht gehalten oder mit Verzierungen geschmückt wurden. Besonders edel wirken Varianten aus Spitze mit glitzernden Edelsteinen oder Modelle mit großen Perlenblüten.

Etwas ausgefallener sind die metallenen Masken, die Wangen und Nase umrahmen. Passend dazu gibt es verschiedene Kronen, darunter ein Lorbeerkranz, eine Krone aus Zweigen und Perlen sowie einen besonders extravaganten Kopfschmuck in Herzform. In dessen Mitte sitzt eine kleine Krone mit leuchtendem Edelstein.

Wer lieber auf Piratenoptik setzt, bekommt einen übergroßen Piratenhut. Ergänzt wird die Auswahl durch einen eleganten Hut mit breitem Band sowie eine Kombination aus Maske und Kopftuch. Dazu gesellen sich eine luxuriöse Halskette mit funkelnden Edelsteinen, lange seidene Handschuhe und glitzernde Pumps mit spitz zulaufender Form.

Farben voller Eleganz

Auch bei den Farbvarianten hat das Set einiges zu bieten. Vertreten sind klassische Töne wie Schwarz, Weiß, Grau und Beige, die sich hervorragend für elegante Ballgäste eignen. Daneben finden sich kräftiges Königsblau, verschiedene Grüntöne und Senfgelb.

Wer es etwas romantischer mag, kann auf sanfte Blautöne oder zartes Flieder zurückgreifen. Bei den Mustern dominieren florale Verzierungen, Brokatstoffe, Rüschen, Punkte und glitzernde Elemente, die gut zum luxuriösen Thema des Sets passen.

Fazit

Das Die Sims 4 Lady Bridgertons Maskenball-Mode-Set ist eine gelungene Erweiterung für alle, die die Bridgerton-Serie lieben oder ihre Garderobe für royale Veranstaltungen erweitern möchten. Besonders überzeugen konnten uns die vielen liebevollen Details wie Perlen, Schleifen, Stickereien und aufwendige Muster, die den Outfits eine hochwertige Optik verleihen.

Für meinen Geschmack hätte das Set allerdings noch etwas mutiger ausfallen dürfen. Das wunderschöne Barockkleid zeigt, wie spektakulär die Mode dieser Epoche sein kann, und von solchen außergewöhnlichen Kreationen hätte ich mir gerne mehr gewünscht. Statt weiterer ähnlicher Empire-Kleider wären ein paar übertriebene Hochsteckfrisuren im Stil der Zeit für mich die spannendere Ergänzung gewesen.

Trotzdem liefert das Set viele elegante Looks für festliche Anlässe und ergänzt vor allem Die Sims 4 Krone & Vermächtnis hervorragend. Wer seine Sims gerne auf prachtvolle Bälle schickt, bekommt hier zahlreiche neue Möglichkeiten für einen glamourösen Auftritt.

Alles für den perfekten Ballsaal

Wer schon immer einen prachtvollen Ballsaal oder einen eleganten Salon im Stil der Bridgerton-Ära gestalten wollte, bekommt mit diesem Set viele passende Werkzeuge an die Hand. Die neuen Objekte sind dabei nicht nur opulent gestaltet, sondern auch hervorragend aufeinander abgestimmt.

Ein Blickfang ist direkt der neue Thron mit seinen geschwungenen Klauenfüßen und den goldenen Verzierungen. Er eignet sich hervorragend für royale Empfänge oder als Mittelpunkt eines festlichen Saals. Ebenfalls sehr gelungen ist der halbrunde Regency-Flurtisch, dessen goldene Ornamente ihn besonders edel wirken lassen. Er bietet die perfekte Bühne für das neue Blumengesteck des Sets. Dieses ist rund gestaltet und mit zahlreichen Blüten gefüllt, wodurch es sofort für eine romantische Atmosphäre sorgt.

Auch der neue Ballsaal-Banketttisch konnte uns überzeugen. Der runde Tisch wirkt ausgesprochen vornehm und wird von einer langen Tischdecke, Volants und floralen Dekorationen geschmückt. Besonders schön macht er sich als Mittelpunkt großer Festgesellschaften.

Weniger begeistert waren wir hingegen von der neuen Macaron-Etagere. Zwar können unsere Sims hier tatsächlich nach einer süßen Leckerei greifen, allerdings handelt es sich dabei nicht um Macarons, sondern um die bekannten Gebäcke, die bereits aus anderen Nutzobjekten im Spiel bekannt sind. Dadurch verschenkt das Objekt etwas Potenzial und wirkt weniger besonders als zunächst erwartet.

Blumen, Spiegel und festliche Dekoration

Passend zum romantischen Thema setzt das Set stark auf Blumenarrangements. Besonders auffällig sind die langen hängenden Blumengestecke für die Wände. Dazu kommen passende Blumenverzierungen für schmale und breite Torbögen, mit denen sich Eingänge eindrucksvoll in Szene setzen lassen.

Ebenfalls neu ist ein griechisch anmutendes Podest, das entweder in einer Holz- oder Steinvariante genutzt werden kann. Darauf steht ein üppiges Blumengesteck in einer Vase, das zusätzlich mit Federn dekoriert wurde.

Für die Wände stehen außerdem große Ölgemälde zur Verfügung. Je nach Variante zeigen sie entweder idyllische Landschaften oder elegante Lords und Ladys. Besonders gut gefallen hat uns auch der große halbrunde Wandspiegel mit seiner steinernen Einfassung. Er kann als einzelner Akzent genutzt werden oder mehrfach aneinander gereiht werden, um einen eindrucksvollen Spiegelballsaal zu gestalten.

Abgerundet wird die Dekoration durch schwere Vorhänge mit Quasten und üppig fallenden Stoffbahnen, die Fenstern und Türen sofort mehr Eleganz verleihen.

Gelungene Objekte für den Baumodus

Am stärksten konnte uns das Set allerdings im Baumodus überzeugen. Besonders gelungen ist die große Auswahl an Bauelementen, die perfekt miteinander harmonieren. Dazu gehören die neuen Regency-Säulen, die mit ihren Strukturen, Mustern und Farbvarianten Räumen unglaublich viel Charakter verleihen. Gemeinsam mit dem aufwendig verzierten Kamin gehören sie zu unseren Lieblingsobjekten des gesamten Sets.

Passend dazu gibt es wunderschöne Wandpaneele mit feinen Mustern und Strukturen. Ergänzt werden diese durch hohe Rundbögen in schmalen und breiten Varianten, die Innenräumen einen herrschaftlichen Charakter verleihen.

Das Highlight ist jedoch die riesige Doppeltür Bridgerton Hall. Das imposante Portal wirkt ausgesprochen prachtvoll und eignet sich perfekt als Haupteingang für Herrenhäuser, Schlösser oder große Veranstaltungsorte.

Ebenfalls sehr gelungen sind die neuen Fensterbögen mit ihren filigranen Metallgeländern. Sie machen sich nicht nur gut an Außenfassaden, sondern eignen sich auch ideal für Emporen oder Galerien innerhalb großer Gebäude. Wer die Geländer unabhängig nutzen möchte, bekommt diese zusätzlich als separates Baumodusobjekt. Komplettiert wird die Auswahl von einer neuen Treppe, deren Stufen mit Stoff bespannt sind.

Sehr gut gefallen hat uns dabei, wie konsequent alle Bauobjekte aufeinander abgestimmt wurden. Die Schnitzereien, Muster und Strukturen greifen immer wieder dieselben Gestaltungselemente auf, wodurch sich mühelos harmonische Ballsäle gestalten lassen.

Romantik und Luxus

Optisch setzt das Set voll auf die romantische und luxuriöse Atmosphäre der Bridgerton-Welt. Goldene Verzierungen, florale Muster, aufwendige Schnitzereien und elegante Stoffe ziehen sich durch nahezu alle Objekte. Dadurch entsteht ein stimmiges Gesamtbild, das sowohl für gemütliche Salons als auch für beeindruckende Fest- und Ballsäle hervorragend funktioniert.

Fazit

Das Die Sims 4 Lady Bridgertons Maskenball-Saal-Set überzeugt vor allem durch seine hervorragenden Baumodusobjekte. Besonders die riesige Doppeltür, die eleganten Säulen und die wunderschön gestalteten Fensterbögen haben uns begeistert. Dank der perfekt aufeinander abgestimmten Muster, Strukturen und Verzierungen lassen sich mit den neuen Objekten sowohl gemütliche Salons als auch prachtvolle Ballsäle gestalten.

Die Atmosphäre der Bridgerton-Ära wird dabei hervorragend eingefangen. Ein kleiner Kritikpunkt bleibt für mich allerdings die Macaron-Etagere. Die Idee ist zwar schön, durch die bekannte Gebäckauswahl wirkt das Objekt aber etwas weniger besonders, als es hätte sein können.

Davon abgesehen ist das Set eine tolle Ergänzung für alle, die ihren Sims luxuriöse Veranstaltungsorte, elegante Herrenhäuser oder romantische Ballsäle bauen möchten.

Ein frisches Abenteuer mit einem jungen 007

Groß war unsere Vorfreude, als bekannt wurde, dass sich IO Interactive, bekannt für das grandiose Hitman-Reboot, die Lizenz für James Bond gesichert hat. Ein Agenten-Thriller mit Spielmechaniken, wie sie aus der Hitman-Reihe bekannt sind - definitiv ein Highlight mit Ansage. Wie gut das Spiel am Ende dann tatsächlich geworden ist, werden wir nachfolgend genauer unter die Lupe nehmen. Bevor es losgeht, stehen uns zunächst drei Schwierigkeitsstufen zur Auswahl, nämlich Story, Normal und Purist. Die drei Optionen unterscheiden sich in Bonds Widerstandsfähigkeit, darin, wie sehr der Agent mit Gesundheit und Ressourcen haushalten muss, ob seine speziellen Fähigkeiten immer zur Verfügung stehen, und auch in der Robustheit und Geschwindigkeit der Gegner.

Die Geschichte beginnt, so wie wir es aus den Filmen kennen und lieben, spektakulär. Bond, der noch kein 00-Agent ist, sondern Luftwaffensoldat in Ausbildung, befindet sich mit einer Spezialeinheit auf einer Bergungsmission im Hubschrauber, als dieser in der Luft attackiert wird, abstürzt und sich Bond mit letzter Kraft aus dem Meer an das rettende Ufer zieht - die brennenden Überreste des Helikopters dienen dabei als großartiger optischer Hintergrund. Verwundet und auf sich allein gestellt, findet sich der künftige Vorzeigeagent des MI6 zwischen kargen Felsen und heftigen Wellen vor Island wieder und bahnt sich mühsam seinen Weg in Richtung Strand. Dort findet er nicht nur Leichen seiner ehemaligen Kameraden, sondern sieht sich plötzlich auch einer Gruppe bewaffneter Fremder gegenüber, die den Strandbereich absuchen. Schnell fühlen wir uns mitten hineinversetzt in das Hitman-Spielgefühl, wenn wir mit Bond hinter Felsen kauern und auf den passenden Moment warten, um außerhalb der Sichtweite unserer Feinde zu gelangen. Felsen und hohes Gras sind dabei unsere besten Freunde, wenn wir den Lichtkegeln der feindlichen Taschenlampen ausweichen möchten.

Früh im Spiel lernen wir außerdem das Klettersystem des neuen Bond-Abenteuers kennen, das uns in Uncharted-Manier an Felswänden entlanghangeln, von Kante zu Kante springen oder höher liegende Klippen empor klettern lässt. Die Steuerung geht dabei gut von der Hand und auch die Übergänge von normaler Bewegung zum Klettern funktionieren flüssig und natürlich. Außerdem werden Kletterpassagen von passenden Cutscenes wie wegbrechenden Kanten oder ähnlichem begleitet, was das Ganze natürlich deutlich cineastischer wirken lässt. 

Bond-Atmosphäre in jeder Pore

Schon zu Beginn überzeugt 007 First Light mit atmosphärischen Schauplätzen, die denen eines Bond-Films würdig sind. So sind es nicht nur die Orte an sich, wie zum Beispiel ein hell beleuchtetes Forschungslabor mitten im Nirgendwo zwischen Felsformationen und Meeresrauschen, sondern auch die zugehörigen Stimmungen, die echtes Bond-Feeling kreieren. Wenn wir uns mit Bond beispielsweise in der Nacht durch strömenden Regen und pfeifenden Wind schlagen, werden sofort Erinnerungen an das Skyfall-Finale wach. Wo wir schon bei der Präsentation sind: Optisch ist First Light eine echte Augenweide. Egal, ob es um prasselnden Regen, um Lichtreflexionen, um die Darstellung von Wasseroberflächen oder auch um Feuer, Nebel oder Vegetation geht, das neue Bond-Abenteuer spielt definitiv ganz  vorne mit. Auch Details wie Kleidung, die sich im Wind bewegt, tropfnasse Haare oder textile Oberflächen sowie die Bewegungsanimationen an sich verleihen dem Agenten-Thriller ein realistisches Aussehen. Darüber hinaus müssen wir natürlich auch die zahlreichen imposanten und beeindruckend dargestellten Explosionen erwähnen, denn was wäre es für ein Bond, wenn er nicht eine brennende Schneise der Verwüstung hinter sich herziehen würde. 

Wenn wir die Optik ansprechen, müssen wir auch die soundtechnische Umsetzung betrachten. Hier liefert First Light auf ganzer Linie ab. Trademark-Bondthemes mit herausragenden orchestralen Arrangements gesellen sich zu stimmungsvollen flächigen Klangteppichen, die das Spielgeschehen dezent aber wirkungsvoll umrahmen - ebenso wie die sehr glaubhaft umgesetzten Umgebungs- und Naturgeräusche. Außerdem überzeugt das Bond-Abenteuer mit einer äußerst gelungenen englischen Synchronisation, die der eines Bond-Films dank hervorragender Sprecher-Leistungen verdammt nahe kommt. Da stört es auch gar nicht, dass keine deutsche Synchro zur Verfügung steht - bei Bedarf lässt sich alles aber selbstverständlich deutsch untertiteln. Die ohnehin hervorragend charakterisierten Figuren profitieren von der sehr guten Vertonung noch zusätzlich. 

Bond, wie er sein muss 

Richtig gut gefallen hat uns auch, dass es das Spiel schafft, alle wichtigen Bond-Trademarks stimmig zu integrieren, wodurch sich die junge Ausgabe von 007 schon genauso anfühlt, wie man es aus den Filmen gewohnt ist. So macht sich Bond bereits hier sehr wenig aus Befehlen und tut am Ende genau das, was er für richtig hält, egal, wie seine Chancen stehen. Die Art und Weise, wie Bond in First Light Anordnungen ignoriert, macht ihn schon hier genau zu dem Agenten, der er später sein wird. Nach seinem Alleingang in Island wird Bond dann einzeln in die MI6 Zentrale beordert, die nicht nur optisch ein echtes Sahneschnittchen ist, mit ihren holzvertäfelten Wänden, den riesigen Glasfassaden, den Bibliothekenlampen und dem Marmorboden. Auch die Atmosphäre wirkt genau so typisch britisch, leicht arrogant und etwas verschnöselt wie wir es aus den Filmen kennen, während wir an der Seite von Moneypenny durch die schier endlosen Fluren laufen und dabei förmlich die traditionsreiche Historie des berühmten Geheimdienstes fühlen. Hier trifft Bond dann auch das erste Mal auf M, die ihm zuerst eine Liste mit seinen Vergehen vorlegt, nur um ihn dann direkt zum Geheimagenten des MI6 zu berufen. 

Bevor er allerdings wirklich als 00-Agent eine Mission bestreiten kann, muss sich Bond erst im Trainingsprogramm des Geheimdienstes beweisen, das ihn zunächst nach Malta führt. Hier dürfen wir uns vor historischer Kulisse mit allem vertraut machen, was das Leben eines Geheimagenten ausmacht. Intensive Nahkämpfe, auf die wir später noch näher eingehen, gehören ebenso dazu wie temporeiche Autofahrten, bei denen wir zwischen hoch aufragenden Burgmauern das Fahrsystem des Spiels kennenlernen, das richtig Spaß macht. Das arcadige Fahrgefühl überzeugt ebenso wie die griffige Steuerung, die hervorragend reagiert, sodass wir selbst engste Kurven gut nehmen können. Schön ist dabei auch das Feedback des Wagens, das uns sehr nah ans Geschehen heranbringt und damit die Umsetzungen vieler vergleichbarer Titel schlägt. Wem Autofahren zu gewöhnlich ist, der darf sich später auch noch auf andere Fahrzeuge wie zum Beispiel auf Schnellboote freuen, die wir über das Wasser jagen dürfen. 

Weiter geht das Training mit Hindernisstrecken, die uns das Parcours-System von First Light näher bringen, mit dem wir geschmeidig über Felsen klettern oder über kleinere Klippen springen können, ohne dabei unser Lauftempo reduzieren zu müssen. Den Flow eines Assassin’s Creed erreicht man hier vielleicht nicht, aber der Parcours gliedert sich dennoch sehr gut ins Gameplay ein. Natürlich darf auch das Schießtraining nicht fehlen, und hier offenbart First Light eine seiner kleineren Schwächen. Zwar ist das Waffenfeedback sehr gut gelungen, dafür geht das Zielen recht schwerfällig von der Hand und ist auch nicht ganz so präzise, wie wir es uns gewünscht hätten - immerhin hilft gelegentlich eine temporäre Bullet-Time. Allerdings gibt es hier echt coole Besonderheiten, sodass wir einem Feind beispielsweise in die Hand schießen können, um ihn zu entwaffnen, seine Beine anvisieren, um ihn aus dem Gleichgewicht zu bringen, oder ihn auch einfach mit unserer Pistole bewerfen können. 

Die Art und Weise, wie das Tutorial, das uns alle wichtigen Grundfunktionen vorstellt, in die Story integriert ist, ist wirklich großartig. Bonds Transformation vom gewöhnlichen Soldaten zum Geheimagenten wird dabei hervorragend eingefangen und der Spieler gleichzeitig stimmig und homogen in das Gameplay eingeführt. Das ganze wird dann auch noch untermalt vom typischen orchestralen Bond-Sound - ein echtes Erlebnis! Natürlich erwartet uns nach dem Prolog auch ein typisches Bond-Intro mit seinem markanten Art-Style und einem eigens für das Spiel komponierten Bondsong von Lana Del Rey, der ehrlicherweise einige der letzten musikalischen Vertreter der Filme mühelos in die Tasche steckt.

Packende Kämpfe mit ordentlich Wucht 

Die Nahkämpfe fallen in First Light überraschend träge und etwas schwerfällig aus. Was anfangs etwas ungewohnt wirkt, weiß man allerdings sehr schnell schätzen, denn durch die fast etwas zeitlupenartigen Prügeleien kommt richtig Wucht hinter die Schläge und man fühlt sich wirklich mittendrin. Auch wirken die Faustkämpfe dadurch roher und weniger geskriptet als in vielen anderen Spielen und fühlen sich so ein Stück weit realistischer an. Neben unseren Angriffsschlägen und der Möglichkeit, einen Feind zu packen, bietet uns das Kampfsystem die Chance, Schläge des Gegners zu parieren und Greifversuchen auszuweichen - gutes Timing vorausgesetzt. Gelingt uns ein perfektes Parieren, können wir im Anschluss zu einem heftigen Gegenangriff ansetzen, der schon stark Richtung Wrestling geht, also passend zur ohnehin recht harten Darstellung der Prügeleien. 

In die gleiche Kerbe schlagen auch die Takedowns, die ähnlich rough inszeniert sind und uns nichts ahnende Gegner heimlich ausschalten lassen. Weiterhin gibt es spezielle Finisher für benommene Feinde, mit denen wir sie komplett ausschalten oder vorher auch noch entwaffnen können. Um eine Benommenheit auszulösen, ist zum Beispiel ein Wurfgegenstand, ein Schuss ins Bein oder auch eine aus der Hand geschossene Waffe nötig. Schön ist auch, dass wir Objekte in der Umgebung, wie beispielsweise herum liegende Leuchtsignale oder Fernbedienungen von Fahrzeugen, nutzen können, um Gegner abzulenken, wegzulocken und sie dann bequemer auszuschalten - hier merkt man dann doch deutlich, dass das Hitman-Studio am Werk ist. Im Stealth-Bereich müssen wir aber auch einen der wenigen Schwachpunkte des Spiels ansprechen, und das ist die nicht immer wirklich clevere KI. Hier passiert ein Takedown schon gerne mal in Blickrichtung eines zweiten Gegners, der unser heimliches Ausschalten seines Kollegen nicht oder erst sehr spät bemerkt, obwohl wir quasi direkt gegenüber stehen. Die Nahkämpfe werden zudem durch Quicktime-Events ergänzt, die immer wieder eingeflochten werden und uns mal rhythmisch eine bestimmte Taste drücken oder auch eine vorgegebene Tastenfolge mit engem Zeitlimit absolvieren lassen. 

Wenn wir den Hitman-Vergleich ziehen, müssen wir uns natürlich auch mit den Täuschungsmanövern unseres Agenten befassen. Hier ist es zum Beispiel möglich, sich zum Schein zu ergeben, um einen Feind dann mit einem Takedown aus nächster Nähe auszuschalten. Aber auch ein klassisches Anlocken steht zur Verfügung, um einzelne Feinde aus Gruppen zu extrahieren und sie unbemerkt ausschalten zu können. Hinzu kommen zahlreiche nützliche Gadgets aus dem Q-Lab, die uns das Vorgehen auf die eine oder andere Weise erleichtern. So gibt es bei Q zum Beispiel eine sehr hilfreiche neue Uhr, mit der sich Hacking-Tasks im Stile von Watch Dogs erledigen lassen - wir schalten Lichtquellen aus der Ferne aus oder sorgen mit außer Kontrolle geratenen Elektrogeräten für Ablenkung. Außerdem erhalten wir ein Telefon, das es uns ermöglicht, Feinde diskret mit Chemikalien zu vergiften, um sie temporär außer Gefecht zu setzen.

Auch die Orte, an denen unsere Einsätze stattfinden, besitzen eindeutig Hitman-DNA, wie zum Beispiel ein überfüllter Nachtclub, in dem wir unseren ersten Feldtest haben. Verschiedene Optionen, um zum Ziel zu kommen, optionale Dialog- und Lauschoptionen, die uns mit Hinweisen versorgen, Areale, die wir erst betreten können, wenn wir bestimmte Voraussetzungen mitbringen und mehrere Ziele, die wir in einer Menschenmenge aufspüren müssen - alles typische Merkmale der Hitman-Spiele, die auch Bond hervorragend zu Gesicht stehen. Gleiches gilt für Verkleidungen, die immer wieder ein essenzieller Teil des Gameplays sind, zum Beispiel, wenn wir uns ein Tablett schnappen, um uns als Kellner auszugeben, der wiederum Zutritt zu exklusiven Bereichen des Clubs hat. 

An Gegnern stehen übrigens eine Reihe unterschiedlicher Typen bereit. Einfaches Fußvolk, das sich auch im Nahkampf gut unter Kontrolle halten lässt, gehört beispielsweise ebenso zum Repertoire wie robust gepanzerte Feinde. Diese besitzen die Fähigkeit, einen Großteil unserer Schläge zu blocken und können außerdem erst ausgeschaltet werden, wenn wir Teile ihrer Schutzkleidung eliminiert haben. Auch sind ihre Angriffe oft mit einem roten Schimmer versehen, der uns zeigt, dass ein Blocken nicht möglich ist. Hier müssen wir in erster Linie auf unsere Geschwindigkeit oder auch auf unsere Gadgets setzen, um nicht in Bedrängnis zu geraten. Außerdem sind bestimmte Gegner in der Lage, per Funk Verstärkung anzufordern und uns das Leben dadurch noch zusätzlich zu erschweren. Wer übrigens auf einen coolen Oberbösewicht hofft, wird von First Light ebenfalls nicht enttäuscht und kommt hier in den Genuss eines bekannten Rockmusikers, der ihm sein Gesicht leiht.

Fazit

Große Lizenzen wie James Bond bringen natürlich immer auch sehr große Erwartungen mit und nicht selten gehen die Entwickler an eben diesen zugrunde. Bei 007 First Light gelingt den Hitman-Machern allerdings das komplette Gegenteil. Jede Faser, jede Pore dieses Spiels schreit nach Bond und bringt die typischen Trademarks der Filme und der Figur James Bond dermaßen gut auf den Bildschirm, dass man wirklich das Gefühl hat, einen neuen Bondfilm zu sehen. Egal, ob es um die unterschiedlichen Aspekte des Agentendaseins geht, vom großartigen Nahkampf, über die rasanten Autofahrten bis hin zum umfangreichen Stealth-Paket oder, ob man die typische Atmosphäre eines Bonds betrachtet, IOI liefert hier fast überall auf Topniveau ab. Sowohl die Story als auch die Schauplätze oder die Charaktere sind denen eines Bondfilms würdig, wie auch der herausragende Soundtrack, der wunderbare Titelsong von Lana Del Rey oder die grafische Präsentation. Ja, vielleicht ist das Shooter-Gameplay etwas ungenau, der Parcours etwas unspektakulär oder die KI nicht immer die hellste, aber das Gesamtpaket ist dennoch eine Offenbarung. Wenn das Bond-Feeling dann auch noch nahtlos mit den Hitman-Trademarks kombiniert wird und das fantastische Agent 47-Gameplay der Hitman-Trilogie komplett in Bond aufgeht, kann man nicht anders, als mit leuchtenden Augen vor dem Bildschirm zu sitzen. Sandbox-Level mit Verkleidungen, mehreren Herangehensweise und Wegen funktionieren nämlich auch mit 007 perfekt. Ich muss ehrlicherweise sagen, dass First Light bei dem hochklassigen Gaming-Jahr 2026 nicht ganz oben auf meiner Liste stand - IOI hat mich diesbezüglich aber definitiv eines Besseren belehrt. Wer dieses Highlight auslässt, ist selbst Schuld!

Lust auf Meer

Schon in den ersten Minuten wird deutlich, dass die Entwickler ihre Prioritäten verschoben haben. Während der Vorgänger noch stark auf direkte Bedrohungen, lineare Erkundung und langsam aufbauendes Storytelling setzte, geht Call of the Elder Gods wesentlich subtiler vor. Die Geschichte steigt mit unzusammenhängenden Szenen ein und erklärt sich nur langsam und mit spürbarer Geduld. Statt ständig Antworten zu liefern, wirft das Spiel neue Fragen auf. Ohne zu viel zu verraten, dreht sich die Handlung erneut um uralte Mächte, verbotene Rituale und den schleichenden Verlust der Realität. Und setzt genau da an, wo Call of the Sea aufgehört hat. Der Unterschied liegt diesmal jedoch in der Perspektive. Erstens erleben wir die Geschichte nun aus der Sicht von zwei Personen, Harry und Evangeline, die wir abwechselnd steuern. Zweitens erleben wir die Ereignisse deutlich persönlicher und emotionaler. Die Charaktere wirken glaubwürdiger, verletzlicher und besser geschrieben als noch im Vorgänger. Besonders beeindruckend ist dabei die Art, wie die Story erzählt wird. Viele Informationen verstecken sich in der Umgebung, in Gesprächen oder subtilen Veränderungen der Spielwelt. Das Spiel vertraut darauf, dass Spieler aufmerksam sind. Dadurch entsteht eine Form des Horrors, die nicht von billigen Schockmomenten lebt, sondern von permanenter Unsicherheit.

Wenig neu und doch sehr gut

Das Gameplay wurde im Vergleich zum ersten Teil nur wenig überarbeitet. Die grundlegende Mischung aus Erkundung und Rätseln bleibt erhalten, fühlt sich aber wesentlich flüssiger an. Interaktionsmöglichkeiten sind besser erkennbar, Hinweise werden strukturierter im Journal aufgenommen und die Charaktere weisen uns angenehm (aber nicht aufdringlich) darauf hin, wenn wir ein zentrales Element/Hinweis noch nicht haben. Bei Schalterrätseln erhalten wir nach mehreren Fehlversuchen immer wieder gesprochene Hinweise, die uns zur Lösung führen können.

Auch die Rätsel profitieren von der stärkeren Atmosphäre. Die Aufgaben verlangen selten bloß das Finden eines Schlüssels oder das Aktivieren eines Schalters, sondern beziehen häufig Umgebungsbeobachtung, und Dokumente mit ein. Viele Lösungen ergeben sich erst durch sorgfältiges Kombinieren verschiedener Hinweise, wodurch die Rätsel deutlich organischer wirken als im Vorgänger. Gleichzeitig überschreitet das Spiel gelegentlich die Grenze zwischen anspruchsvoll und unnötig kryptisch. Manchmal sorgen einzelne Aufgaben für Frust, weil wichtige Hinweise zu leicht übersehen werden.

Eine große Hilfe stellt dabei das Journal dar. Es protokolliert nicht nur gefundene Dokumente und wichtige Informationen, sondern fasst auch interessante Beobachtungen übersichtlich zusammen. Besonders angenehm ist dabei, dass das Journal dem Spieler nicht einfach die Lösung präsentiert, sondern lediglich Denkanstöße liefert. Dadurch bleibt das Gefühl erhalten, Rätsel selbstständig zu lösen, während gleichzeitig unnötiges Herumirren reduziert wird. Das System schafft einen gelungenen Mittelweg zwischen Komfort und Herausforderung und macht die komplexeren Abschnitte deutlich zugänglicher. Wenn man besonders hängt, kann man sich über das Spielmenü immer noch zusätzliche Hinweise holen.

Gleichzeitig ist das Gameplay nicht frei von Problemen. Einige Passagen ziehen sich unnötig in die Länge und manche Rätsel wirken künstlich kompliziert oder durch Laufwege gestreckt. Vor allem gegen Ende verliert das Spiel stellenweise seinen hervorragenden Rhythmus und zwingt den Spieler zu längeren Laufwegen oder unnötig kryptischen Aufgaben.

Schöne Rätseljagd

Die Ästhetik ist die größte Stärke des Spiels. Call of the Elder Gods erschafft eine Welt, die gleichermaßen faszinierend wie abstoßend wirkt. Die Architektur verbindet moderne Elemente mit surrealen Strukturen. Wir wechseln immer wieder die Schauplätze, so dass der Look auch dauerhaft frisch bleibt. Das Art Design erinnert stellenweise an klassische Lovecraft-Interpretationen, entwickelt aber genug eigene Identität, um nie wie eine bloße Kopie zu wirken.

Technisch liefert das Spiel ebenfalls ab. Die Beleuchtung gehört zu den größten Fortschritten gegenüber dem Vorgänger. Besonders in Innenräumen erzeugen die Lichtquellen eine enorme Tiefe und Intensität. Nebel, Schatten und Reflexionen arbeiten ständig zusammen, um ein Gefühl permanenter Unsicherheit zu erschaffen.

Akustisch gestaltet sich Call of the Elder Gods eher minimalistisch. Es gibt wenig musikalische Untermalung, es wird vorwiegend durch Dialoge und Rätselgeräusche getragen. Trotzdem ist das Spiel nicht still. Spätestens die Erzählstimme füllt die Stille mit Kommentaren oder Erklärungen der Geschichte immer wieder angenehm. Die Synchronisation bewegt sich auf solidem Niveau, der deutsche Untertitel offenbart aber immer wieder leichte Unstimmigkeiten. Hinweise in Textform sind Englisch, aber haben eine deutsche Übersetzung.

Fazit

Am Ende ist Call of the Elder Gods genau die Art von Fortsetzung, die Fans hoffen dürfen zu bekommen. Das Spiel kopiert nicht einfach den Vorgänger, sondern entwickelt dessen Ideen konsequent weiter. Vor allem erzählerisch funktioniert dieser Teil deutlich besser. Doch die beeindruckende Ästhetik und der Fokus auf psychologischen Horror machen das Spiel zu einem außergewöhnlichen Erlebnis. Wer ein dichtes Rätselerlebnis sucht, der wird hier nicht enttäuscht.

Entscheidungen sind endgültig - zumindest manchmal

Bevor wir loslegen, dürfen wir den Schwierigkeitsgrad des Titels an unsere Bedürfnisse anpassen. Hierfür stehen drei vorgefertigte Schwierigkeitsstufen bereit, von Nachsichtig, über Herausfordernd bis Tödlich. Die einzelnen Varianten unterscheiden sich in drei Punkten: wie tödlich und leicht umgehbar Bedrohungen sind, wie einfach sich Angriffe parieren lassen und wie gut sich Quicktime-Events im Vorfeld ankündigen und wie anspruchsvoll sie sind. Über einen benutzerdefinierten Modus lassen sich alle Punkte zudem unabhängig voneinander regulieren. Im weiteren Schritt kündigt sich die erste richtig große Änderung an. Während Entscheidungen in der Vergangenheit immer unumkehrbar und endgültig waren, liefert uns Directive 8020 nun zwei separate Modi, die es uns ermöglichen, unseren eigenen Spielstil zu wählen. Wer ein klassisches The Dark Pictures-Spielerlebnis möchte, entscheidet sich für den Überleben-Modus. Hier bleiben die Entscheidungen an Wendepunkten endgültig und der Tod eines Charakters lässt sich nicht mehr revidieren. Auf diese Weise werden wir in einem Spieldurchlauf auch immer nur ein bestimmtes Ende zu sehen bekommen, abhängig von unserem gewählten Weg. Nach Abschluss der Geschichte lassen sich dann auch die einzelnen Wendepunkte verändern, um weitere Story-Pfade zu Gesicht zu bekommen.

Als Neuerung bringt das Spiel den Erkundung-Modus mit, der es uns erlaubt, jederzeit im Verlauf der Story zurückzuspulen und unsere Entscheidungen anzupassen, wenn wir mit dem Ergebnis nicht zufrieden sind. Dadurch lassen sich Schicksale von Charakteren beeinflussen und sogar ihr Tod rückgängig machen. So lassen sich bereits in einem Durchlauf die Auswirkungen einzelner Wendepunkte abschätzen und wir können uns unsere liebste Story-Variante zusammenbauen. Für alle, die den Nervenkitzel der Supermassive Games seit Until Dawn lieben, ist der neue Modus sicherlich keine Option. Wer sich aber nicht mehrmals in die Geschichte stürzen möchte, findet hier einen einfachen Weg, um alle Abzweigungen der Story in einem Rutsch kennenzulernen. Das Zurückspulen ist übrigens sowohl direkt im Anschluss an eine Entscheidung als auch im Nachhinein über die Timeline des Spiels möglich, die uns alle Wendepunkte und die mit ihnen verbundenen Pfade aufführt.

Im Weltall hört dich niemand schreien

Die Geschichte von Directive 8020 beginnt mit einem Logbuch-Eintrag der Kapitänin eines Raumschiffs. Wir erfahren, dass die Tage der Erde gezählt sind und die Menschheit aus diesem Grund in den Weiten des Weltalls nach einem neuen Heimatplaneten sucht. Mit Tau Ceti F konnte ein geeigneter Kandidat gefunden werden. Dieser soll im Rahmen einer Erkundungsmission aus dem Orbit heraus genauer untersucht werden, bevor das Kolonialschiff Andromeda dort eintrifft. Die Mission läuft allerdings nicht nach Plan, da rund 72 Stunden vor dem geplanten Eintritt in den Orbit eine Kollision das Schiff erschüttert. Als die Crew dem Ursprung auf den Grund geht, wird schnell klar, dass die Erkundungsmission nicht so harmlos bleibt wie erhofft. Spätestens beim ersten Tropfen Alien-Glibber, der am Schiff zu sehen ist, wird klar, dass es mit der lockeren Atmosphäre zu Beginn bald vorbei sein wird. Als dann auch noch unsere vermeindlichen Mitstreiter anfangen, uns anzugreifen und durchs Schiff zu jagen, wird klar, dass der Kampf um Leben und Tod bereits in vollem Gange ist.

Atmosphärischer Horrorfilm

Zur Optik von Directive 8020 lässt sich viel Gutes vermelden. Egal, ob es um die großartigen Gesichtszüge der Figuren, um Lichteinfälle und Spiegelungen oder um das Spiel mit Licht und Dunkelheit geht, Supermassive Games schöpft hier optisch aus dem Vollen. Gerade in den Sequenzen, die einen großen Teil des Spiels ausmachen, läuft die Grafik zur Hochform auf und präsentiert uns neben toller Mimik auch detailliert gestaltete Gesichtselemente, von den Augen, über die Falten in der Haut, bis hin zu den Bartstoppeln. Ingame sehen die Gesichter ebenfalls richtig gut aus, allerdings wirken die Übergänge zwischen den unterschiedlichen Ausdrücken hier immer wieder etwas sprunghaft. Auch die Atmosphäre der futuristischen Umgebung ist hervorragend eingefangen, sowohl in den ruhigen als auch in den bedrohlichen Momenten. Der Schauplatz an sich überzeugt mit einer Fülle an optischen Details und kreiert mit LED-Panels an jeder Wand, mit Monitoren, Leuchtmarkierungen oder den sterilen Wänden und Möbeln des Raumschiffs eine stimmige Sci-Fi-Atmo, die dank dekorativer Elemente vor allem in Crew-Bereich auch sehr heimelig und persönlich wirkt, zumindest zu Beginn. Wenn dann die Lichter ausfallen und wir nur im Schein der Taschenlampe durch die schmalen Flure laufen und hinter jeder Ecke einen Jumpscare erwarten, kommt dann auch das Horrorgenre richtig schön zum Tragen. Es braucht auch nicht unbedingt immer den ganzen großen Schocker - manchmal reicht es schon, wenn wir im Dunkeln an einem ausgeschalteten Bildschirm vorbei laufen und sich dieser plötzlich von selbst aktiviert, um uns zusammenzucken zu lassen.

Richtig Spektakulär wird es außerdem dann, wenn wir das Raumschiff verlassen und im Freien unterwegs sind - atemberaubender Blick auf den Weltraum inklusive. Schön sind auch die Geheimnisse und Sammelobjekte, die wir überall aufspüren können, die uns ein wenig mehr über das Leben der Crew im Weltall verraten und die Charaktere auf diese Weise auch menschlicher wirken lassen. Zur eindringlichen Atmosphäre trägt darüber hinaus auch die akustische Umsetzung bei, denn diese setzt in erster Linie auf Stille. Und gerade diese Stille ist hervorragend umgesetzt, denn dadurch, dass wir nur sehr wenig Vordergründiges hören, wirken die Hintergrundgeräusche wie zum Beispiel das Surren der elektrischen Geräte, deutlich lauter, was an sich schon ein mulmiges Gefühl verursacht. Außerdem erscheinen die lauten Geräusche durch die reduzierte Soundkulisse, die überwiegend auf dezent bedrohliche Synthesizerklänge setzt, dann nochmal krasser als sie eigentlich sind, was immer wieder für Erschreckmomente sorgt.

Hinzu kommt eine gelungene Auswahl an lizenzierten Songs, die vor allem den persönlichen Geschmack der einzelnen Charaktere herausarbeiten. Wo die musikalische Untermalung sehr gut getroffen ist, war uns die deutsche Synchronisation hier und da etwas zu gestellt oder überemotional - hier wäre etwas mehr Natürlichkeit wünschenswert gewesen. Allgemein sind die Figuren vom Charakter her wieder recht übertrieben und klischeehaft dargestellt, was häufig für eine gewisse Distanz zu den Crewmitgliedern sorgt. Es gibt aber durchaus Momente, in denen die Emotionen auch bei uns ankommen und glaubhaft wirken - durchgehend gelingt dies aber nicht. Ganz spannend ist hingegen, dass wir über einen Messenger verfügen, über den wir mit anderen Teilen der Crew chatten können. Dadurch entsteht, anders als in anderen Dark Pictures-Spielen, auch dann eine gewissen Verbindung zu den übrigen Figuren, wenn wir sie gerade nicht aktiv spielen. Wie im direkten Gespräch können wir übrigens auch im Messenger aus unterschiedlichen Antworten wählen und damit auch den Charakter formen.

Altbekanntes Gameplay trifft auch frische Wege

In Sachen Gameplay sind wir bei Directive 8020 häufig in vertrauten Supermassive Games-Gefilden unterwegs, aber nicht ausschließlich. So sind Quicktime-Events natürlich wieder ein wichtiger Baustein des Spiels, aber nicht mehr der einzige Grundpfeiler, auf dem dieses fußt. Dabei handelt es sich auch nicht nur um klassische Tasteneinblendungen, bei denen das entsprechende Symbol einmal gedrückt werden muss. Es gibt auch Herausforderungen, bei denen wir wiederholt drücken müssen, um einen angezeigten Bereich zu füllen. Auch die schwerwiegenden Entscheidungen, die überwiegend in Dialogen, aber auch bei Weggabelungen der Handlung getroffen werden, gehören natürlich wieder dazu und entscheiden über das Schicksal der Charaktere. Aufgrund dieser eingeschlagenen Wege lassen sich für jede Figur in der jeweiligen Situation zwei unterschiedliche Schicksale freischalten, die dann wiederum Einfluss auf die spätere Handlung haben.

Ebenfalls altbekannt sind die Walking-Simulator-Elemente, sodass wir häufig auch schlichtweg damit beschäftigt sind, durch die Spielwelt zu laufen und auf die nächste Interaktion zuzusteuern. Hier fühlen sich die Wege gerne auch mal etwas langwieriger an, da die Laufgeschwindigkeit häufig ziemlich langsam ist und das Sprinten nicht immer zur Verfügung steht - auch ein bekanntes Phänomen der Spielreihe. Ob dies jetzt die Spannung steigert oder am Ende doch einfach etwas zu eintönig ist, hängt vermutlich überwiegend von den eigenen Vorlieben ab - uns war es hier und da etwas zu viel Spaziergang. Hinzu kommen auch kleinere Rätsel, zum Beispiel die Suche nach Zugangscodes für Terminals, wo wir dann die Umgebung etwas genauer unter die Lupe nehmen müssen.

Directive 8020 setzt beim Gameplay vermehrt auf Stealth-Elemente, viel mehr, als dies in der Vergangenheit der Fall war. So verstecken wir uns hinter Objekten, um den Blicken unserer Gegner zu entgehen und ihnen zu entkommen. Dabei müssen wir neben ihrer Blickrichtung auch die Lichtkegel potenzieller Lichtquellen im Auge behalten, um unentdeckt zu bleiben. Im anderen Fall verfolgen wir Personen aus sicherer Distanz und nehmen unseren Scanner zu Hilfe, um sie aus der Deckung heraus beobachten zu können. Wer hier den klassischen Weg ohne Zurückspulen wählt, kann in den Stealth Passagen ganz schnell Charaktere verlieren, da hier ein einziger Fehler schon das Ende bedeuten kann. Auffällig ist außerdem, dass dieses Mal auf die Zwischenszenen mit dem Kurator nach jedem Kapitel verzichtet wurde, was dem Spielfluss auf jeden Fall gut tut. Bei vergangenen Teilen wurde die Story durch diese Zwischensequenzen mit der leicht humorvollen und oft auch etwas deplatzierten Analyse des Beobachters immer etwas auseinandergerissen.

Fazit

Mit Directive 8020 erhalten wir einen würdigen ersten Teil der zweiten Staffel von The Dark Pictures. Dass Horror und Weltall hervorragend zusammen funktionieren, wissen wir spätestens seit Dead Space und auch Directive 8020 gelingt es sehr gut, das Setting für sich zu nutzen. Dunkle verlassene Gänge, Alien-Glibber, der die Kontrolle über Crew-Mitglieder übernimmt, flackernde Lichter und jede Menge Grusel- oder Schockmomente - Horror-Fans dürfen sich hier in Sachen Atmosphäre eigentlich nicht beschweren. Grafisch präsentiert sich Directive 8020 auf einem sehr ordentlichen Niveau, auch wenn die Gesichter gerade ingame nicht immer überzeugen können. In Sachen Gameplay erwartet uns dagegen Altvertrautes, wie die QuickTime-Events, die Entscheidungen oder auch die Walking-Sim-Passagen, hinzu kommt allerdings ein gelungener neuer Stealth-Fokus, der für Abwechslung sorgt. Die größte Neuerung des Spiels ist sicherlich die Möglichkeit, Entscheidungen zu korrigieren und verschiedene Wege schon im ersten Durchlauf auszuprobieren. Dies ist sicherlich nicht für jeden Fan der Reihe die Ideallösung, aber als zusätzliche Option ist dieser Schritt auf jeden Fall ein richtiger. Alles in allem hat mir Directive 8020 wirklich gut gefallen, besser als die meisten Ableger der ersten Staffel - typische Mankos wie klischeehafte Charaktere oder eine überschaubare Spielzeit finden sich allerdings auch hier.

Die Reise beginnt

Bevor wir uns in unserem Camper auf den Weg machen, dürfen wir uns zuerst für einen von drei Fahrzeugtypen entscheiden. Während der „Klassiker“ gut ausbalanciert ist und uns vernünftige Traglast, Baufläche und ordentliches Fahrverhalten zur Verfügung stellt, bringen die beiden anderen Modelle unterschiedliche Vorteile mit sich. Der kompakte „Wegbereiter“ punktet vor allem durch sein Fahrverhalten, während der „Große Camper“ viel Baufläche bietet, aber dafür nicht ganz so schnell unterwegs ist.

Neben dem Design des Nummernschilds dürfen wir auch die Haupt- und Akzentfarbe unseres Campers bestimmen und uns mit der Farbpalette ordentlich austoben. Außerdem erstellen wir uns eine Spielfigur. Neben einigen Bekleidungsoptionen können wir Geschlecht, Hautfarbe, Haarfarbe, Gesichtsbehaarung und Augenfarbe festlegen. Passende Handschuhe und Nagellack dürfen ebenfalls nicht fehlen. Die Auswahl ist insgesamt recht begrenzt, was aber nicht sonderlich stört.

Freiheit auf vier Rädern

Sind wir zufrieden mit unseren Einstellungen, steigen wir sofort in den Van und beginnen unsere Reise. Die Fahrt beginnt mit dem Ausblick auf Bäume und Felsformationen, während unser Charakter davon erzählt, dass der Camper nun sein neues Zuhause ist und er die Stadt hinter sich lässt. Mehr als diesen winzigen Storyrahmen erhalten wir auch nicht, denn es geht direkt los mit dem Erkunden der offenen Welt, in der es Sehenswürdigkeiten, Rohstoffe und Sammelobjekte zu entdecken gibt.

Das Tempo unseres Abenteuers und die Route können wir frei bestimmen, uns werden aber immer wieder kleine Aufgaben, wie das Aufspüren eines besonderen Points of Interest angepinnt, sodass wir immer kleine Orientierungspunkte haben. Der Camper Van ist dabei unsere mobile Basis und fällt zu Beginn noch recht spartanisch aus. Am Anfang finden wir ein kleines Bett auf der Rückbank, ein Lagerfach sowie eine Werkbank im Kofferraum vor. Während wir die Landschaft erkunden, sammeln wir Rohstoffe wie Holz, Fasern oder Metallschrott und stellen so erste Werkzeuge her, die uns das Reisen und Craften erleichtern.

Auf unserem Weg erwarten uns immer wieder Hindernisse, wie zerstörte Brücken, die wir reparieren, oder Schranken, die wir öffnen müssen. Um möglichst viele neue Objekte herzustellen, müssen wir Blaupausen an Signaltürmen downloaden, die überall in der Welt zu finden sind. Hier erlernen wir nicht nur das Herstellen von Werkzeugen wie einer Axt oder Sichel, sondern haben auch die Möglichkeit, Fähigkeiten wie das Nähen oder die Herstellung von Brettern zu erlernen. Außerdem können wir nach und nach verschiedene Maschinen, wie einen Recycler, bauen, der es uns ermöglicht, Download-Gutscheine aus Müll herzustellen. Diese benötigen wir wiederum für diverse Blaupausen.

Wenn wir Werkzeuge herstellen, gibt es übrigens kleine Quicktime-Events, bei denen wir den Ausschnitt einer Schraubenmutter mit unserem Schraubenschlüssel treffen müssen. Eine nette Idee, die aber, in Kombination mit der Vibration des Switch 2-Controllers, eher genervt hat.

Wir müssen unseren Camper nicht nur mit nützlichen Gegenständen ausstatten, sondern dürfen das mobile Zuhause auch mit Upgrades aufwerten und mit Windlichtern, Pflanzen und anderer Deko verschönern. Im Verlauf des Spiels können wir dann auch das Dach unseres Campers ausbauen und auch Wände, Zäune oder Türen bauen.

Intuitives Gameplay ohne Schnickschnack

Für das Bauen und Erkunden wird uns kein aufwendiges Tutorial zur Verfügung gestellt, stattdessen wirft uns Outbound schon nach wenigen Minuten direkt ins freie Spiel. Das ist aber auch kein Problem, da Gameplay und Steuerung intuitiv und einfach aufgebaut sind. Zur Orientierung steht uns eine Karte zur Verfügung, auf der wir Sehenswürdigkeiten wie eine Windmühle oder einen Feuerwachturm entdecken können. In unserem Tagebuch finden wir Informationen rund um unseren Fortschritt beim Erkunden, Sammeln und Herstellen. In der ganzen Welt warten auch kleine Sammelobjekte wie Zwerge, Gemälde oder Steinhaufen darauf, entdeckt zu werden.

Survival Light

Outbound beinhaltet zwar auch einige Survival-Elemente, bleibt aber durch und durch cozy. Neben einer Gesundheitsanzeige, die sich durch das Verzehren von Ingwer füllt, müssen wir auf unser Hungergefühl achten. In der Welt finden sich überall essbare Pflanzen, später können wir aber auch Gartenbau freischalten. Wenn wir müde werden, sobald die Dunkelheit hereinbricht, können wir nicht mehr sprinten. Spätestens dann sollten wir unser Lager aufschlagen und auf der Rückbank unseres Camper Vans ein Schläfchen halten. Für unseren Geschmack ist der Tag-Nacht-Wechsel allerdings nicht so gut ausbalanciert, da es gefühlt alle paar Minuten anfängt, dunkel zu werden.

Das Besondere an Outbound ist, dass wir uns nicht nur um unsere eigenen Bedürfnisse kümmern, sondern auch unseren fahrbaren Untersatz in Schuss halten müssen. So gibt es eine Anzeige für die elektrische Ladung. Geht diese zur Neige, müssen wir den Brenner im Kofferraum anwerfen und mit Holz oder Fasern bestücken. Außerdem verlieren die Reifen des Campers mit der Zeit an Luft.

Wirklich anspruchsvoll wird das Thema Survival aber grundsätzlich nie, da man alle Bedürfnisse gut und schnell stillen kann und Rohstoffe gut zu finden sind. 

Eine einsame Reise?

Was uns an Outbound direkt aufgefallen ist, ist, wie leer die Spielwelt an vielen Stellen aktuell noch ist. Wir mochten die Vegetation, die Lichteinfälle und die Farben der comichaften Grafik, allerdings haben uns an einigen Stellen die Details gefehlt. So haben wir in unserem Camper beispielsweise keine Möglichkeit, ein Fenster herunterlassen, es gibt kein Handschuhfach zum Öffnen und wir können keinen Radiosender auswählen. Auch wenn der entspannte Soundtrack unsere Fahrt angenehm untermalt, hätten solche Auswahlmöglichkeiten das Spiel noch weitaus lebendiger gemacht.

Auch sonst bleibt es recht still in der offenen Welt. Hier und da hoppelt zwar mal ein Hase durchs Bild, aber die Welt wirkt durchgehend unbelebt. Eine etwas größere Vielfalt an Tieren und Pflanzen wäre schön gewesen. Außerdem begegnen uns unterwegs auch keine NPCs. Zwar können wir hin und wieder Häuser oder Zelte finden, aber von anderen Menschen keine Spur. Uns hat es nichts ausgemacht, bei unserem Trip auf uns gestellt zu sein, denn die Abwesenheit von anderen Menschen hebt aus unserer Sicht die Freiheit und das Entspannungsmoment hervor. Diese Ansicht teilt aber sicherlich nicht jeder Spieler, zumal dem Game ein Storyrahmen durchaus gut getan hätte. Zwar äußert sich unser Chara immer mal wieder erfreut über diverse Materialien, die Sätze wiederholen sich allerdings ständig. Bis auf die kleine Eröffnungssequenz und einige Notizzettel nimmt uns das Game also nicht wirklich mit. Wem es zu einsam wird, der kann sich aber natürlich auch einen pelzigen Weggefährten adoptieren oder seine Freunde schnappen und mit bis zu vier Spielern im Online-Koop zocken.

Soweit der aktuelle Stand, denn die Roadmap verspricht einiges, darunter auch NPCs, Dialoge, mehr Tiere, die Möglichkeit zu angeln und mehr Quality of Life Balancing. 

Auf der einen Seite fehlt uns in Outbound also etwas viel Liebe zum Detail, an anderer Stelle finden wir diese aber wiederum, zum Beispiel, wenn wir einen der sehr schön eingerichteten Feuerwachtürme erkunden dürfen. Hier zeigt sich, dass das Erkundungsspiel definitiv zu mehr in der Lage ist.

Fazit

Insgesamt hat mir Outbound gut gefallen. Ich mochte es, die Welt ganz entspannt in meinem eigenen Tempo zu erkunden und meinen Weg frei zu wählen. Die Idee, den Camper wirklich zu einer mobilen Basis zu machen, die man überall mit hinnehmen kann, ist wirklich cool und auch gut umgesetzt, vor allem, wenn man an den Punkt kommt, dass man das eigene Fahrzeug auch ausbauen und dekorieren kann.

Trotzdem habe ich auch ein bisschen was zu kritisieren, vor allem, dass die Welt doch recht leer und unbelebt bleibt. Auch der Nachhaltigkeitsgedanke, der mich anfänglich sehr begeistert hat, wurde nicht ganz zu Ende gedacht. Auf der einen Seite sammeln wir Müll, leben mit dem, was die Natur uns bietet und leben als Selbstversorger. Dann wiederum werfen wir den Verbrenner in unserem Kofferraum an. Das passt für mich nicht ganz zusammen. Insgesamt hat mich der Roadtrip aber doch gut unterhalten und mit seinem cozy Gameplay auch wirklich entspannt. Ich bin auf jeden Fall gespannt, wie sich das Spiel im Zuge der Roadmap entwickelt, denn Outbound hat auf jeden Fall Potenzial. 

Die große Frage ist deshalb weniger, ob Saros ein gutes Spiel geworden ist. Die eigentliche Frage lautet: Kann es aus dem gigantischen Schatten von Returnal treten?

Story mit Starpower

Mittlerweile setzen immer mehr große Spiele auf bekannte Gesichter und Schauspieler. Spätestens seit Produktionen wie Death Stranding ist klar geworden, wie wichtig cineastische Inszenierung für moderne AAA-Spiele geworden ist. Auch Saros schlägt genau in diese Kerbe. Spieler übernehmen die Rolle von Arjun, gespielt vom britischen Schauspieler Rahul Kohli, den viele vermutlich aus den Serien von Mike Flanagan kennen dürften (darunter Midnight Mass oder The Haunting of Hill House). Dazu kommt mit Jane Perry sogar eine bekannte Stimme aus Returnal.

Und genau diese Besetzung sorgt von Anfang an dafür, dass Saros unglaublich hochwertig wirkt. Die Zwischensequenzen sind aufwendig inszeniert, die Kameraarbeit ist stark und die Atmosphäre des fremdartigen Planeten Carcosa zieht einen sofort hinein. Arjun wird auf die mysteriöse Welt geschickt, um Ressourcen zu bergen und herauszufinden, was mit den vorherigen Expeditionen passiert ist. Natürlich läuft dabei alles komplett schief. Sehr schnell gerät er in eine tödliche Schleife, aus der es scheinbar kein Entkommen gibt.

Das Grundprinzip funktioniert erstmal hervorragend. Mit jedem Durchlauf setzt sich das Puzzle der Geschichte etwas mehr zusammen. Neue Dialoge, neue Informationen und kleine Storyfetzen sorgen dafür, dass man immer weiter in diese seltsame Welt hineingezogen wird. Gleichzeitig lebt die Geschichte stark davon, dass man selbst verstehen will, was eigentlich auf Carcosa passiert ist.

Allerdings braucht Saros ziemlich lange, bis die Handlung wirklich Fahrt aufnimmt. Gerade die ersten Stunden wirken überraschend dünn erzählt und verlieren sich oft in kryptischen Andeutungen, ohne genug emotionale Bindung aufzubauen. Das Problem daran: Wenn man schon mit einer solchen Starbesetzung arbeitet, erwartet man eigentlich deutlich mehr emotionale Wucht.

Und genau da liegt leider eine der größten Schwächen des Spiels. Viele Dialoge wirken erstaunlich steif. Vor allem Mimik und Gestik fehlen oft komplett oder wirken unfertig. Gefühle werden selten glaubwürdig transportiert. Das ist deshalb schade, weil die Präsentation drumherum eigentlich unglaublich hochwertig ist. Gerade bei bekannten Schauspielern erwartet man, dass Emotionen nicht nur gesprochen, sondern auch sichtbar gespielt werden.

Trotzdem schafft es die Story irgendwann, einen zu packen. Nicht unbedingt, weil sie durchgehend brillant geschrieben wäre, sondern weil diese Welt, ihre Geheimnisse und die Verbindung zu Arjun einfach faszinierend genug sind, dass man Antworten haben möchte. Man merkt aber immer wieder, dass die Geschichte manchmal eher wie ein Beiwerk für das Gameplay wirkt, denn das Gameplay ist hier ganz klar der eigentliche Star.

Durch die Kugelhölle

Wie schon in Returnal etabliert, kämpft man sich auch in Saros durch eine sich permanent verändernde Welt voller Ressourcen, Upgrades, neuer Fähigkeiten und aggressiver Alienhorden. Der eigentliche Reiz entsteht aber nicht nur durch bessere Waffen oder stärkere Builds, sondern vor allem dadurch, wie sehr man selbst als Spieler besser wird.

Denn Saros verlangt Konzentration. Viel Konzentration. Man muss Gegner-Patterns lernen, Angriffe lesen, Bewegungsabläufe perfektionieren und irgendwann anfangen, sich völlig intuitiv durch diese Kugelhölle zu bewegen. Genau daraus entsteht dieses typische Gefühl, das Housemarque mittlerweile nahezu perfektioniert hat: Dieser Flow-Zustand, bei dem man irgendwann nicht mehr bewusst nachdenkt, sondern einfach nur noch reagiert.

Und Saros ist dabei noch aggressiver und durchdachter als Returnal. Das Spiel verwandelt sich nach einigen Stunden in einen wilden, fast hypnotischen Adrenalinrausch aus Bewegung, Explosionen und purem Chaos.

Besonders stark ist dabei, wie viele Systeme ineinandergreifen. Mit dem Schild lassen sich gegnerische Geschosse absorbieren, deren Energie anschließend in mächtige Spezialangriffe umgewandelt wird. Riskante Spielweisen werden belohnt, aggressive Kämpfe laden Fähigkeiten schneller auf und selbst Schaden kann taktisch sinnvoll sein, weil dadurch neue Ressourcen generiert werden.

Anfangs wirkt Saros deshalb sogar fast überraschend langsam. Doch sobald man versteht, wie die Systeme zusammenspielen, entwickelt das Spiel einen komplett absurden Spielfluss. Schießen, Nahkampf und Ausweichen verschmelzen irgendwann zu einem einzigen rhythmischen Kugelballett voller Partikeleffekte und taktischem Wahnsinn.

Und genau hier liegt die größte Stärke des Spiels. Saros macht süchtig. Jeder Run fühlt sich sinnvoll an, jede Verbesserung motiviert und jeder Tod wirkt wie eine Lektion statt wie eine Bestrafung. Das Spiel ist fordernd, manchmal sogar brutal schwer, aber fast nie unfair. Gerade dadurch entsteht dieser unglaubliche Motivationsfaktor, der einen immer wieder zurück an die Konsole zieht.

Housemarque perfektioniert hier also die bereits aus Returnal bekannte Formel und hebt sie spielerisch nochmal auf ein neues Level.

Und wie sieht es mit der Technik aus?

Technisch ist Saros ein absolutes Brett. Vor allem die Zwischensequenzen sehen teilweise unfassbar gut aus. Beleuchtung, Partikeleffekte, Animationen und die allgemeine Bildgewalt gehören problemlos zu dem Besten, was man aktuell auf der PS5 sehen kann. Besonders in den Bosskämpfen entsteht teilweise ein visuelles Spektakel, das fast schon überwältigend wirkt.

Und trotzdem bleibt das Spiel beeindruckend flüssig. Gerade bei einem derart schnellen Bullet-Hell-Spiel ist das enorm wichtig. Oft explodiert gefühlt der komplette Bildschirm gleichzeitig und trotzdem läuft Saros stabil und sauber weiter. Man fragt sich teilweise wirklich, wie die Konsole das überhaupt noch alles gleichzeitig berechnet.

Auch die Nutzung des DualSense-Controllers ist fantastisch gelungen. Adaptive Trigger, haptisches Feedback und die allgemeine Wucht der Kämpfe sorgen dafür, dass sich jede Waffe angenehm unterschiedlich anfühlt. Housemarque versteht einfach, wie man die Hardware sinnvoll nutzt, ohne dass es wie ein billiger Gimmick wirkt.

Kleinere technische Probleme gibt es allerdings trotzdem. Einige Dialoge hatten kleinere Bugs, Animationen wirkten manchmal unfertig und gerade die bereits angesprochene fehlende Mimik fällt in Storymomenten unangenehm auf. Hinzu kommt, dass die Leveloptik auf Dauer etwas eintönig werden kann. Carcosa sieht zwar großartig aus, bleibt stilistisch aber oft sehr ähnlich. Dadurch fehlt manchmal die visuelle Abwechslung, die linearere Spiele deutlich leichter erzeugen können.

Dafür entschädigen allerdings die fantastischen Gegnerdesigns, die großartigen Waffen und die völlig überdrehten Effekte. Gerade in Bewegung entfaltet Saros eine audiovisuelle Wucht, die man so nur selten erlebt.

Auch der Sound liefert durchgehend ab. Die Musik drängt sich nie zu stark in den Vordergrund, unterstützt aber perfekt das Geschehen und hebt besonders die großen Storymomente nochmal deutlich an. In den Kämpfen entsteht dadurch genau die richtige Mischung aus Stress, Druck und Euphorie.

Technisch leistet sich Saros also nur kleinere Schwächen und präsentiert sich insgesamt als echtes Spektakel.

Fazit

Saros ist spielerisch ein absolutes Meisterwerk. Housemarque schafft es erneut, dieses einzigartige Gefühl aus Flow, Risiko, Geschwindigkeit und permanenter Verbesserung einzufangen und beinahe zu perfektionieren. Das Gameplay entwickelt einen enormen Suchtfaktor und motiviert über viele Stunden hinweg immer weiter.

Vor allem Fans von anspruchsvollen Spielen kommen hier komplett auf ihre Kosten. Die Kämpfe sind fordernd, das Fortschrittssystem motivierend und die Präsentation audiovisuelle Ausnahmeklasse. Gleichzeitig verbessert Saros viele kleine Elemente aus Returnal und wirkt dadurch insgesamt runder und zugänglicher.

Die Story bleibt allerdings ein kleiner Schwachpunkt. Zwar wird die Welt mit der Zeit durchaus spannend, wirklich emotional packen konnte mich das Ganze aber nur phasenweise. Gerade die teilweise fehlende Mimik und die hölzernen Dialoge verhindern leider, dass die Geschichte das gleiche Niveau wie das Gameplay erreicht.

Trotzdem bleibt unter dem Strich ein herausragender Rogue-like-Shooter, der eindrucksvoll zeigt, warum Housemarque aktuell zu den spannendsten Studios im Actiongenre gehört.

Neues Futter für Indy-Fans

Der neuste Indy-Titel von Machine Games, die sich vorher vor allem mit der Neuauflage der Wolfenstein-Reihe einen Namen gemacht haben, hebt den bekanntesten Schatzjäger der Welt in die Neuzeit und liefert eine filmreife Geschichte rund um den berühmten Hut-tragenden Archäologen. Dabei setzt das Spiel unerwarteterweise nicht auf eine Third-Person-Ansicht, sondern lässt uns mit der Egoperspektive besonders nah ans Geschehen heran. Hier stellen wir uns mit Indy wieder alt bewährten Gegnern entgegen, nämlich den Nazis, und nutzen dabei allerlei Hilfsmittel, um ihnen ordentlich einzuheizen. So attackieren wir sie mit Peitschenhieben, um sie aus der Balance zu bringen. Wir schlagen mit Fäusten auf sie ein, um sie auszuschalten oder nutzen alles, was uns in die Finger kommt, um uns zur Wehr zu setzen, von der Schaufel bis zur Glasflasche. Wenn möglich sollten wir dabei stets leise vorgehen, um nicht gleich ein ganzes Batallion von Faschisten an den Fersen zu haben. Dies lässt sich durch die Nutzung verschiedener Verkleidungen dann auch sehr gut bewerkstelligen. Die Verwendung von Schusswaffen ist zwar immer wieder möglich, aber meist nur bedingt empfehlenswert, da wir in den vom Feind besetzten Orten sonst sofort verfolgt werden. Insgesamt präsentiert sich das Kampfsystem als ungewohnt wuchtig und brachial für Indiana Jones, liefert aber ein richtig gutes Spielgefühl, das uns mitten in die Kämpfe versetzt.

Ein weiterer Schwerpunkt des Gameplays sind die Schwung- und Kletterpassagen. Auch hier kommt uns unsere Peitsche oft sehr gelegen und sorgt so für einen unverkennbaren Stil beim Erklimmen höherer Ebenen oder beim Überwinden tiefer Schluchten. Darüber hinaus warten natürlich auch jede Menge Rätsel auf uns, wie klassische Kombinations-, Symbol- oder Schieberätsel - mal mit Lichtstrahlen und Spiegeln, mal mit Zahnrädern oder Statuen, die in den meisten Fällen sehr gut lösbar und auch logisch herzuleiten sind. Bei der Lösung der Rätsel hilft uns außerdem Indys Kamera, mit der wir praktische Hinweise aufdecken können, falls wir einmal nicht weiter kommen. Das Abenteuer rund um den mysteriösen Großen Kreis lässt Indy eine Vielzahl an epischen Schauplätzen besuchen, so, wie man es auch aus den Filmen kennt. Neben dem Vatikan, wo unsere Reise beginnt nachdem im Museum die legendäre Katzenmumie gestohlen wurde, gehören unter anderem auch die Ausgrabungsstätten und Pyramiden von Gizeh, der Himalaya oder der Irak zu den Orten, die wir bereisen. Schön ist auch, dass wir später ein Boot nutzen dürfen, um verschiedene Schauplätze freier zu erkunden, was den insgesamt eher linearen Aufbau des Spiels dann auch ein Stück weit durchbricht.

Zudem hält die Story natürlich wieder einen großen bösen Nazi-Widersacher für uns bereit, der uns durch die ganze Geschichte begleitet und am Ende als dem Größenwahn verfallener Bossgegner auf uns wartet. Auch hier muss sich Indiana Jones und der Große Kreis nicht vor den Filmen verstecken und liefert hochwertig inszenierte Abenteurer-Kost, die alle Klischees des Archäologen bestens bedient und dabei beispielsweise auch einen großartigen Soundtrack mit den originalen Melodien von John Williams liefert. Wem die Hauptstory nicht reicht, der kann sich außerdem im Story-DLC Indiana Jones und der Orden der Riesen austoben. Hier verschlägt es Indy in die italienische Hauptstadt, wo er in den Ruinen des Kolosseums oder auch in der uralten Kanalisation der Stadt, der Cloaca Maxima, Hinweisen um einen mystischen Kult nachgeht. Der DLC ist auch für die Switch 2 separat zum Hauptspiel erhältlich und lohnt sich gerade mit Hinblick auf die großartige ziemlich düstere Atmosphäre. Besonders viel zusätzliche Spielzeit dürfen wir hier allerdings nicht erwarten, denn nach rund vier bis fünf Stunden ist die Erweiterung auch schon wieder vorbei.

So spielt sich Indy auf der Switch 2

Wenn ein halbwegs aktueller AAA-Grafikkracher wie Indiana Jones und der Große Kreis auf der Switch 2 landet, fragt man natürlich zwangsläufig, ob die Hardware dazu in der Lage ist. Wenn man in das Abenteuer eintaucht, merkt man schon sehr früh, dass die Konsole hier am Limit läuft. Die Entwickler haben sich alle Mühe gegeben, um durch Einsparungen bei den Details ein flüssiges Gameplay zu ermöglichen und im Großen und Ganzen haut das auch wirklich hin. Allerdings hat die Switch 2 merklich zu kämpfen und die Anpassungen und Schwierigkeiten sind definitiv auch sichtbar. So erwartet uns zum Beispiel immer wieder eine deutliche Unschärfe in den Sequenzen und auch ingame wirkt vieles um uns herum in der Bewegung oftmals leicht verschwommen. Wenn wir stehen bleiben, zieht sich das Bild dann schnell wieder glatt und die Spielwelt kann ihre Schönheit entfalten, gerade mit Bewegung hat die Switch 2 aber Probleme. So ploppen überall um uns herum Objekte nachträglich auf und es flimmert auch an vielen Stellen. Auch merken wir, dass wir, wenn wir die Kamera schwenken, keine komplett flüssigen Bildübergänge bekommen. Es ruckelt jetzt nicht extrem, aber es ist spürbar. Auch bei den Details der Texturen der Umgebungen wurde deutlich heruntergefahren, wodurch Oberflächen merklich weniger realistisch aussehen als auf den großen Konsolen. Dennoch muss man den Entwicklern definitiv zugute halten, dass sie nicht alles weggekürzt haben und auch einige stimmungsbringende Elemente erhalten haben, auch wenn diese die Hardware vielleicht stärker fordern. Hierzu gehören zum Beispiel Kleinstpartikel wie Insekten oder herum fliegende Blätter, die der Umgebung Leben einhauchen. Auch die Lichteinfälle sehen sehr ordentlich aus und verleihen der Spielwelt eine dichte Atmosphäre.

Insgesamt hat man bei der Präsentation versucht, einen Mittelweg zu finden zwischen Performance und Optik, was nicht immer ganz aufgeht. Es ist aber keinesfalls so, dass die Einschränkungen so sind, dass man mit dem wirklich sehenswerten Indy-Abenteuer keinen Spaß hat, denn den hat man auch auf der Switch 2. Seine volle Pracht kann das Spiel hier aber nicht entfalten und auch andere AAA-Ports wie Cyberpunk 2077 oder Star Wars Outlaws, die das Ganze merklich besser gelöst haben, bleiben unerreicht. Löblich ist, dass Indiana Jones und der Große Kreis die Besonderheiten der Switch 2 aufgreift und dem Port damit Alleinstellungsmerkmale verpasst, die es auf anderen Konsolen nicht gibt. So wurde zum Beispiel eine Bewegungssteuerung integriert, die uns durch Bewegen der Switch oder des Controllers, wenn wir im Docked Modus spielen, zielen oder die Bewegungsrichtung ändern lässt. Dies ist eine nette Ergänzung, man hätte hier aber auch noch weiter denken und beispielsweise eine Gestensteuerung der Peitsche ermöglichen können - hier wären wir dann aber vermutlich schon zu stark im VR-Bereich. Sehr schön ist außerdem, dass Indiana Jones und der Große Kreis per Maussteuerung spielbar ist. Diese wird - für uns komplett unverständlich - von vielen Spielen auf der Switch 2 gar nicht in Betracht gezogen, obwohl sich mit dem Joycon als Maus ein ganz spezielles PC-artiges Gameplay generieren lässt, das es so auf keiner anderen Konsole gibt. Bei Indiana Jones hat man sich glücklicherweise dafür entschieden, die Maussteuerung zu integrieren, was sich gerade aufgrund des grundlegenden Spielprinzips eines Egoshooters auch definitiv anbietet. Die Tastenbelegung ist dabei nicht optimal, mit kurzer Eingewöhnung ist die Steuerung mit Maus aber gut realisierbar und eine echte Alternative.

Fazit

Wir waren uns im Vorfeld nicht sicher, ob Indiana Jones und der Große Kreis nicht vielleicht eine Nummer zu groß für die Switch 2 ist und so ganz konnte der Port diese Zweifel auch nicht beiseite schieben. Insgesamt läuft Indys jüngstes Abenteuer gut auf der Hybridkonsole, man muss aber definitiv einige Abstriche machen. So erwarten uns sichtbar weniger Details, aufploppende Objekte, unruhige Drehungen sowie immer wieder Unschärfe und ein leichtes Flackern, was zwar insgesamt das Gameplay nicht beeinträchtigt, aber schon eine deutliche Schwäche gegenüber den großen Konsolen ist. Schön ist dagegen, dass die Besonderheiten der Switch 2, wie die Maussteuerung oder die Bewegungssteuerung integriert wurden, auch wenn im Falle letzterer sogar noch ein bisschen mehr drin gewesen wäre. Im Bezug auf das Gameplay selbst sowie auf die Story, die Inszenierung und die Atmosphäre ist Indiana Jones und der Große Kreis aber auf jeder Plattform sehenswert und liefert ein typisches filmreifes Indy-Abenteuer mit allen Klischees rund um den beliebten Archäologen sowie mit tollen Schauplätzen und sehr gut umgesetzten Spielmechaniken an allen Fronten. Wer einige Einschränkungen in Bezug auf die Performance verzeihen kann, kann ohne größere Bedenken zur Switch 2 Version greifen und das Hauptspiel sowie den separat erhältlichen DLC Der Orden der Riesen unterwegs genießen. Wer sowieso zu Hause spielt und die Wahl hat, dürfte mit den großen Versionen dagegen besser bedient sein.

Halb Mensch halb Maschine

Die Hauptfigur von Replaced ist keine gewöhnliche Person, sondern eine künstliche Intelligenz namens R.E.A.C.H., die aufgrund eines Laborunfalls in den menschlichen Körper ihres Operators Warren transferiert wurde. Sie erwacht in einer düsteren, heruntergekommenen Version Amerikas der 1980er-Jahre. In einer Welt, in der die Phoenix Corporation das Sagen hat und nur die Privilegierten und Gehorsamen in ihrer Enklave einen Platz finden, abgeschirmt von den Verstoßenen und durch dicke Mauern vor dem Grauen vor den Toren geschützt. Aber das hat seinen Preis und Gewalt, Misstrauen und Korruption gehören zum Alltag in der angeblich so sicheren Stadt.

Von ihrer eigenen Vergangenheit weiß R.E.A.C.H. kaum etwas, und auch ihr neuer Körper fühlt sich fremd an. Ein denkbar schlechter Start in einem Umfeld, aus dem unser Protagonist direkt mit Kugeln verjagt wird und er gezwungen ist, in die überlebensfeindliche Ödnis vor den sicheren Stadtmauern zu flüchten.

Anfangs wirkt alles wie ein reiner Überlebenskampf und wir schlagen uns durch die Straßen, begegnen zwielichtigen Gestalten, werden in brutale Auseinandersetzungen verwickelt und versuchen gleichzeitig zu begreifen, was eigentlich mit uns geschehen ist. Schon nach kurzer Zeit dämmert es uns, dass es hier nicht nur um das nackte Überleben geht. Vielmehr steht die Frage im Raum, was es überhaupt bedeutet, ein Mensch zu sein. R.E.A.C.H. beginnt Emotionen zu erleben, Entscheidungen zu treffen und moralische Grenzen auszuloten. Dinge, die für eine Maschine alles andere als selbstverständlich sind. Gleichzeitig wird klar, dass die Welt um sie herum von Kräften gelenkt wird, die weit über das hinausgehen, was auf den ersten Blick sichtbar ist.

Mithilfe von den „Disposals“, eine Gruppe Verstoßener, die im Bahnhof vor der Metropole eine rudimentäre Basis errichtet hat, versuchen wir das Geheimnis unserer eigenen Identität zu lüften und die Lebensbedingungen der Menschen vor Ort zu verbessern.

Replaced greift klassische Cyberpunk-Themen auf und stellt eine von Korruption durchzogene Welt dar, in der mächtige Konzerne das Geschehen dominieren und der Konflikt „gegen die da oben“ allgegenwärtig ist. Die Story funktioniert dabei gut, bewegt sich jedoch größtenteils auf vertrautem Terrain und bietet eher bekannte Motive als völlig neue Ansätze. Trotzdem punktet das Spiel mit seinen gut ausgearbeiteten Figuren, die durch glaubwürdige Motive und interessant geschriebene Dialoge überzeugen und der Geschichte eine spürbare emotionale Note verleihen.

So schön bedrohlich

Die Atmosphäre von Replaced ist spürbar dicht und von einer konstanten Anspannung geprägt. Besonders stark ist dabei die Inszenierung. Jede Szene wirkt bewusst gestaltet, jede Umgebung erzählt ihre eigene kleine Geschichte, ob in heruntergekommenen Gebäuden, in denen noch letzte Fotos liegen oder ein Schlafplatz tief in der Kanalisation, in dem noch ein letzter Brief hinterlassen wurde. Die Welt wirkt gleichermaßen verlassen und lebendig. Der Soundtrack fügt sich nahtlos ein und unterstreicht die bedrückende, oft melancholische Stimmung, ohne sich in den Vordergrund zu drängen. Gleichzeitig sorgt die detaillierte Pixelart-Grafik mit ihrer stimmungsvollen Beleuchtung für eine visuelle Tiefe, die die düstere Welt eindrucksvoll zum Leben erweckt.

Im Neonlicht immer geradeaus

Das Gameplay von Replaced kombiniert klassische 2,5D-Platforming-Passagen mit separaten Kampfsequenzen, die klar voneinander abgegrenzt sind.

In den Springabschnitten hangeln wir uns entweder klassisch von Plattform zu Plattform, können aber auch im weiteren Verlauf mit einem Greifhaken zu fest vorgegebenen Punkten springen, die sich von der Umgebung abheben. Später müssen wir Kisten verschieben, um höher gelegene Areale zur erreichen, uns in einer Menschengruppe an lästigen Drohnen vorbeischleichen oder Terminals hacken. Die Steuerung ist dabei präzise und lässt uns absturzsicher vorankommen, auch die verschiedenen Interaktionen mit der Umgebung wurden sehr sauber in das Spiel integriert. Dennoch sind teilweise die nächsten Haltepunkte schwer zu erkennen und das Timing war in einem Level mehr als knapp bemessen.

Bei Kämpfen steht der Nahkampf im Mittelpunkt, bei dem wir parieren, ausweichen oder starke Angriffe ausführen können, um Panzerungen zu zerlegen. Die Gegnervielfalt ist dabei zwar übersichtlich, macht es dafür aber leichter uns die einzelnen Fähigkeiten der fiesen Schergen einzuprägen. Dazu gesellt sich noch eine Schusswaffe, die allerdings vor jedem Nutzen mit Nahkampftreffern aufgeladen werden muss und daher ein kostbares Gut ist, das nur gelegentlich zum Einsatz kommt. Die Kämpfe laufen flüssig aber ohne viel Abwechslung ab, sorgen dennoch durch immer neue Fähigkeiten von R.E.A.C.H. trotzdem für Kurzweiligkeit. Durch die seitliche Perspektive und die dichte Darstellung der Umgebung kann es passieren, dass der Spieler in größeren Gegnergruppen visuell untergeht oder wichtige Elemente des Kampfgeschehens schwer erkennbar sind. Das 2,5D-Design ist dabei nicht immer klar lesbar, was in hektischen Situationen schnell zu Unübersichtlichkeit führt.

Um der stetig wachsenden Soldatenflut Herr zu werden, findet man in den verschiedenen Abschnitten permanente Items, die das Leben deutlich erleichtern. Diese Verbesserungen konzentrieren sich vor allem darauf, die Feuerrate zu erhöhen oder die Effektivität im Kampf zu steigern. Darüber hinaus lassen sich auch grundlegende Werte der Spielfigur verbessern, etwa durch mehr Lebenspunkte oder eine größere Anzahl an Heilitems, was das Überleben in den zunehmend härteren Auseinandersetzungen erleichtert. Zusätzlich sind in den einzelnen Missionen kleine Notizen und Musikstücke versteckt, während in der Hub-Welt sogar kleinere Sidequests warten, die mehr über das Leben und die Welt des Spiels erzählen.

Zukunft trifft auf Retrocharme

Besonders auffällig ist der Grafikstil von Replaced. Die Mischung aus Cyberpunk-Ästhetik und Pixeloptik, kombiniert mit stimmungsvollen Beleuchtungseffekten, verleiht dem Spiel ein klares Alleinstellungsmerkmal und trägt maßgeblich zu seinem Reiz bei. Trotz der stellenweisen eher eintönigen Level gelingt es Sad Cat Studios immer wieder, mit kleinen visuellen Akzenten für Abwechslung zu sorgen und den einzelnen Abschnitten einen eigenen Charakter zu verleihen. Zudem ist das Spiel auch überaus ressourcenfreundlich und lief ohne Ruckler oder Abstürze auf dem PC.

Dystopie mit feinstem Synthiesound

Auch soundtechnisch hinterlässt Replaced einen starken Eindruck. Der atmosphärische Synthwave-Soundtrack passt hervorragend zur düsteren Cyberpunk-Welt und unterstreicht die melancholische Stimmung des Spiels. Besonders die ruhigeren Stücke verleihen den Erkundungsabschnitten eine fast schon bedrückende Atmosphäre, während die Musik in den Kämpfen deutlich treibender und intensiver ausfällt. Abgerundet wird das Ganze von gelungenen Soundeffekten, die Schusswechsel und Explosionen angenehm wuchtig wirken lassen. Der einzige Wermutstropfen ist die fehlende Vertonung, was sich bei einem Indie-Spiel jedoch gut verschmerzen lässt. Immerhin bietet Replaced eine deutsche Lokalisierung und der Soundtrack steht kostenlos auf Spotify zur Verfügung.

Fazit

Mit Replaced liefert Sad Cat Studios einen atmosphärisch starken 2,5D-Plattformer ab, der vor allem durch seine beeindruckende Pixeloptik, die dichte Cyberpunk-Stimmung und den hervorragenden Synthwave-Soundtrack überzeugt. Die Geschichte rund um R.E.A.C.H. greift zwar bekannte Genre-Themen auf, schafft es aber dennoch, durch interessante Figuren und emotionale Momente zu fesseln. Spielerisch bietet das Abenteuer solide Plattform- und Kampfeinlagen, auch wenn sich die Gefechte mit der Zeit etwas repetitiv anfühlen und die Übersicht in hektischen Situationen gelegentlich leidet. Kleine Schwächen im Leveldesign und bei der Lesbarkeit können den insgesamt starken Eindruck jedoch kaum trüben. Wer atmosphärische Cyberpunk-Welten liebt und ein Faible für stilvolle Pixelgrafik hat, bekommt mit Replaced ein stimmungsvolles Abenteuer, das vor allem audiovisuell lange im Gedächtnis bleibt.

Der Paddock-Walk

Mit Veröffentlichung von MotoGP 26 sind bereits einige Rennen der aktuellen Saison der Königsklasse des Motorradrennsports absolviert. Wer im Vorfeld einen erneuten Durchmarsch von Ducati und Weltmeister Marc Márquez erwartet hatte, der wurde bereits eines Besseren belehrt. Denn tatsächlich ist nun die italienische Konkurrenz von Aprilia am Drücker und führt mit Marco Bezzecchi und dem wiedererstarkten Ex-Weltmeister Jorge Martín die Tabelle an. Und wer zu diesem Zeitpunkt auf VR46-Pilot Fabio Di Giannantonio als Ducati-Speerspitze gewettet hätte, der hätte sicherlich eine gute Quote erhalten.

Im offiziellen Videospiel zur Serie, MotoGP 26, liegt es wieder an uns, sowohl den Nachwuchsklassen als auch der MotoGP selbst unseren Stempel aufzudrücken und die Geschichte der 2026er Saison umzuschreiben. Dabei empfängt uns das Spiel bereits im Hauptmenü deutlich stimmungsvoller als in den Vorjahren. Statt einer nüchternen Darstellung des Bikes und des Fahrers finden wir uns nun mitten im Paddock wieder und beobachten Piloten bei Interviews oder Besprechungen. Dies ist ein klares Plus für die Atmosphäre und hat uns sehr gut gefallen. Hier hat man sich wohl hauseigene Inspiration aus Ride 6 mit seinem Ridefest gezogen.

Über das Hauptmenü finden wir die gehabten Optionen. Wir können einen Grand Prix bestreiten, eine ganze Meisterschaft oder ein simples Zeitrennen. Zudem sind die im Vorgänger eingeführten Zusatzdisziplinen dort verfügbar, doch dazu später mehr. Ergänzt wird das Angebot durch die üblichen Editoren für Helme und Sticker sowie einen Bereich, in dem wir unseren Fahrer anpassen können. Die Mehrspieler-Optionen wie Online-Multiplayer und ein Splitscreen-Modus dürfen ebenso nicht fehlen. Das eigentliche Herzstück ist dann wieder einmal der Karrieremodus, den wir nun näher beleuchten.

Eine Saison mit Überraschungen?

In MotoGP 26 haben wir gleich zu Beginn mehrere Wahlmöglichkeiten. Wollen wir die Nachwuchsklassen Moto3 und Moto2 durchlaufen, um uns dort einen Namen zu machen? Oder starten wir direkt in der Königsklasse, wobei uns zunächst nur je ein Privatteam eines der fünf Hersteller Ducati, Aprilia, Honda, KTM und Yamaha zur Auswahl steht? Neu ist, dass wir entweder mit einem eigens erstellten Piloten oder mit einem der echten Fahrer aus der MotoGP antreten dürfen. Wenn wir also beispielsweise Pecco Bagnaia zurück zu alter Größe oder Toprak Razgatlioglu nach drei Superbike-Titeln zur MotoGP-Krone führen wollen, ist dies nun unsere Chance.

Etwas kurios ist die Option, mit einem echten MotoGP-Piloten auch in den Nachwuchsklassen an den Start zu gehen. Natürlich gab es bereits einige Beispiele für „Absteiger“, zum Beispiel Darryn Binders Moto2-Versuche, nachdem er bei Yamaha in der MotoGP aussortiert wurde. Oder Sam Lowes, der nach seiner sturzreichen Zeit in der Königsklasse noch recht erfolgreich in der mittleren Kategorie an den Start ging. Dass jedoch trotz der Altersgrenze von 28 Jahren ein bereits 33-jähriger Marc Márquez in der Moto3 antritt, mutet doch seltsam an.

Neu im Karrieremodus sind nun Interviews. Dabei hat man sich offensichtlich an Codemasters F1- Reihe orientiert, die diese Frage- und Antwortrunden schon länger integriert hatten. Leider sind die Pendants in MotoGP 26 nicht vertont. Vor Saisonbeginn legen wir per Interview beispielsweise unsere Ziele und unseren ersten Hauptrivalen fest, den wir unbedingt schlagen möchten. Das System ist gut implementiert, ohne zu stören, und sorgt für weitere Immersion.

Fahrer, wechsel dich

Das Transfersystem feiert ebenfalls wieder seine Rückkehr. Vor Beginn einer neuen Karriere können wir bereits festlegen, ob sogar schon in der Premierensaison Wechsel möglich sein sollen, oder ob wir lieber mit dem regulären 2026-er Roster starten, sofern wir direkt in der MotoGP einsteigen. Beginnen wir die Karriere in den unteren Klassen, werden unmittelbar Transfers durchgeführt. Wie gehabt entstehen im Verlauf der Karriere durchaus kuriose Wechsel-Szenarien. Wenn man sich das durchaus rege Transferkarussell zu Beginn der aktuellen Saison jedoch ansieht, muten die Wechsel im Spiel doch nicht mehr so chaotisch an.

Weitere Optionen in der Karriere betreffen die zu absolvierenden Runden pro Lauf und generell die Anzahl der Saisonrennen. So dürfen wir entweder die volle Saison mit 22 Rennen bestreiten oder einen zusammengedampften Kalender aus elf Läufen erstellen, wobei wir uns hier die Stationen selbst aussuchen dürfen. Beim eigentlichen Rennwochenende sind Sprint und Rennen Pflicht. Alle anderen Sessions wie Trainings oder Qualifikation können wir auf Wunsch auslassen.

Wie gesagt, starten wir zunächst für die Privatteams der Hersteller wie Gresini, Trackhouse oder Tech3. Mit guten Resultaten erarbeiten wir uns einen entsprechenden Ruf, der uns bei den Werksmannschaften bekannter macht und uns eventuell sogar einen Platz als Nummer-1-Pilot ermöglicht. Dann wird auch wieder die Bike-Entwicklung in den Fokus gerückt, sodass wir unseren fahrbaren Untersatz mehr nach unseren Wünschen und Bedürfnissen anpassen können, wobei sich diese Option wieder lediglich auf Performance-Änderungen bezieht. Optische Anpassungen sind leider nicht vorgesehen.

Erweiterte Trainingsmöglichkeiten

Bereits in MotoGP 25 wurde neben den drei WM-Klassen noch weitere Zweirad-Action integriert. Wir konnten also bereits auf Minibikes, auf dem Flat Track oder im Bereich Motard unsere Runden drehen. In MotoGP 26 kommen nun Straßenmotorräder dazu. Dies hatten wir in unserem Test zu MotoGP 25 ja bereits angeregt. Denn aufgrund der begrenzten Trainingsmöglichkeiten mit den MotoGP-Raketen dienen den Piloten oftmals die jeweiligen Superbikes der Hersteller als Alternative, um beispielsweise nach einer Verletzungspause wieder auf Speed zu kommen.

Zur Auswahl stehen uns dabei unter anderem die neue Ducati V4 S oder die KTM 990 RC R aus Mattighofen. Da die Motorräder auch in Ride 6 enthalten waren, dürfte die Implementierung also recht einfach realisierbar gewesen sein. Die jeweiligen Rennen finden aber als reine Markenpokale statt. Dass ein Alex Márquez auf einer Serien-Ducati also gegen Marco Bezzecchi auf einer Aprilia antritt, ist bei den Straßenrennen leider nicht möglich. Zudem haben wir erhebliche Einschränkungen bei den Kursen, denn pro Marke stehen uns nur drei Strecken zur Auswahl, was wir leider nicht ganz nachvollziehen können.

Bei den anderen drei Disziplinen greifen wir wie gehabt auf Fantasiekurse zurück, wobei mit Canterbury Park ein neuer Schauplatz hinzugekommen ist. Hierbei handelt es sich offensichtlich um eine umfunktionierte Kartstrecke, die mit ihren Hallen einen netten Kontrast zu den eigentlichen Rennstrecken bietet. Im Bereich der Karriere lockern diese Events das Spielgeschehen auf, sind allerdings letztlich nicht mehr als nettes Beiwerk. Mehr Umfang ist ja aber schließlich meistens keine schlechte Sache.

Darf es ein bisschen Pro sein?

Beim Fahrgefühl hat sich in MotoGP 26 ebenfalls etwas getan. Das Körpergewicht des Fahrers wird nun noch mehr berücksichtigt, was vor allem die Kurvenfahrten dynamischer gestaltet. Plötzliche Lastwechsel und enge Kurvenkombinationen gehen nun ein wenig leichter von der Hand. MotoGP 26 lässt uns dabei die Wahl, ob wir das Spiel als Arcade-Game oder Simulation angehen wollen, wobei wir die verschiedenen Einstellungsparameter dankenswerterweise individuell anpassen dürfen.

Beim Arcade-Fahrgefühl können wir uns völlig auf die korrekte Linienwahl konzentrieren, denn das Fahrwerk verzeiht nahezu alle Fehler, die Bremsen greifen ordentlich ein und Kurvenfahrten steuern sich fast schon zu direkt. Stellen wir das Setting komplett auf Pro, beißen die MotoGP-Raketen auf brutale Art und Weise zu. Jedes Müh zu viel oder zu wenig Bremse führt in letzter Konsequenz zum Sturz, jede Beschleunigung will wohldosiert sein, sofern wir nicht sofort von unserem Bike abgeworfen werden wollen. Das Fahrgefühl erfordert also schon eine gewisse Eingewöhnungszeit.

Negativ erwähnenswert sind auf jeden Fall noch mehrere Faktoren. So agiert die Gegner-Kl wie gewohnt sehr egoistisch und rabiat. Die Kollegen weichen keinen Millimeter von ihrer gewählten Linie ab. Verpassen wir also einmal einen Kurvenradius oder einen Bremspunkt und kehren auf die Ideallinie zurück, so werden wir oft gnadenlos abgeräumt. Dies gilt auch, wenn wir zu früh in die Eisen gehen. Ebenfalls nicht mit Ruhm bekleckert sich die optional einblendbare Ideallinie, die uns eigentlich unterstützen soll. Diese setzt die Bremspunkte meistens viel zu früh, sodass sie uns beim Lernen eines Kurses eigentlich mehr im Weg ist, als dass sie nützt.

Bei der Kl können wir wieder den adaptiven Schwierigkeitsgrad aktivieren, der sich prinzipiell unseren Fähigkeiten anpasst. Im Test hatten wir dadurch teilweise echt gute Duelle über mehrere Runden hinweg, die für Spaß gesorgt haben. Allerdings trickst die Kl bei den Rundenzeiten, denn wenn wir auf einer langen Geraden im 6. Gang voll ausgedreht von den anderen Piloten mit 40 km/h Geschwindigkeitsüberschuss überholt werden, dann ist das schwerlich mit Windschatten zu erklären, selbst wenn wir eine der brandneuen und unausgereiften V4-Yamahas bewegen.

Licht und Schatten

So gelungen der neue Präsentationsansatz mit der Darstellung des Paddocks im Hauptmenü ist, so altbacken präsentiert sich das Spiel generell. Dabei sind die Motorradmodelle über absolut jeden Zweifel erhaben, denn diese sind wieder sehr detailliert dargestellt. Auch wurden die Animationen der Fahrer während der Arbeit auf dem Bike leicht modifiziert. Die grundlegende Grafik benötigt jedoch nach wie vor eine Frischzellenkur.

Denn die Animationen im Parc Fermé und der Box sind unverändert zu den Vorgängern. Dies gilt ebenso für die Charaktermodelle von Fahrern und Mechanikern, die uns mit toten Augen etwas vorwackeln. Und wenn wir schon einmal am Kritisieren sind: Abseits der flüssigen Rennaction herrscht bei den Strecken leider grafische Tristesse. Besonders in den Replays oder bei Kamerafahrten zu Rennbeginn wird deutlich, dass MotoGP 26 eigentlich auf dem Stand von MotoGP 22 ist. Oder sogar eines früheren Teils.

Soundtechnisch kann MotoGP 26 wiederum überzeugen. Die Motorräder klingen durch die Bank sehr kernig und vermitteln gut, welche Kraft dahintersteckt. Speziell bei den Klassen Moto2 und Moto3 hat man noch einmal nachjustiert, diese fangen die Geräuschkulisse der Original-Maschinen tatsächlich sehr gut ein. Fahren wir den Schwierigkeitsgrad herunter, hören wir aber auch immer schön, wie die gegnerischen Fahrer das Gas zudrehen, um ja nicht zu schnell zu werden, was bisweilen etwas befremdlich klingt.

Sammelleidenschaft

In MotoGP 26 steckt ein weiteres, neues Feature abseits der Straßenmotorräder oder dem überarbeiteten Fahrgefühl. Die Rede ist von den Sammelkartenpacks, die wir für absolvierte Rennen erhalten. Hierbei gibt es ganz im Stile eines Panini-Sammelalbums Karten mit Porträts der Fahrer oder der Strecken, die zudem über einen netten Hologrammeffekt verfügen. Zusätzlich lassen sich besondere, speziell designte und entsprechend seltene Karten erhaschen, eben ganz wie bei einem Sammelalbum.

Das Sammeln und Vervollständigen der Karten motiviert tatsächlich und sorgt für eine gewisse Langzeitmotivation abseits des erfolgreichen Absolvierens der Karriere. Doch die Karten erfüllen noch einen weiteren Zweck, denn darauf sind verschiedene Werte für die Fahrer aufgeführt. Diese geben, ähnlich wie bei EA Sports FC, die grundlegende Stärke eines Fahrers an. Die einzelne Bewertung soll dabei über den realen Saisonverlauf der MotoGP angepasst werden, was wir im Testzeitraum jedoch nicht überprüfen konnten. Einen wirklichen Mehrwert in den Fahrerwerten abseits der Vergleichbarkeit sehen wir allerdings nicht, zumal solche Zahlenwerte bisweilen ja auch täuschen können.

Fazit

MotoGP 26 setzt statt Revolution eher auf sanfte Verbesserungen. Fast schon wie in der aktuellen Saison der echten MotoGP, die die Letzte der 1000ccm-Motoren markiert, bevor 2027 ganz neue Bikes an den Start gehen. Dementsprechend darf man keine allzu großen Sprünge erwarten, was sich vor allem an der nach wie vor altbackenen Präsentation zeigt. Weitere Problemzonen wie die rabiate Gegner-Kl oder die fehlerhaft arbeitende Ideallinie trüben das Gesamtbild weiter und sorgen dafür, dass MotoGP 26 einen ordentlichen Wertungsdämpfer im Vergleich zum Vorgänger einfährt. Denn in der direkten Gegenüberstellung fühlt sich MotoGP 26 einmal mehr nach Update als nach vollwertigem Nachfolger an.

Doch es gibt einige gute Neuerungen, welche ich hier nicht unterschlagen möchte. Die neue Präsentation mit dem Paddock im Hauptmenü ist schön integriert, das Sammelkartenfeature fand ich persönlich echt cool und motivierend und die Einführung von Straßenmotorrädern macht ebenfalls Spaß. Auch wenn diese nur auf ausgewählten Pisten einsetzbar sind, was wiederum schade ist. In Summe hätte Milestone auf jeden Fall einigen Nachholbedarf, und sollte die Lizenz in den künftigen Jahren bei den Italienern bleiben, so wäre die kommende Saison doch prädestiniert für eine umfangreiche Frischzellenkur.

Schuldgefühle und vier zerzauste Elemente

Großes Drama braucht es in einem Spiel wie Elementallis ehrlich gesagt nicht. Es würde völlig reichen, sich in eine kleine, hübsch zerbröselte Welt zu verlieben und einfach loszuziehen. AnKae Games hat aber trotzdem eine erzählerische Klammer drumgelegt: Die Elemente sind aus den Fugen geraten, die Welt droht zu kollabieren, und mittendrin laufen wir mit einem ordentlichen Stück Schuld auf den Schultern herum. Dass dieses Schuldgefühl nicht aus heiterem Himmel kommt, sondern eng mit dem Schicksal unserer Hauptfigur verwoben ist, sorgt für eine angenehm persönliche Note, die Indie-Adventures dieses Schlags gerne mal sträflich vernachlässigen.

Wer hier „Aufopferungsvolles Heldenpathos auf 60 Stunden gestreckt" erwartet, ist allerdings falsch abgebogen. Elementallis schlägt einen ruhigeren Ton an. Statt minutenlanger Cutscenes und epischer Monologe serviert uns das Spiel seine Geschichte häppchenweise zwischen den Tempelbesuchen, lässt uns auf einsamen Lichtungen kurz innehalten und vertraut sehr darauf, dass wir die Lücken selbst füllen. Klassische Zelda-Schule eigentlich. Wer Link je beim stummen Nicken zugesehen hat, kennt das Prinzip ganz genau.

Die acht Tempel sind dabei mehr als nur hübsche Spielwiesen, sie funktionieren auch als Stationen einer kleinen, persönlichen Heilungsreise. Mit jedem zurückgewonnenen Element setzen wir nicht nur ein Stück der Welt wieder zusammen, sondern auch ein bisschen vom inneren Chaos unserer Hauptfigur. Klingt im Pressetext arg pathetisch, fühlt sich im Spiel selbst aber überraschend zurückhaltend an. Wir bekommen gerade genug Story, um uns für die Welt zu interessieren, und genug Raum, um einfach loszuziehen und die nächste Höhle nach Geheimnissen abzuklappern.

Schwert, Schild und ein Feuerball obendrauf

Elementallis gewährt sich am Anfang etwas Zeit. Noch bevor die Tempel in vollem Umfang relevant werden, führt das Spiel ein Grundrepertoire ein: erste Rätsel, einfache Kämpfe, die Mechaniken der Elemente. Das wirkt an manchen Stellen etwas zäh, vor allem wenn man die großen Szenarien und die Achtteil-Struktur schon auf dem Schirm hat. Sobald die ersten Elemente greifbar sind, dreht sich das Bild: Verbindungen zwischen Biomen und Dungeons werden klarer, frühere Passagen bekommen einen neuen Sinn, und der Fokus verschiebt sich merklich von „Einführung“ zu Erkundung.

Die Steuerung und das Raumgefühl erinnern stark an klassische 2D-Zelda-Abschnitte auf GBA. Kameras und Kollisionen sind verlässlich, Rätsel folgen einer erkennbaren Logik, und die Elemente übernehmen die Rolle des klassischen Inventars: sie öffnen Bereiche, aktivieren Mechaniken und erlauben Rückkehr zu bereits besuchten Orten mit neuen Optionen. Das System ist nachvollziehbar aufgebaut und vermeidet es, die Spieler mit unnötiger Komplexität zu überfordern.

Der Nahkampf kombiniert Schwert, Schild und elementare Angriffe. Reguläre Gegner sind keine Endgegner, aber Bosskämpfe und stärkere Begegnungen verlangen Timing und das gezielte Ausnutzen von Schwächen. Über längere Sessions wiederholt sich die Schleife allerdings merklich: gleiche Bewegungsmuster, ähnliche Konfrontationen, wenig Variation in den Standardfeinden. Das ist weniger ein Balance-Problem als eine Frage der Vielfalt. Wer hier dranbleibt, macht das wegen der Rätsel und der Welt, nicht wegen des Kampf-Katalogs.

Die acht Tempel bilden das tragende Gerüst: durchdachte Puzzle-Ketten, klare Boss-Phasen und ein Stück Erkundung zwischen den Hauptpunkten. Die Außenbereiche fügen optionale Ziele, Sammelobjekte und kleinere Nebenaufgaben hinzu und unterstützen den zurückhaltenden Metroidvania-Ansatz, ohne die lineare Erzählstruktur vollständig aufzugeben.

Pixel bleiben Pixel, und das ist Absicht

Elementallis setzt durchgängig auf Pixel-Art in Vogelperspektive. Kein Remake-Glanz à la Link's Awakening im Konsolen-Look, sondern ein klares Bekenntnis zu Kacheln, klaren Silhouetten und einer Lesbarkeit, die man vom GameBoy Advance her kennt: ihr erkennt auf den ersten Blick, wo Gegner stehen, wo Schalter sitzen und wo eine Wand verdächtig hohl klingt. Das ist keine Retro-Mode zur Schau, sondern ein praktisches Design, das zum Gameplay passt.

Die acht Biome sind optisch voneinander getrennt, ohne dass jedes Zimmer wie aus einem anderen Spiel wirkt. Farbpaletten und Tile-Sets wiederholen sich sinnvoll, sodass die Welt zusammengehörig bleibt, auch wenn ihr von Tempel zu Eisfeld wandert. Animationen bei Angriffen, Treffern und Umgebungsdetails sind dezent gehalten und tragen wenig zur Last bei, was auf der Switch 2 im Handheld angenehm zur Geltung kommt.

Kritikpunkt auf niedrigem Pegel: Pixel bleiben stilistisch klar begrenzt. Wer HDR, gigantische Lichtstimmung oder filmische Kamerafahrten erwartet, liegt falsch. Hier geht es um Wiedererkennung und Übersicht, nicht um Benchmark-Screenshots. Für die Zielgruppe dürfte das eher ein Plus sein.

Melodien, die nicht im Weg stehen

Die Soundkulisse bleibt bei Elementallis bewusst im Hintergrund, bis sie euch doch wieder einholt. Die Musik schlägt keine experimentelle Konzept-Kunst vor, sondern verlässliche Fantasy- und Abenteuerklänge mit klaren Themen für die Außenbereiche und eine etwas dichtere Atmosphäre in den Tempeln. Melodien wiederholen sich im Lauf der Stunden, ohne aufdringlich zu werden. Schuld daran ist weniger „zu wenig Material“ als eine angenehme Lautstärke-Mischung: ihr merkt oft erst im Rückblick, dass derselbe Track schon wieder lief.

Schlag- und Treffergeräusche sind schnörkellos und wirkungsvoll genug, dass ihr wisst, ob etwas geblockt, verfehlt oder sauber getroffen wurde. Bosskämpfe bekommen typischerweise eine klarere eigene Stimmung, ohne dass jedes Duell zum Orchester-Spektakel wird. Wer hier Cinema-Trailer erwartet, sucht an der falschen Stelle. Wer will, dass Klang und Rhythmus zum Top-Down-Pacing passen, wird zufrieden sein.

Kleines Spiel, großes Display: Handheld und Switch 2

Elementallis läuft auf der Switch und ist auf der Switch 2 kompatibel. In unserer Testphase kam ausschließlich der Handheld-Modus zum Einsatz, und genau dort macht das Spiel am meisten Sinn: Pixel-Optik, übersichtliche Szenen und ein Maßstab, bei dem auch kleine Schalter und Gegner auf dem Bildschirm schnell erfassbar bleiben.

Technisch gab es keine Aussetzer, die den Spielfluss gestört hätten. Framerate und Reaktion fühlten sich stabil an, Ladezeiten blieben im Rahmen dessen, was man von einem kompakten 2D-Adventure erwartet. Massive Hänger oder Abstürze sind uns nicht aufgefallen.

Mehr zu tun, als die Karte verrät

Elementallis will euch nicht nach dem Abspann aus dem Spiel schubsen. Zwischen den Haupttempeln und den Biomen gibt es optionalen Kram, der die Spielzeit spürbar streckt: versteckte Schätze, kleinere Nebenaufgaben und die übliche Erkundungsrunde, wenn ihr später mit neuen Elementen noch mal alte Winkel durchforstet.

Zur Progression gehören neben Lebensenergie auch Herzteile und weitere Upgrades, die ihr durch Suchen und Erfüllen von Bedingungen freischaltet. Dazu kommen praktische Details, die weniger glamourös sind, aber genau den Retro-Charme treffen: etwa die Möglichkeit, Löcher in der Tasche zu flicken, sobald ihr das passende Nähset gefunden habt. Das klingt narrativ leicht abstrus, passt aber zu einem Spiel, das Zelda nicht nur in Kameraschwenken, sondern auch in kleinteiligen Systemschikanen zitiert.

Fazit

Ich bin auf Elementallis aus Perspektive eines Zelda-Fans gegangen. Das Spiel liefert, was diese Orientierung vermuten lässt: klassisches Action-Adventure in Top-Down-Ansicht, klar strukturierte Dungeons mit überwiegend verständlicher Progression, und ein Element-Setup, das funktional an die Rolle von Inventarwerkzeug in klassischen Ablegern angelehnt ist. Das Übergefühl erinnert mich stark an 2D-Zelda mit Original-Pixelkunst, weniger an moderne Neuauflagen.

Zeitinvestition zu Beginn und einige weniger variationsträchtige Kampfpassagen begrenzen die Zuversicht nicht, erhöhen aber das Maß an Geduld, das man einplanen sollte. Für mich entscheidender sind weiterhin die Räume, die Rätsel und das Nachdenken, welches Element als Nächstes eine Blockade aufhebt.

Getestet habe ich auf der Nintendo Switch 2 ausschließlich im Handheld. Leistungsverhalten, Übersicht und Kontrolle waren über die Zeit konsistent.

Elementallis ist nach diesem Zwischenstand für mich ein bewusst traditionelles Indie-Adventure. Es arbeitet, stellt keine Ansprüche an Genre-Neudefinition, und überzeugt dort, wo Handwerk, Orientierung im Leveldesign und Belohnungen beim Erkunden zusammenkommen.

Auf dem Datenblatt klingt das alles ziemlich vielversprechend. 40-mm-Treiber mit Graphen-beschichteten Membranen, Memory-Schaum an Bügel und Ohrmuscheln, das hauseigene Snap+Lock-System für magnetisch austauschbare Backplates und natürlich volle Unterstützung für Sonys Tempest 3D AudioTech. Wir haben das Pro HS mehrere Stunden auf der PlayStation 5 traktiert, von langen Gaming-Sessions bis zur Spotify-Probe mit allem, was das Tonspektrum hergibt. Ob das Headset wirklich hält, was es verspricht, oder ob sich hinter dem schicken Auftritt doch nur ein weiteres Plastikbomber-Headset versteckt, klären wir auf den nächsten Zeilen.

Schicker Auftritt mit Magnet-Trick

Auspacken, Headset rausnehmen, einmal kurz prüfen, ob das wirklich der Preis war. Das R5 Pro HS macht direkt einen erstaunlich wertigen Eindruck. Die Verarbeitung ist sauber, nichts knarzt, nichts wackelt, und das Design wirkt schlicht und schick statt nach Gamer-Bling mit RGB-Disco am Ohr. Over-Ear-Muscheln, dezente Polster, dazu ein gut sitzender Bügel: zusammengefasst eine angenehm erwachsene Optik, mit der wir uns auch außerhalb des Gaming-Zimmers nicht verstecken müssen.

Das eigentliche Highlight in Sachen Design ist das Snap+Lock-System. Klingt erst mal nach Marketing-Buzzword, ist im Alltag aber wirklich charmant gelöst. An jeder Ohrmuschel sitzen magnetisch gehaltene Backplates, die sich mit einem beherzten Zug abnehmen und genauso flott wieder andocken lassen. Zwei austauschbare Plates liegen schon der Verpackung bei, weitere verkauft RIG separat. Wer auf Individualität steht, kann sich auch eigene Plates aus dem 3D-Drucker kommen lassen, die passenden Vorlagen liefert RIG direkt auf der Website. Ein bisschen Bastler-Vibe ist da durchaus drin. Das Clan-Logo, den Lieblingshelden oder doch einfach nur Farbakzente auf der Plate? Dank 3D-Druck alles möglich.

Dazu klappen sich die Ohrmuscheln flach an den Bügel, was den Transport im Rucksack deutlich entspannter macht. Insgesamt ein Auftritt, der in dieser Preisklasse mehr Persönlichkeit zeigt, als man eigentlich erwarten dürfte.

Stundenlanger Sitzkomfort ohne Druckpunkte

Komfort ist beim Gaming oft das, was einem erst nach zwei Stunden „Monster Hunter, aber noch eine Mission“ auf die Stirn geschrieben wird. Das R5 Pro HS geht da einen anderen Weg. Als Over-Ear sitzt es großzügig um das Ohr herum, nicht klemmend auf der Muschel, und die Polsterung wirkt von der ersten Minute an eingelaufen statt nach Hartplastik mit Aufkleber.

Die Memory-Schaum-Kissen auf den Ohrmuscheln sind ordentlich dick, ohne dass sich darunter gleich eine Mini-Sauna bildet. Oben auf dem Bügel ist ebenfalls genug Material drauf, damit nicht nach einer halben Stunde das Gefühl entsteht, als hätte man einen Bügelklammer-Gadget bei Ikea falsch montiert. Zusammen ergibt das einen stabilen, aber nicht tyrannischen Sitz: das Headset bleibt auch beim Aufspringen aus der Couch zu einem Bosskampf da, wo es hingehört, ohne dass wir das Gefühl haben, der Kopf wird gerade für die nächste Staffel „Squid Game“ gecastet.

Wenn der Bass den Sessel zum Beben bringt

Wir können Datenblätter mit Graphen-Membranen und harmonischer Verzerrung unter einem halben Prozent gerne stehen lassen. Entscheidend ist, ob sich das Ding auch dort nicht wie eine billige Dosenradio-Kopie anhört, wo Musik nicht nur Hintergrund ist, sondern aktiv Stress machen soll. Also haben wir eine Playlist zusammengestellt, die von „schön gesäuselt“ bis „bitte zerlegt die unteren Register“ alles abdeckt.

Daft Punks „Get Lucky“ kommt sauber und rund rüber, ohne dass uns die Gitarre digitale Zähne zeigt. Bei Hans Zimmers „Time“ merkt man sofort, wie das Headset Druck aufbaut, wenn die Streicher und das tiefe Fundament anrollen. Bei Kendrick Lamars „Humble“ darf der Bass ordentlich wummern, und genau das tut er: präsent, kontrolliert genug, dass nicht alles zu Matsch wird.

The Weeknds „Blinding Lights“ wirkt insgesamt angenehm geschichtet, nicht übergeboostet, aber auch nicht dünn. Ein echtes Schmunzeln gab es bei „I Love Big Speakers“, weil der richtig tiefe Subbereich hier noch klar und nachvollziehbar bleibt. Viele Konkurrenten in der Preisklasse verschlucken genau diesen Part oder liefern nur eine vage Vibration mit Ansage von Bass.

Billie Eilishs „Bad Guy“ profitiert vom Stereo-Spiel links und rechts, das hier knackig und nachvollziehbar bleibt. Bei Adeles „Hello“ und Norah Jones’ „Don’t Know Why“ zeigen sich die Höhen und die feinen Nuancen ohne Piepen oder aufgesetzte Schärfe. Kurz gesagt: wir hätten hier durchaus etwas zu meckern gesucht, aber außerhalb von Geschmacksfragen und Genre-Erwartungen bleibt der Hut unten.

Tempest 3D auf der PS5

Musik ist eine Sache, Games sind eine andere. Hier geht es weniger um „klingt das schön“ und mehr darum, ob wir Schritte übernehmen, bevor sie uns umlegen, und ob Explosionen nur laut sind oder auch irgendwo im Raum stehen. Das R5 Pro HS ist explizit auf Sonys Tempest 3D AudioTech ausgelegt, und auf der PS5 merkt man schnell, dass Stereo nicht automatisch dasselbe ist wie Richtung.

Action-lastige Momente profitieren vor allem von der räumlichen Auflösung: Geräusche wirken nicht wie eine Fläche zwischen beiden Ohren, sondern wie eine Szene, in der sich etwas links vor uns abspielt, rechts hinten nachzieht oder über uns einrollt. Das hilft nicht nur in ruppigen Online-Runden, sondern auch bei allem, was mit Atmosphäre zu tun hat, wenn Wind, Hall oder Fernkampfgeräusch den Raum füllen sollen.

Nach mehreren Stunden auf der Konsole bleibt der Eindruck: Das Headset transportiert die PS5-Audiokette ohne nach hinten zu fallen. Es wirkt präzise genug, dass wir Kommunikation und Spielsound nicht gegeneinander ausspielen müssen, sondern sauber voneinander trennen können. Wer Tempest bisher nur als Marketingwort kannte, bekommt hier zumindest Hardware, die nicht der Flaschenhals ist.

Mikrofon und Alltag

Wenn ihr wie wir erst Musik zerlegen und dann plötzlich im Party-Chat landet, ist die zweite große Frage immer dieselbe: Wie klingen wir für die anderen? Beim R5 Pro HS ist die Kurzfassung erfreulich unspektakulär. Sprache wirkt klar und natürlich und kommt verständlich rüber, ohne dass wir uns extra wie Moderatoren in die Mikrofonstellung ducken müssen.

Was ein kleiner Haken ist: Die Aufnahmelautstärke liegt etwas zurückhaltend. Nicht dramatisch, aber wenn ihr nach den ersten Sekunden merkt, dass ihr die Mikro-Einstellung noch zwei Stufen nach oben schieben müsst, ist das normal. Dafür funktioniert Flip-to-Mute so, wie man es sich wünscht: Mikro nach oben, Ruhe im Kanal.

Ein Punkt, der beim Datenblatt und auf der Produktseite gerne durcheinanderläuft: Dort taucht „abnehmbares Mikrofon“ auf. Unser Testgerät hat aber einen fest verbauten Boom und lässt sich nur hochklappen. Für den Alltag ist das okay. Für alle, die ein zweites Kabel-Mikro als Backup erwarten, ist es aber ein klassischer „lies nochmal nach“ Moment.

Lieferumfang und Bedienung

Der Karton mutet beim Öffnen ehrlich an: Headset, zwei zusätzliche Backplates, Papierkram mit Erklärungen und Garantiehinweisen, fertig. Keine Überraschungsbox mit Aufklebern, Poster und einem Schlüsselanhänger, den wir nach drei Tagen sowieso nicht wiederfinden. Für 79,90 Euro ist das okay, weil das Budget offensichtlich ins Produkt und nicht ins Packaging-Theater fließt.

Das Anschlusskonzept ist klassisch und dadurch nervenschonend: ein 1,5 Meter langes Kabel mit 3,5-mm-Klinke. Am DualSense steckt ihr den Stecker wie bei jedem klassischen Klinke-Headset für die PS5. Am PC oder am Handy ist es dieselbe Buchse, und meistens braucht ihr dafür keinen Adapter und keine zweite Gehirnhälfte für Setup-Rätsel. Die Lautstärkeregelung sitzt inline am Kabel, sodass wir nicht erst durch Menüs wühlen müssen, wenn uns eine Zwischensequenz gerade die Trommelfelle poliert.

Praktisch heißt das: auspacken, anschließen, läuft. Wer Funk und Ladepflicht hasst, bekommt hier eine sehr entspannte Sorte „Plug and Play“, ohne dass wir uns einen Doktor in Klinken-Adaptern holen müssen.

Fazit

Ich gebe es gerne zu: Ich hatte nicht erwartet, dass mir ein kabelgebundenes RIG-Headset unter 80 Euro so viel Spaß beim Hören macht. Nach mehreren Stunden auf der PS5 und einem Musik-Marathon, der von Filmscore bis Bass-Terror alles abdeckt, bleibt bei mir ein klarer Eindruck hängen. Das R5 Pro HS sieht schick aus, fühlt sich hochwertiger an, als der Preis vermuten lässt, und der Klang liefert bei mir durchweg Konstanz statt Überraschungen mit Ansage von Matsch.

Das Mikro passt für Party-Chats und normale Online-Runden, auch wenn ich die Aufnahmelautstärke etwas nachziehen würde. Flip-to-Mute ist bei mir genau dieser Moment „funktioniert einfach“, ohne Drama. Der kleine Stolperstein mit dem Datenblatt zum abnehmbaren Mikro nervt zwar, ändert aber nichts daran, dass ich das Headset insgesamt mit einem entspannten Daumen nach oben aus der Session schicke.

Eine Prämisse, die irgendwo zwischen komplettem Wahnsinn und genialem Einfall pendelt. Genau diese Art von Idee, bei der man sich nicht sicher ist: Wird das jetzt ein charmant-abgedrehter Geheimtipp oder ein völlig überladener Mix, der an seinen eigenen Ambitionen scheitert?

Denn Darwin’s Paradox! wirft nicht gerade wenig in den Ring: storygetriebenes Adventure, klassisches Jump ’n’ Run, Puzzle-Elemente, Stealth-Passagen und dazu ein Protagonist, der sich eher durch Tentakel als durch Beine definiert. Das kann schnell auseinanderfallen oder überraschend gut ineinandergreifen.

Die entscheidende Frage ist also nicht, ob das Spiel anders ist. Das ist es definitiv. Die Frage ist: Reicht das, um mehr zu sein als nur eine schräge Idee? Oder bleibt am Ende nur ein netter Gag, der spielerisch nicht trägt?

Da ist doch was faul

So ganz geheuer ist das Unternehmen UFood schon von Anfang an nicht. Liegt es am Logo? Am UFO im Namen? Oder einfach daran, dass Großkonzerne in Videospielen selten für das Gute stehen? Die Zweifel stellen sich jedenfalls schnell als berechtigt heraus.

Der Spieler schlüpft in die Haut – oder besser gesagt in die Tentakel – von Darwin, einem Oktopus, der eigentlich nur friedlich am Meeresgrund seinem Alltag nachgehen wollte. Stattdessen wird er von Aliens entführt und unfreiwillig Teil eines Plans zur Erlangung der Weltherrschaft. Klassischer Montag also.

Was folgt, ist eine bewusst kompakt gehaltene, aber durchweg unterhaltsame Story, die mit viel Witz, Charme und einem guten Gespür für Timing erzählt wird. Die Dialoge sitzen, die Gags zünden und auch die absurderen Momente wirken nie gezwungen, sondern angenehm organisch.

Ähnlich wie bei Destroy All Humans! setzt das Spiel auf kurzweilige, leicht zugängliche Unterhaltung, die aber trotzdem genug eigene Ideen mitbringt, um nicht wie eine bloße Kopie zu wirken.

Mit rund 6 bis 8 Stunden Spielzeit bleibt das Abenteuer angenehm überschaubar. Sammelgegenstände laden zwar zum Erkunden ein und strecken die Spielzeit minimal, echter Wiederspielwert entsteht aber primär durch den Wunsch, die Geschichte und ihre vielen kleinen Ideen noch einmal zu erleben.

In einer Zeit künstlich aufgeblasener Open-World-Giganten wirkt ein so fokussiertes, geradliniges Spiel erfrischend. Kein Leerlauf, kein künstliches Strecken … einfach ein rundes Erlebnis von Anfang bis Ende.

Springen, Verstecken, Rätseln

Das grundlegende Spielprinzip ist schnell erklärt und noch schneller verinnerlicht: Laufen, springen, greifen – die klassischen Werkzeuge eines Jump ’n’ Runs. Ergänzt wird das Ganze durch flüssige Unterwasserbewegungen wie Schwimmen und Sprinten, die sich angenehm leichtfüßig anfühlen.

Neu ist jedoch Darwins Fähigkeit, Tinte zu versprühen. Diese dient nicht nur als Gimmick, sondern ist zentraler Bestandteil vieler Spielsituationen. Wie im echten Leben nutzt Darwin die Tinte, um sich vor Feinden zu verstecken oder brenzlige Situationen zu entschärfen. Hat man den Dreh einmal raus, fühlt sich diese Mechanik nicht nur sinnvoll, sondern auch überraschend befriedigend an.

Darüber hinaus bringt nahezu jeder Levelabschnitt eine eigene kleine Idee oder Mechanik mit ins Spiel. Ein besonders gelungenes Beispiel: Darwin bewegt sich durch eine fluoreszierende Flüssigkeit, die ihm kurzfristig Sicht in dunklen Bereichen ermöglicht. Allerdings nur so lange, bis sie von seinem Körper abperlt. Das zwingt den Spieler dazu, schnell zu handeln, Wege effizient zu planen und Entscheidungen unter Zeitdruck zu treffen, ohne dabei unfair zu wirken.

Die Rätsel selbst sind durchweg gut ausbalanciert. Sie fordern, ohne zu frustrieren, und belohnen logisches Denken ebenso wie simples Ausprobieren. Der Spielfluss bleibt dadurch konstant hoch: Man bleibt selten lange hängen, hat aber trotzdem das Gefühl, sich die Lösungen verdient zu haben.

Ähnlich verhält es sich mit den Geschicklichkeitspassagen. Diese sind fordernd genug, um Aufmerksamkeit zu verlangen, aber nie so schwer, dass sie den Flow zerstören. Meist reichen ein bis zwei Versuche, um eine Passage zu meistern und daraus ergibst sich die genau richtige Balance zwischen Herausforderung und Zugänglichkeit.

Mit den ganz großen Genre-Revolutionen kann Darwin’s Paradox! zwar nicht mit Schwergewichten wie Super Mario Bros. oder Astro Bot mithalten, aber das muss es auch gar nicht. Stattdessen liefert es ein rundes, durchdachtes Gesamtpaket, das sich angenehm vertraut anfühlt, ohne langweilig zu werden.

Wie performt Darwin?

Technisch gibt sich das Spiel erfreulich unauffällig – im besten Sinne. Während des Tests sind keine nennenswerten Bugs oder technischen Probleme aufgefallen. Alles läuft stabil und flüssig, was gerade bei einem Spiel, das stark auf Timing und Bewegungsgefühl setzt, enorm wichtig ist.

Grafisch bewegt sich Darwin’s Paradox! auf einem für seine Preisklasse durchaus ansehnlichen Niveau. Besonders die Hintergründe wissen immer wieder zu überzeugen und verleihen den Levels eine gewisse Tiefe. Darwin selbst ist sauber animiert und bringt durch seine Bewegungen viel Persönlichkeit mit.

Die Levelgestaltung schwankt leicht zwischen kreativ und funktional. Manche Abschnitte stechen visuell hervor, andere wirken eher zweckdienlich. Das fällt auf, stört aber nie wirklich den Gesamteindruck.

Auch soundtechnisch macht das Spiel eine gute Figur. Sprachausgabe wird sparsam eingesetzt, sitzt dafür aber an den richtigen Stellen. Die musikalische Untermalung hält sich meist im Hintergrund, unterstützt die Atmosphäre aber zuverlässig und passend, besonders in Zwischensequenzen.

Fazit

Darwin’s Paradox! ist ein angenehm fokussiertes, kurzweiliges Abenteuer, das genau weiß, was es sein will und vor allem, was es nicht sein muss.

Anstatt sich in unnötiger Größe oder künstlich gestreckten Inhalten zu verlieren, setzt das Spiel auf klare Strukturen, gut getimte Ideen und ein durchgehend hohes Tempo. Das Ergebnis ist ein Erlebnis, das selten Leerlauf kennt und den Spieler konstant bei der Stange hält, ohne ihn zu überfordern.

Besonders stark ist dabei die Mischung aus Humor und Spielmechanik. Die Geschichte nimmt sich nie zu ernst, ohne dabei belanglos zu wirken, und die spielerischen Elemente greifen sauber ineinander. Rätsel, Plattforming und kleine Stealth-Passagen ergänzen sich sinnvoll, statt sich gegenseitig auszubremsen.

Natürlich merkt man dem Spiel an, dass es nicht mit den ganz großen Genre-Vertretern konkurrieren will und vielleicht auch gar nicht kann. Dafür fehlen stellenweise die wirklich herausragenden Ideen oder Momente, die sich langfristig einbrennen. Auch die überschaubare Spielzeit und der geringe Wiederspielwert sorgen dafür, dass das Abenteuer schneller vorbei ist, als man es sich vielleicht wünschen würde.

Aber genau darin liegt auch ein Teil seines Charmes. Darwin’s Paradox! ist kein Spiel, das den Spieler über Wochen beschäftigt sondern eines, das ihm ein paar sehr unterhaltsame Stunden liefert und dabei konstant ein gutes Gefühl hinterlässt.

Wer große Innovationen, maximale Spielzeit oder das nächste Genre-Meisterwerk erwartet, wird hier vermutlich nicht vollständig abgeholt. Wer aber Lust auf ein kreatives, humorvolles und angenehm kompaktes Spiel hat, bekommt hier genau das und das in einer Qualität, die man in diesem Segment nicht immer selbstverständlich bekommt.

Ein kleiner, schräger Trip mit Tentakeln also, der genau dann aufhört, wenn es am schönsten ist.

Ex-Polizist erhält zwielichtigen Auftrag – Cliché muss sein

Die Story versetzt den Spieler in die Rolle eines abgeklärten Privatdetektivs, der sich durch eine von Kriminalität und Korruption geprägte Stadt bewegt. Klassische Noir-Motive ziehen sich durch das gesamte Spiel. Es geht um zwielichtige Aufträge, moralische Grauzonen und Figuren, deren Motive selten eindeutig sind. Die Handlung wird dabei bewusst zurückhaltend erzählt. Statt langer Zwischensequenzen oder ausführlicher Dialoge setzt das Spiel auf kleine erzählerische Fragmente, die sich nach und nach zusammensetzen und immer wieder aus dem Off kommentiert werden. Oft sind es Umgebungsdetails oder kurze Begegnungen, die Hinweise liefern und die Welt greifbarer machen. Diese Form des Storytellings passt hervorragend zur Atmosphäre, sorgt aber auch dafür, dass die narrative Tiefe begrenzt bleibt. Die Geschichte erfüllt ihren Zweck als Rahmen, bleibt jedoch insgesamt eher funktional und erreicht selten die emotionale Wucht, die das Setting eigentlich ermöglichen würde.

Im Mittelpunkt steht klar das Gameplay, das sich als überraschend dynamisch und fordernd entpuppt. Als First-Person-Shooter setzt das Spiel stark auf Bewegung und Geschwindigkeit. Klassisches Laufen und Springen werden durch zusätzliche Bewegungsarten ergänzt, die das Spielgefühl deutlich auflockern. Schnelle Ausweichmanöver, flüssiges Ducken und agile Richtungswechsel ermöglichen es, Angriffen aktiv zu entgehen und Gegner strategisch zu umkreisen. Dadurch entsteht ein Flow, der stark an moderne Arena-Shooter erinnert und den Spieler dazu zwingt, ständig in Bewegung zu bleiben. Stillstand wird hier schnell bestraft.

Schießen mit Papierkugeln

Die Feuergefechte profitieren grundsätzlich von dieser hohen Mobilität, da sie ein aktives und reaktives Spielverhalten fördern. Gleichzeitig zeigen sich hier aber auch einige Schwächen. Die Steuerung fühlt sich nicht immer so präzise an, wie es das schnelle Gameplay eigentlich erfordern würde. In hitzigen Gefechten kann es vorkommen, dass Bewegungen minimal ungenau umgesetzt werden, was gerade bei knappen Situationen frustrierend sein kann. Hinzu kommt ein stellenweise schwaches Trefferfeedback. Obwohl die visuelle Darstellung von Treffern auffällig und stilisiert ist, fehlt es manchmal an dem klaren, direkten Gefühl, tatsächlich Wirkung zu erzielen. Das kann dazu führen, dass Kämpfe weniger befriedigend wirken, als sie es eigentlich sein könnten. Durch den comichaften Stil sind auch Entfernungen schwer einschätzbar, was vor allem im Nahkampf zu Problemen führen kann.

Ein weiterer Kritikpunkt betrifft die technische Umsetzung. Gelegentlich auftretende Ruckler stören den Spielfluss, insbesondere in Momenten, in denen viele Effekte gleichzeitig auf dem Bildschirm stattfinden. Gerade bei einem Spiel, das so stark auf Tempo und Reaktionsfähigkeit setzt, fallen solche Performance-Schwankungen besonders negativ auf. Sie sind zwar nicht dauerhaft präsent, aber häufig genug, um den Gesamteindruck leicht zu trüben.

Trotz dieser Schwächen überzeugt das Gameplay durch seine Grundidee und seine konsequente Umsetzung. Die Waffen sind stilistisch hervorragend in die Welt eingebettet und wirken bewusst überzeichnet, ohne ihre Funktionalität zu verlieren. Dennoch hätte man sich auch hier etwas mehr Vielfalt oder Entwicklungsmöglichkeiten gewünscht, da sich einige Gefechte im späteren Verlauf ähneln.

Besonders hervorzuheben ist die enge Verbindung zwischen Gameplay und visueller Gestaltung. Die Cartoon-Ästhetik ist nicht nur ein optisches Highlight, sondern beeinflusst aktiv die Wahrnehmung des Spiels. Gegner sind klar erkennbar, Animationen sind überzeichnet und helfen dabei, Aktionen schnell zu erfassen. Gleichzeitig kann die Fülle an Effekten in hektischen Situationen auch zu Unübersichtlichkeit führen, was den Spielfluss kurzfristig beeinträchtigen kann.

Die Levelgestaltung bietet neben den Kämpfen auch Raum für Erkundung. Optionale Collectibles sind geschickt in den Umgebungen versteckt und belohnen Spieler, die sich Zeit nehmen, die Level genauer zu untersuchen. Diese Sammelobjekte sind sinnvoll integriert und wirken nie aufdringlich. Sie tragen dazu bei, die Welt lebendiger erscheinen zu lassen, und bieten einen zusätzlichen Anreiz, sich intensiver mit den einzelnen Abschnitten auseinanderzusetzen.

Rubber-Hose bis zum Ende

Audiovisuell setzt das Spiel ein klares Ausrufezeichen. Die Schwarzweiß-Optik, kombiniert mit Filmkorn-Effekten und flüssigen, stark stilisierten Animationen, erzeugt eine unverwechselbare Ästhetik, die sofort ins Auge fällt. Die Figuren erinnern in ihrer Darstellung stark an klassische Cartoon-Produktionen der frühen Filmgeschichte, was dem Spiel eine ganz eigene Identität verleiht. Der Soundtrack unterstützt diese Wirkung mit jazzigen, teils melancholischen Klängen, die perfekt zum Noir-Setting passen. Die Soundeffekte sind hingegen bewusst überzeichnet und tragen zur cartoonhaften Inszenierung bei. Auch wenn diese Kombination insgesamt sehr stimmig ist, kann sie bei längeren Spielsitzungen eine gewisse Gleichförmigkeit entwickeln.

Die Atmosphäre ist letztlich die größte Stärke des Spiels. Die Verbindung aus düsterem Detektiv-Setting und humorvoller, überzeichneter Präsentation erzeugt einen spannenden Kontrast, der das Spiel einzigartig macht. Gleichzeitig zeigt sich aber auch, dass der starke Fokus auf Stil nicht in allen Bereichen vollständig ausgeglichen wird. Die Story bleibt eher oberflächlich, und auch spielerisch hätte man sich mehr Variation in den Missionszielen gewünscht, um langfristig noch mehr Abwechslung zu bieten.

Fazit

Mouse P.I. for Hire ist ein stilistisch außergewöhnlicher Shooter, der vor allem durch seine markante Ästhetik und sein schnelles, bewegungsorientiertes Gameplay auffällt. Trotz technischer Schwächen wie gelegentlichen Rucklern, einer nicht immer präzisen Steuerung und einem ausbaufähigen Trefferfeedback gelingt es dem Spiel, eine eigene Identität zu etablieren. Wer sich auf diese besondere Mischung einlässt, bekommt ein Erlebnis, das sich klar von der Masse abhebt, auch wenn es sein volles Potenzial nicht in allen Bereichen ausschöpft.

Allein durch die Raumstation

Die Story von PRAGMATA entfaltet sich auf einer isolierten Mondbasis, die gleichzeitig als Forschungsstation und als Sinnbild für die thematische Ausrichtung des Spiels dient. Diese abgeschottete Umgebung ist geprägt von Leere, Stille und einem latenten Gefühl von Kontrollverlust. Wir spielen Hugh, der recht schnell der einzige (uns bekannte) Mensch auf der Station ist. Allerdings treffen wir auf eine PRAGMATA, einen KI-Roboter in der Optik eines kleinen Mädchens. Ohne ins Detail zu gehen, entwickelt sich ihre Beziehung im Laufe der Handlung zu einem emotionalen Ankerpunkt, der die Geschichte trägt. Die Mondbasis selbst wird dabei zum erzählerischen Werkzeug, denn ihre verlassenen Korridore, beschädigten Systeme und fragmentierten Daten geben Stück für Stück Hinweise darauf, was hier geschehen ist.

Vergleiche mit Dead Space liegen nahe, vor allem aufgrund des ähnlichen Settings. Beide Spiele setzen auf eine isolierte Hightech-Umgebung, in der der Spieler mit den Überresten einer Katastrophe konfrontiert wird. Doch während Dead Space gezielt auf Horror, Schockmomente und körperliche Bedrohung setzt, schlägt PRAGMATA einen deutlich ruhigeren Ton an. Die Spannung entsteht weniger durch unmittelbare Gefahr, sondern vielmehr durch das Unbekannte, durch die Fragen, die das Spiel aufwirft, und durch die emotionale Entwicklung seiner Figuren. Wo Dead Space den Spieler unter Druck setzt, lässt PRAGMATA ihm Raum zum Nachdenken. Dieser Ansatz funktioniert über weite Strecken sehr gut, auch wenn die Handlung insgesamt etwas vorhersehbar bleibt. Gerade erfahrene Science-Fiction-Fans werden viele erzählerische Wendungen früh erahnen, was den Überraschungseffekt mindert, ohne die grundsätzliche Qualität der Inszenierung zu schmälern.

Spielerisch kombiniert PRAGMATA mehrere Elemente, die ineinandergreifen und ein eigenständiges Gesamtbild ergeben. Exploration spielt eine zentrale Rolle, da die Mondbasis in zahlreiche miteinander verbundene Areale unterteilt ist, die es zu entdecken gilt. Dabei wird der Spieler immer wieder vor kleinere und größere Rätsel gestellt, die oft direkt mit der Umgebung interagieren. Türen müssen umgangen, Systeme reaktiviert und Wege neu erschlossen werden. Diese Mechaniken sind grundsätzlich gut umgesetzt, leiden jedoch gelegentlich unter dem teils komplizierten Levelaufbau. Die Areale sind nicht immer klar strukturiert, was dazu führen kann, dass man sich häufiger orientieren muss, als es dem Spielfluss guttut.

Hacken (moderat) leicht gemacht

Ein echtes Highlight ist die Hackmechanik, die sich deutlich von gängigen Genrestandards abhebt. Anstatt einfache Quicktime-Events oder triviale Minispiele einzubauen, integriert PRAGMATA ein kleines taktisches System, das sowohl in Kämpfen als auch bei der Interaktion mit der Umgebung eine Rolle spielt. Spieler müssen aktiv entscheiden, wann und wie sie Systeme hacken, um Gegner zu schwächen oder Hindernisse zu überwinden. Dabei entsteht eine interessante Mehrschichtigkeit, da man gleichzeitig die eigene Position im Auge behalten, Angriffe vermeiden, Schaden verursachen und die Hackprozesse koordinieren muss. Diese Mechanik verleiht dem Spiel eine eigene Identität und sorgt für frische Impulse im ansonsten vertrauten Genre-Mix. Allerdings benötigt sie eine gewisse Eingewöhnungszeit und kann gerade in den ersten Stunden etwas überfordernd wirken.

Ergänzt wird dieses System durch den zentralen Hub-Bereich, der als organisatorisches Herzstück des Spiels fungiert. Hier kehrt der Spieler regelmäßig zurück, um Fortschritte zu verwalten, neue Ausrüstung vorzubereiten und die nächsten Schritte zu planen. Der Hub ist mehr als nur ein Menü in räumlicher Form, denn er vermittelt ein Gefühl von Sicherheit und Struktur innerhalb der ansonsten feindlichen Umgebung. Gleichzeitig dient er als Ausgangspunkt für neue Expeditionen in die verschiedenen Bereiche der Mondbasis.

Eng mit diesem Hub und der gesamten Spielmechanik verbunden ist das sogenannte Lunafilament, eine der interessantesten Ideen von PRAGMATA. Dabei handelt es sich um ein futuristisches Material, das es ermöglicht, nahezu alles direkt vor Ort zu „drucken“. Waffen und Werkzeuge können mithilfe dieses Systems erzeugt werden. Diese Mechanik hat direkte Auswirkungen auf das Leveldesign, da viele Abschnitte darauf ausgelegt sind, dass sich die Umgebung verändern kann. Brücken können erschaffen, Abgründe überwunden oder alternative Wege freigelegt werden. Das sorgt für ein stärkeres Gefühl von Freiheit und Individualität im Lösungsansatz. Gleichzeitig bringt es aber auch eine gewisse Komplexität mit sich, da nicht immer sofort klar ist, welche Möglichkeiten zur Verfügung stehen. In Kombination mit dem ohnehin verschachtelten Leveldesign kann das zu Momenten führen, in denen Spieler kurzzeitig den Überblick verlieren.

Die Kämpfe selbst sind funktional und profitieren vor allem von der Verbindung zur Hackmechanik. Gegner sind meist technologischer Natur und verfügen über unterschiedliche Verteidigungsmechanismen, die erst durch gezieltes Hacken durchbrochen werden können. Dadurch entsteht eine interessante Dynamik, die über reines Zielen und Schießen hinausgeht. Die Auswahl an Gegnertypen ist zwar nicht übermäßig groß, aber ausreichend differenziert, um über längere Zeit hinweg abwechslungsreich zu bleiben. Dennoch wäre gerade im späteren Spielverlauf etwas mehr Vielfalt wünschenswert gewesen, um die Spannung konstant hochzuhalten.

Sammelwut in Maßen

Neben der Hauptstory bietet PRAGMATA auch kleinere Nebenaktivitäten, die sich organisch in die Spielwelt einfügen. Dabei handelt es sich meist um optionale Erkundungsbereiche, zusätzliche Rätsel oder versteckte Herausforderungen, die abseits des Hauptpfades liegen. Diese Inhalte erweitern die Spielzeit und belohnen neugierige Spieler, bleiben aber insgesamt eher Ergänzung als tragende Säule des Spiels. Wer sich ausschließlich auf die Hauptgeschichte konzentriert, verpasst zwar einige interessante Details, aber keine essenziellen Inhalte. Collectibles liefern zusätzliche Hintergrundinformationen zur Welt, zur Mondbasis und zu den Ereignissen, die sich dort abgespielt haben. In manchen Fällen sind auch kleinere Upgrades oder Boni damit verbunden. Die Sammelobjekte sind sinnvoll in die Umgebung integriert und fördern die Erkundung, ohne sich zu aufdringlich in den Vordergrund zu drängen. Allerdings fehlt ihnen ein wenig die Besonderheit, die sie zu einem echten Highlight machen würde.

Audiovisuell bewegt sich PRAGMATA auf einem hohen Niveau. Die Grafik überzeugt durch detaillierte Umgebungen, realistische Lichteffekte und einen klaren künstlerischen Stil, der die sterile, fast schon lebensfeindliche Atmosphäre der Mondbasis perfekt einfängt. Besonders die Darstellung von Weite und Leere, kombiniert mit engen Innenräumen, erzeugt ein starkes Gefühl von Isolation. Die Animationen sind flüssig und die Inszenierung der Zwischensequenzen unterstreicht den cineastischen Anspruch des Spiels.

Außerirdische Atmosphäre

Der Soundtrack hält sich häufig im Hintergrund, setzt aber gezielt emotionale Akzente, wenn es darauf ankommt. Statt permanent präsent zu sein, unterstützt die Musik vor allem ruhige oder bedeutungsvolle Momente und verstärkt deren Wirkung. Die Soundeffekte sind präzise und tragen maßgeblich zur Glaubwürdigkeit der Spielwelt bei. Schritte, mechanische Geräusche und Umgebungsgeräusche fügen sich zu einem stimmigen Gesamtbild zusammen, das die Atmosphäre zusätzlich verdichtet.

Diese Atmosphäre ist letztlich die größte Stärke von PRAGMATA. Das Spiel schafft es, eine dichte, beinahe meditative Stimmung aufzubauen, die sich konsequent durch das gesamte Erlebnis zieht. Die Kombination aus visueller Gestaltung, Sounddesign und erzählerischem Fokus sorgt dafür, dass sich die Welt glaubwürdig und greifbar anfühlt. Es ist ein Spiel, das nicht durch permanente Reize überzeugt, sondern durch seine ruhigen Momente und die Art, wie es den Spieler in seine Welt eintauchen lässt.

Trotz aller Stärken bleibt PRAGMATA nicht frei von Schwächen. Der bereits erwähnte Levelaufbau kann den Spielfluss spürbar bremsen, und die teilweise vorhersehbare Story nimmt der ansonsten gelungenen Inszenierung etwas von ihrer Wirkung. Auch die begrenzte Gegnervielfalt und die nicht immer intuitive Nutzung des Lunafilaments sind Punkte, die das Gesamtbild leicht trüben. Dennoch überwiegen die positiven Aspekte deutlich.

Fazit

PRAGMATA ist ein mutiger und eigenständiger Titel, der sich bewusst vom Mainstream abhebt. Er richtet sich an Spieler, die bereit sind, sich auf ein langsameres Tempo, ungewöhnliche Mechaniken und eine eher introspektive Erzählweise einzulassen. Wer genau das sucht, wird mit einem intensiven und atmosphärisch dichten Erlebnis belohnt, das noch lange nach dem Abspann nachhallt. Ich fand besonders angenehm, dass das Spiel nicht unnötig in die Länge gezogen wurde. Die Story entfaltet sich in angenehmer Geschwindigkeit, aber auf unnötiges Backtracking, Grinding oder Ähnliches wurde verzichtet. So kann man den Space-Epos einfach entspannt genießen.

Ein neuer Busservice ist in der Stadt

Direkt zum Start erfahren wir im Verlauf einer kurzen Sequenz, dass ein neuer Busservice für die Stadt Emberville ins Leben gerufen wurde und wir dort nun als neuer Mitarbeiter dabei helfen sollen, das Unternehmen zu etablieren. Der grobe Storyrahmen ist für eine Simulation dieser Art sehr angenehm und die Sequenzen sind auch stimmungsvoll und optisch ansprechend geraten. Ein leichtes Ruckeln des Videos können wir an dieser Stelle aber nicht verschweigen. Im weiteren Verlauf findet der Handlungsrahmen dann vorranig in Form von Telefonaten statt, die wir während der Fahrt mit Kollegen oder Vorgesetzten führen.

Zugängliches Steuerungskonzept

In unserem Bus angekommen, wird uns anhand eines kurzen Tutorials die grundlegende Steuerung des Gefährts gezeigt sowie die Darstellung des HUDs erklärt. Hier präsentiert sich Bus Bound als äußerst zugänglich und liefert eine griffige Controllersteuerung mit allen wichtigen Grundfunktionen in Reichweite - also zum Beispiel je eine Taste für die Blinker, das Fernlicht, die Handbremse oder die Türen. Auch Hupe oder Scheibenwischer sind bei Bedarf direkt per Knopfdruck zu bedienen. Gas und Bremse liegen standardmäßig gut erreichbar auf den Schultertasten, dank voreingestellter Automatik müssen wir uns über die Schaltung keine Gedanken machen, wenn wir dies nicht wollen - eine manuelle Schaltung ist aber auch möglich. Praktisch ist auch der Tempomat mit regelbarer Motorbremse, der es uns erlaubt das Fahren ein Stück weit zu automatisieren. Wer möchte, kann sämtliche Aspekte des Busses, von den einzelnen Türen, über die Warnlichter, den Automatikhebel oder auch die unterschiedlichen Lichter innen und außen am Bus auch über die entsprechenden Knöpfe im Cockpit bedienen und dadurch ein realitätsnaheres Spielgefühl kreieren. Alle anderen erhalten dank der angenehmen Controllerbelegung aber auch ein sehr zugängliches und intuitives Steuerungskonzept, über das man nicht lange nachdenken muss.

Maximale Übersicht und gutes Spielgefühl

Sehr schön gelöst ist, dass sich beim Blinken automatisch ein Fenster auf unserem HUD öffnet, das uns die Ansicht des Rückspiegels der entsprechenden Seite zeigt. Diese ist zwar auch direkt auf dem tatsächlichen Spiegeln zu erkennen, auf dem HUD ist das ganze aber deutlich komfortabler. Ein weiterer Punkt, der für maximale Übersicht sorgt, ist die digitale Anzeige unserer Geschwindigkeit sowie die aktuell zulässige Höchstgeschwindigkeit direkt auf dem Display. Das macht es uns natürlich leicht, uns an die Verkehrsregeln zu halten. Ebenfalls praktisch ist die Tatsache, dass wir an roten Ampeln grundsätzlich rechts abbiegen dürfen - vorausgesetzt der Geradeausverkehr lässt es zu - dies spart Zeit und sorgt für einen besseren Flow.

Sowieso nimmt es Bus Bound - im Gegensatz zum bereits erwähnten Bus Simulator 21 - nicht ganz so genau mit dem Realismus, zugunsten des Spielgefühls. Während wir beim Bus Simulator gefühlt schon für jeden Grashalm, den wir streifen, eine Verwarnung bekommen, geht Bus Bound mit Bordstein-Begegnungen und kleineren Kollisionen sehr locker um. Bei richtigen Unfällen oder übersehenen Bodenschwellen melden sich dann aber schnell die Passagiere oder auch die Alarmanlagen der parkenden Autos. Weiterhin zeigt uns Bus Bound immer deutlich die Zeit bis zur nächsten Haltestelle an und lässt uns mit klar erkennbaren Sternebewertungen und gehobenen Daumen erkennen, wie gut unsere Fahrweise bei den Fahrgästen ankommt. Die verschiedenen Wertungen bauen aufeinander auf, sodass es für jede Haltestelle eine festgelegte Anzahl an Daumen hoch gibt, die uns, sobald wir sie erreicht haben, einen Stern einbringt. Über die Sterne schalten wir dann wiederum zusätzliche Haltestellen oder Anpassungen für den Bus frei. Neue Busse gibt es dann, wenn es uns gelingt, alle Haltestellen eines Bezirks und damit den gesamten Bezirk selbst aufzuwerten.

Feeling vor Realismus

Insgesamt fühlt sich Bus Bound auch bei der Steuerung des Busses deutlich arcadiger an als die Konkurrenz. Wir haben eher das Gefühl, in einem klassischen Open-World-Spiel einen Bus zu steuern als jetzt tatsächlich eine auf maximalen Realismus fixierte Simulation zu spielen. Dies hat sowohl Vor- als auch Nachteile. So ist das Spielgefühl in Bus Bound von Anfang an sehr befriedigend und belohnend. Alles fühlt sich smooth und leichtgängig an, wohingegen wir im Bus Simulator 21 schon auch mal mit dem Gefährt zu kämpfen hatten. Hier kommt es am Ende schlichtweg darauf an, was einem selbst wichtiger ist. So setzt Bus Bound sehr viel mehr auf Atmosphäre und lässt dafür den einen oder anderen Realismusaspekt außen vor. So müssen wir zum Beispiel auf das Verkaufen von Fahrkarten verzichten, da es in Emberville keine Fahrkarten gibt. Diese werden nämlich von der Stadt bezahlt. Im Bus Simulator bedienen wir hier selbst den Kartendrucker und geben auch Wechselgeld aus. Wer diesen Aspekt mochte, muss in Bus Bound leider ohne ihn auskommen.

Gleiches gilt für das Aussteigen aus dem Bus. Hier konnten wir im Bus Simulator 21 nicht nur frei im Bus umherlaufen, sondern diesen auch verlassen und nach Belieben in der offenen Welt spazieren gehen. Beides ist in Bus Bound nicht möglich. Dafür liefert Bus Bound eine deutlich stimmungsvollere offene Stadt ab. Diese dient im Bus Simulator in erster Linie natürlich dafür, das Erlebnis des Busfahrens bestmöglich darzustellen. Dies hat aber auch zur Folge, dass außerhalb der Bushaltezonen nur sehr wenig Betrieb in den Straßen ist. Bus Bound setzt hier auf belebte Straßen, eine deutlich lebendigere, dynamische Kulisse, in der Leute in Cafés sitzen, spazieren gehen oder anderen Aktivitäten nachgehen, die einen natürlichen Alltag simulieren. Hinzu kommen Gesprächsfetzen und Kommentare der Fahrgäste, die uns per Untertitel im Cockpit angezeigt werden, sei es, um uns ein wenig Einblick in das zu geben, was sich hinter uns im Bus abspielt oder, um direkt von den Fahrgästen zu erfahren, wenn ihnen irgendetwas missfällt. So werden auch die Fahrten ansprechend in Szene gesetzt.

Auch optisch weiß Bus Bound zu überzeugen und liefert uns tolle Lichteinfälle, einen stimmungsvollen Tag- und Nachtwechsel sowie dynamisches Wetter. Beides ist übrigens nicht nur optischer Natur, sondern beeinflusst auch das Spielerlebnis. So hat die Tageszeit Einfluss darauf, wo die Passagiere hin gefahren werden möchten, sodass nachts zum Beispiel mehr Bedarf für Fahrten zu den Clubs der Stadt ist. Auch die Anzahl der Passanten in den Bezirken hängt von der Tageszeit ab. Das Wetter hat wiederum Einfluss auf das Tempo des Verkehrs, wodurch bei Regen beispielsweise alles langsamer abläuft, dafür aber auch weniger los ist. Die Stadt an sich kann in Sachen Atmosphäre und Abwechslung ebenfalls punkten und sorgt mit zahlreichen Sehenswürdigkeiten, sichtbar unterschiedlichen Bezirken mit individueller Architektur und eigenen Hotspots sowie zahlreichen detailliert umgesetzten Dekorationen für eine sehenswerte Kulisse. Randbezirke fühlen sich zum Beispiel völlig anders an als das pulsierende von Hochhäusern geprägte Herz der Innenstadt oder die grünen Parks am Stadtrand. Auch die Charaktermodelle sehen ordentlich aus ebenso wie die verschiedenen Busse, bei denen es sich um offiziell lizenzierte Fahrzeuge handelt, aber eben um amerikanische und nicht um deutsche. Marken wie Horizon, New Flyer oder Blue Bird dominieren hier den Fuhrpark. Ebenfalls zur Atmosphäre trägt der chillige Soundtrack bei, der uns mit lockeren Instrumentalstücken die Fahrten versüßt und für eine entspannte Grundstimmung sorgt. Gleiches gilt für die sehr ordentlich auf Deutsch vertonten Gespräche, die unsere Vorgesetzten mit uns führen.

Willkommen im Büro

Zwischen unseren Schichten finden wir uns regelmäßig im Büro des Busservices wieder. Hier greifen wir zum Beispiel auf unsere Garage zu, von wo aus wir den Look unserer freigeschalteten Busse verändern, Farben und Muster anpassen oder auch eine freie Fahrt in der Stadt unternehmen können. Weiterhin erhalten wir im Büro eine Übersicht über alle aktuellen Linien und haben außerdem die Chance, selbst eigene Linien über den Linien-Editor zu erstellen, was schnell und einfach von statten geht. Im übersichtlichen Fahrer-Ratgeber finden wir zudem noch einmal alle Tutorials und Erklärungen auf einen Blick, falls wir etwas nachschlagen möchten. Über die Statistiken können wir zudem jederzeit unsere Fortschritte bei den einzelnen Haltestellen und Bezirken einsehen sowie uns einen Überblick über die bereits verdienten und die noch ausstehenden Vorteile verschaffen. Das Büro ist zwar nicht begehbar, dafür wurde es als dynamischer Hintergrund ansprechend gestaltet und überzeugt zudem mit einer gemütlichen und einladenden Atmosphäre. Darüber hinaus bietet es auch Zugriff auf den Multiplayer-Modus des Spiels, für den aber erwartungsgemäß ein PS-Plus-Abo erforderlich ist.

Fazit

Bus Bound wählt, im Vergleich zu anderen Simulationen dieser Art, einen deutlich zugänglicheren Weg. Ob dies etwas Gutes ist, hängt letztlich vom Spielertyp ab. Eine knallharte Realismussimulation gibt es hier in jedem Fall nicht, dafür ein äußerst stimmungsvolles und angenehm belohnendes Wohlfühl-Spiel, das sowohl mit seiner geschmeidigen Umsetzung des eigentlichen Fahrens als auch mit seiner tollen und abwechslungsreichen Spielwelt überzeugen kann. Ja, es gibt Aspekte, die uns aus der klassischen Simulation fehlen - vom freien umher Laufen bis hin zum Verkaufen von Tickets - aber Bus Bound setzt hier einfach andere Schwerpunkte und liefert in erster Linie einen sehr guten Flow! Hinzu kommen eine zugängliche Steuerung, die sich bei Bedarf auch komplizierter gestalten lässt, sowie dynamische Aspekte wie Wetter und Tageszeit, die tatsächlich auch Einfluss auf das Spiel haben. Alles in allem überwiegen für mich, der schon viele Stunden im Bus Simulator 21 verbracht hat, gerade wegen der anderweitig gesetzten Schwerpunkte ganz klar die positiven Aspekte. Bus Bound macht Spaß, liefert ein befriedigendes Spielgefühl und geht mit seiner durch und durch angenehmen Stimmung fast als Cozy-Game durch.

Seit September 2025 ist das Spiel im Early Access und mittlerweile auch für PS5 erschienen. Die Version vor dem Full Release konnte unglaublich positive Rückmeldung generieren. Zeit also, sich die Vollversion anzusehen und zu prüfen, ob sie den Ansprüchen gerecht wird und ob das Spiel nur etwas für alte Hasen oder auch für Neueinsteiger ist.

Alte Götter, neue Heldin

Wie schon im ersten Teil geht es für die Story in die griechische Mythologie. Dieses Mal spielt man allerdings Melinoe, die Schwester von Zagreus aus Teil 1 – eine junge Hexe, deren Hintergrundgeschichte man nach und nach im Spielverlauf erfährt. Zu Beginn ist erstmal nur eines klar: Chronos, Herrscher über die Zeit und Melinoes Großvater, hat die Unterwelt übernommen. Ziel des Spiels ist es also, ihn zu bezwingen. Die Hintergründe hierzu werden Schicht für Schicht im Verlauf der Handlung freigelegt.

Zur Story lässt sich sagen: Sie ist nicht einfach nur Beiwerk. Sie motiviert, wenn auch nach dem Gameplay als zweitwichtigster Faktor.

Vorangetrieben wird die Geschichte durch Dialoge mit zahlreichen Charakteren aus der griechischen Mythologie. Wir treffen beispielsweise auf Nemesis oder Hekate. Die Figuren sind allesamt mit viel Liebe zum Detail gestaltet und das sowohl visuell als auch in ihrer Ausdrucksweise. Die Dialoge sind großartig umgesetzt und sorgen nicht nur für einige Lacher, sondern auch für den einen oder anderen nachdenklichen Moment.

Liebe zum Detail zeigt sich auch darin, wie die mythologischen Figuren interpretiert wurden. Von offensichtlichen Anspielungen bis hin zu kleinen Details, die wohl nur Kenner des Ursprungsmaterials erkennen findet sich hier alles.

Die Gespräche und Charaktere bleiben dabei stets abwechslungsreich und einprägsam. Zudem gibt es so viele Dialogzeilen, dass man selbst nach zahlreichen Läufen längst nicht alles gesehen oder gehört hat. Hier haben sich die Entwickler also nicht auf die faule Haut gelegt.

Abgerundet wird das Ganze durch atmosphärische Rückblenden, in denen der Spieler in die Rolle der jungen Melinoe schlüpft und beispielsweise Szenen aus ihrer Kindheit hautnah miterlebt.

Scheitern als Fortschritt

Hades 2 ist (wie schon der Vorgänger) ein Roguelike. Das bedeutet: Sterben gehört hier zur Tagesordnung. Man bereitet sich auf den Kampf vor, betritt die Dungeons und versucht, möglichst weit zu kommen, während man wichtige Ressourcen für zukünftige Durchläufe sammelt. So lange, bis man eine Kombination aus Fähigkeiten, Waffen und Spielstil gefunden hat, die es erlaubt, Chronos zu besiegen.

Wie Kenner des Genres wissen, kann das extrem motivierend sein und Hades 2 macht daraus beinahe eine Sucht. Das Spiel schafft eine sehr gute Balance zwischen Einsteigerfreundlichkeit und spielerischer Tiefe.

Die Lernkurve ist motivierend, auch für Genre-Neulinge. Anfangs wird man zwar ins kalte Wasser geworfen und versteht wenig, doch mit jedem Durchlauf wächst das Verständnis für Gegnermuster, Fähigkeiten und Waffen sowie deren Vorzüge. Auch den magischen Bannkreis, der Gegner verlangsamt, lernt man geschickter einzusetzen und zum eigenen Vorteil zu nutzen.

Gleichzeitig sammelt man Ressourcen, die in temporäre oder permanente Upgrades investiert werden können. So wird aus „Versagen“ schnell ein „Ich bin schon wieder ein Stück besser geworden“-Gefühl.

Hat man das Spielprinzip, die Bewegungsmuster der Gegner und die eigenen Fähigkeiten erst einmal verinnerlicht, entfaltet das Spiel einen enormen Sog. Verschiedene Kombinationen aus Upgrades (etwa temporäre Göttersegnungen) und Waffen eröffnen spannende Synergien, die den Spieler dem Ziel, Chronos zu besiegen, Schritt für Schritt näherbringen. Das lädt ein, zu experimentieren, einen eigenen Spielstil zu finden und dann die möglichen Verbesserungen zu wählen, die diesem Stil entsprechen. Hat man erstmal den Dreh raus, ergeben sich Kombinationen, die sich richtig mächtig anfühlen und das kann ungemein motivierend sein.

Wer allerdings keine Lust hat, Builds zu basteln oder unterschiedliche Herangehensweisen auszuprobieren, könnte hier schnell frustriert werden.

Detailverliebte Unterwelt

Hades 2 strotzt vor Detailreichtum. Die Charaktere sind liebevoll gestaltet, und auch die Animationen der Waffen und Angriffe sind beeindruckend.

Die Dungeons wirken optisch teilweise etwas eintönig, was jedoch kaum ins Gewicht fällt, da der Fokus ohnehin auf dem Geschehen liegt. Dieses läuft jederzeit flüssig und stabil und zeigt sich auf der PS5 in Topform: keine Bugs, keine Ruckler, keine Framerate-Einbrüche, selbst wenn der Bildschirm voller Effekte und Gegner ist.

Die Zwischenwelt, von der aus jeder Lauf startet, sprüht hingegen vor Leben und ist wunderschön gestaltet.

Selbst die statischen 2D-Modelle der Charaktere wirken durch kleine Details lebendig – etwa durch visuelle Effekte beim ersten Kennenlernen.

Klar: Seit dem ersten Teil ist einige Zeit vergangen und das sieht man. Hades 2 legt optisch noch einmal eine ganze Schippe drauf.

Lo-Fi-Epos

Nicht nur optisch hat Hades 2 einiges zu bieten. Auch akustisch spielt es in der obersten Liga. Das Voice Acting erweckt die teils schrillen Charaktere zum Leben, und das Sounddesign ist jederzeit klar und stimmig abgemischt.

Das wahre Highlight ist jedoch die musikalische Untermalung. Ein eigenständiger Mix aus Lo-Fi-Hip-Hop und atmosphärischen Klängen schafft einen einzigartigen Soundteppich, auf dem die Action perfekt zur Geltung kommt.

Bosskämpfe verfügen jeweils über eigene Tracks. Wer Gefallen daran findet, sollte sich die Musik unbedingt auch abseits des Spiels anhören. Komponist Darren Korb hat (wie schon im ersten Teil) ganze Arbeit geleistet. Wirklich beeindruckend.

Balance aus alt und neu geschafft?

Hades 2 motiviert sowohl Veteranen als auch Neueinsteiger. Nicht nur optisch ist der zweite Teil ein Upgrade. Auch spielerisch wurde sinnvoll erweitert. Die Lernkurve ist dabei stets motivierend. Trotz allem wird man nicht immer an der Hand genommen. Wenn man dann aber auf eine mächtige Kombination aus Waffe, Upgrades und eigener Herangehensweise findet, ist das umso motivierender. Hades 2 strotzt vor solchen kleinen Erfolgsmomenten.

Die Geschichte funktioniert zudem eigenständig, sodass Vorkenntnisse aus dem ersten Teil keine Voraussetzung sind. Auch hier haben sich die Entwickler die richtigen Gedanken gemacht, um sowohl Neulinge, als auch Kenner des ersten Teils abzuholen.

Fazit

Das Spielprinzip macht süchtig, die Verbesserungen gegenüber dem Vorgänger sind durchdacht, und insgesamt gelingt es Hades 2 mühelos, die selbst gesetzte Messlatte zu übertreffen. Dabei setzt das Spiel auf eine ganz eigene Präsentation. Alle Stärken des ersten Teils wurden ausgebaut oder beibehalten und alles, was Hades so ikonisch machte wird in Hades 2 noch stärker betont und weiter gedacht.

Hades 2 ist also wie schon sein Vorgänger ein Meisterwerk, bei dem nahezu alles stimmt: Liebe zum Detail, ein packendes Gameplay, eine starke audiovisuelle Präsentation und eine Atmosphäre, die unter die Haut geht. Solche Spiele findet man selten.

Willkommen im kosmischen Abgrund

Schon der Titel lässt es vermuten: In Cthulhu: The Cosmic Abyss trifft der Horror von H.P. Lovecraft auf ein futuristisches Setting. Den Spieler verschlägt es in das Jahr 2053. Der Spieler schlüpft in die Haut von Ermittler Noah, der sein Geld mit dem Lösen okkulter Fälle verdient. Auf der Suche nach einer Bekannten führt ihn die Fährte in eine versunkene Stadt: R'lyeh. Und hier beginnt die Reise in die Welt des Cthulhu-Mythos. Die Stadt entspringt nämlich der ersten Geschichte rund um das wohl bekannteste Monster von Lovecraft.

Begleitet wird Noah von der KI KEY, die ihm mit Rat und Tat zur Seite steht. In der versunkenen Stadt vermutet der Protagonist, Spuren zum Verschwinden einer Expedition des Unternehmens Ocean-l zu finden. Stattdessen begibt er sich unwissend auf die Spur von Cthulhu.

Da Cthulhu: The Cosmic Abyss ein storygetriebenes Adventure ist, liegt natürlich der Fokus auf der Handlung und deren Inszenierung. Die Entwickler von Big Bad Wolf haben hier einen guten Job geleistet. Viele Anspielungen auf die Schauplätze und Charaktere aus Lovecrafts Mythos sind ebenso zu finden wie viel Storytelling durch die Umgebung. Wer genau hinschaut, findet jede Menge Hinweise zum Schicksal, das die Teilnehmer der Expedition von Ocean-l ereilt hat.

Die Geschichte ist, wie zu erwarten, ziemlich düster und setzt (wie schon die Erzählungen Lovecrafts) auf ein langsames Abdriften in den Wahnsinn. Die Inszenierung ist filmisch gehalten. Durch die Ego-Perspektive ist man als Spieler immer mitten im Geschehen. Das funktioniert rundum gut und bietet insgesamt das Gefühl, die Story selbst zu erleben. Wie für diese Art Spiel typisch, gibt es auch jede Menge Storyfetzen in Form von herumliegenden Dokumenten zu lesen. Nervig ist nur, dass dies manchmal nicht optional ist, denn manche Hinweise zum Lösen der Rätsel sind hinter langweiligen Textwänden versteckt.

Dabei ist das Pacing eher langsam und auf Stimmung getrimmt. Große Action und schnelle Momente wird man hier im Spielverlauf nicht finden. Die Geschichte entfaltet sich und nimmt sich dafür Zeit.

Rätsel und Wahnsinn

Neben dem Erleben der Geschichte stehen vor allem die Rätsel im Mittelpunkt des Spiels. Diese schwanken zwischen „schon gesehen“ und ziemlich kreativ. Hervorstechend sind hier vor allem die Knobeleien, in denen man die Umgebung sorgfältig scannen muss, um anhand des Entdeckten in bester Sherlock-Holmes-Manier die einzelnen Teile im Deduktionsstil zu einer Lösung zusammenzusetzen.

Um die Umgebung besser erkunden zu können, hat der Spieler einen Sonar-Scanner, der allerdings immer wieder mit Daten zu bestimmten Gegenständen „gefüttert“ werden muss, um auf die richtige Fährte zu gelangen. Hier haben die Entwickler ein paar kleine Stellschrauben gefunden, um dem Spiel eine gewisse Eigenständigkeit zu geben. Das hilft, dass Cthulhu: The Cosmic Abyss aus der Masse an ähnlichen Games etwas heraussticht.

Das größte Alleinstellungsmerkmal ist allerdings das Sanity-System. Protagonist Noah wird durch die Begegnungen und die Entscheidungen im Spiel maßgeblich in seinem geistigen Wohlbefinden beeinträchtigt und droht ständig, in den Wahnsinn abzurutschen. Das Sanity-System hat Auswirkungen darauf, wie man die Umgebung wahrnimmt und welchen Verlauf das Spiel nimmt.

Um dem Spiel etwas Wiederspielwert zu geben, können verschiedene Enden freigespielt werden. Das ist recht clever mit dem Gameplay und auch den Rätseln verwoben. So kann man Rätsel auf verschiedene Arten lösen, und einige Lösungsansätze wirken sich auf das Wahnsinnslevel aus und sorgen für einen entsprechend anderen Spielverlauf.

Insgesamt sind das alles gute Ideen, die aber eher auf dem Papier funktionieren. Vor allem die Rätsel wirken irgendwie unausgegoren. Oft sind sie zu komplex oder geradezu wirr. Das ist echt schade, denn optisch und storytechnisch hat das Spiel durchaus einiges zu bieten, und so fühlt es sich manchmal an, als ob man sich durch zähe Rätsel kämpfen muss, nur um die Story weiterschauen zu dürfen.

Wunderschöner Wahnsinn

Was die Entwickler von Big Bad Wolf da mithilfe der Unreal-5-Engine gezaubert haben, kann sich wirklich sehen lassen. Die Grafik ist sicher das größte Argument für Cthulhu: The Cosmic Abyss. Die Level sind schön ausgestaltet, und alles sieht einfach großartig aus.

Die Performance kann jedoch hin und wieder einknicken, und das stört hin und wieder das Gesamtbild.

Klanglich gibt es wenig zu beanstanden. Sound und Vertonung kommen ohne Störfaktoren daher und untermalen das Geschehen eher, als sich aufzudrängen und eigene Akzente zu setzen. Das funktioniert im Gesamtgefüge sehr gut.

Fazit

Cthulhu: The Cosmic Abyss will vieles neu machen und scheitert teilweise genau daran. Vor allem die eigenständigen Rätsel sind ein großer Dämpfer im Spielspaß. Hier wären etwas „konventionellere“ Knobeleien vielleicht besser gewesen, denn die Geschichte trägt das Spiel über weite Strecken. Optisch kann man wenig meckern, und klanglich ist alles gut in Szene gesetzt.

Das Sanity-System ist ebenfalls ein zweischneidiges Schwert. Einerseits bietet es Wiederspielwert, da man andere Wege gehen kann und weil man die Umgebung dadurch anders wahrnimmt, auf der anderen Seite kann das System mitunter nervig werden und den Spielfluss dämpfen.

So wirkt das Spiel in Summe mutig, weil es neue Wege einschlägt, aber andererseits auch noch ein wenig zu unausgegoren, um uneingeschränkt zu überzeugen. Wer auf atmosphärisch dichte Horrorerzählungen steht und sich an komplexen Rätseln nicht stört, wird hier aber eine spannend erzählte Singleplayer-Erfahrung mit starkem narrativem Fokus finden, die über die Spielzeit gut motivieren kann.

Ein neuer Piratenkönig...

Zunächst erwartet uns ein umfangreicher Charaktereditor, der uns die Chance bietet, einen individuellen Piratenkönig oder eine -königin zu erstellen, vom Kopf und Körperbau, über die Haare und Tattoos bis hin zum Make-up. Gerade die Auswahl an Tattoos, die auf dem ganzen Körper verteilt werden können, sowie das breit gefächerte Make-up und die sehr detailliert umgesetzten Frisuren und Bärte haben uns dabei wirklich sehr gut gefallen. Wem das alles zu aufwendig ist, der kann sich auch für eines der vorgefertigten Designs entscheiden und direkt ins Abenteuer starten.

... in einer Welt nach unseren Wünschen

Sobald wir mit unserem Freibeuter zufrieden sind, dürfen wir uns für eine Spieloption entscheiden. Hier stehen uns neben dem Solo / Offline Spiel auch Onlineserver sowie die Möglichkeit, selbst ein Spiel zu hosten, zur Verfügung. Im nächsten Schritt lässt uns Windrose beim Erstellen eines Spielerlebnisses zwischen drei vorgefertigten Schwierigkeitsstufen sowie einer mit komplett anpassbaren Regeln wählen. Dabei stellen wir Optionen wie Modifikatoren für Gesundheit und Schaden der eigenen und feindlichen Schiffe, die Entergeschwindigkeit oder auch die Möglichkeit, einer immersiven Erkundung ein. Letztere blendet, wenn sie aktiviert wird, Markierungen auf der Karte aus, die beim Aufspüren von Sehenswürdigkeiten helfen - dadurch wird das Spiel also auf Wunsch realistischer.

Auf der Flucht vor Blackbeard

Bevor es endlich losgeht, verrät uns Windrose noch einen groben Storyrahmen. So ist der berüchtigte Pirat Blackbeard auf dem Weg nach Tortuga, nachdem er bereits die britische Flotte versenkt hat, um auch dort für Angst und Schrecken zu sorgen. Unser Held versucht mit einem Schiff zu fliehen, gerät dann allerdings mitten in einen Angriff und wird dabei selbst in Mitleidenschaft gezogen, woraufhin er in Ohnmacht fällt. Wir erwachen einige Zeit später in unserer Fregattenkabine und hören sofort, wie draußen vor der Tür die Kämpfe toben. Ausgerüstet mit einem Schwert treten wir todesmutig nach draußen und beginnen unser Abenteuer.

Anspruchsvolle Kämpfe mit ordentlich Dynamik

Kurz darauf lernen wir auch direkt das Kampfsystem kennen, das an diverse Souls-Titel erinnert. Wir verfügen über einen schnellen und einen starken Angriff, die uns unterschiedlich viel Ausdauer abverlangen. Darüber hinaus können und sollten wir gegnerische Angriffe blocken, um Schaden zu vermeiden und im Schwertduell selbst die Initiative zu ergreifen. Wir selbst und auch die Gegner verfügen dabei über eine gewissen Anzahl an eingeblendeten Schutzschilden und nehmen erst direkten Schaden, sobald diese aufgebraucht sind. Nach einer gewissen Zeitspanne regenerieren sich die Schilde allerdings auch wieder, wenn keine weiteren Treffer durchkommen. Schusswaffen wie Pistolen stehen uns ebenfalls zur Verfügung, insofern wir mit Kugeln oder Schießpulver ausgestattet sind.

Insgesamt ist das Kampfsystem recht anspruchsvoll und bestraft blindes Reinrennen und Draufhauen sofort, gerade bei stärkeren Gegnern. Hier unterscheidet sich Windrose klar von anderen Genrevertretern, bei denen die Kämpfe häufig nur schmückendes Beiwerk sind. An manchen Stellen fordern uns die Kämpfe schon extrem, gerade wenn nicht nur einfaches Fußvolk, sondern auch Generäle oder ähnliches beteiligt sind, weshalb es ratsam ist, in der Nähe von größeren feindlichen Lagern immer ein schnelles Zelt zu errichten, um nach dem sehr wahrscheinlichen Tod direkt wieder in der Nähe spawnen zu können. Glücklicherweise behalten die Feinde den Schaden, den wir bereits zugefügt haben, wodurch wir uns zur Not Stück für Stück in mehreren Etappen vorarbeiten können. Durch unseren Spielfortschritt steigen wir auch nach und nach im Level auf und dürfen dann sowohl allgemeine Attribute wie Stärke, Ausdauer und Beweglichkeit verbessern als auch verschiedene Talente über den Skilltree freischalten. Diese ermöglichen dann unter anderem erhöhten Schaden, verbesserte Gesundheit und Vergleichbares.

Optisch eine echte Augenweide

Die Optik des Piratenabenteuers kann sich definitiv sehen lassen. Egal, ob es um Feuer, Nebel und Regen, das Meer, um Spiegelungen, Lichteinfälle oder Schattenwürfe geht, Windrose macht schon im Early Access einen wirklich guten Eindruck. Die Texturen wirken plastisch, vom kleinen Stein bis zum Grashalm, und wir hinterlassen beispielsweise auch authentische Fußspuren im Sand. Auch die (Kampf-) Animationen sind flüssig und sehr gut anzuschauen, sodass wir dynamische und stimmungsvolle Kämpfe erleben dürfen. Außerdem konnten uns die Bewegungen der Haare und Kleidungsstücke wirklich überzeugen, ebenso wie der äußerst sehenswerte Tag- und Nachtwechsel. Bei den Zwischensequenzen setzt das Spiel nicht auf klassische Cutscenes, sondern auf animierte Standbilder im düsteren Comicdesign, was für eine ganz spezielle Aura sorgt und hervorragend ins Gesamtbild passt. Die Comics oder auch die Gespräche ingame sind zwar leider nicht vertont, dafür aber in Sachen Text komplett auf Deutsch umgesetzt. Für die passende Soundkulisse sorgt wiederum ein eindringlicher instrumentaler Soundtrack, der auf schwere und düstere Orchesterklänge setzt, vorwiegend mit Streichinstrumenten und Pianomelodien. Dieser kann in Sachen Arrangement und Dynamik auf jeden Fall punkten und beschert dem Spiel einen gewissen Schwermut. Ebenfalls richtig gut umgesetzt ist die natürliche Soundkulisse, denn hier versetzen uns authentische Tiergeräusche sowie Wind und Gezeiten mitten ins Geschehen.

Das Überleben beginnt

Nach dem Intro auf dem Schiff stranden wir schließlich auf einer einsamen Insel, so wie es sich für ein Survival-Abenteuer gehört, und lernen dort die Grundlagen des Überlebens. Hier bewegen wir uns in einer lebendigen Umgebung mit wilden Tieren jeder Größenordnung sowie mit einer spektakulären Weitsicht, die uns ganz weit Richtung Horizont schauen lässt. Wir finden uns an wunderschönen Sandstränden, im dichten Dschungel, in finsteren Höhlen oder auch auf felsigen Hügeln wieder, entdecken Tempel aus der Vergangenheit und begegnen allerlei einheimischem Viehzeug, von Dodus und Krebsen bis hin zu aggressiven Wildschweinen oder riesigen Mutantenkrabben. Auch begegnen wir immer wieder menschlichen Feinden, wie zum Beispiel den sogenannten Ertrunkenen, die wie Zombies auf uns zu wanken. Interessant ist, dass das Spiel mehrere unterschiedliche Biome für uns bereithält, denen wir uns nach und nach widmen. In jedem Biom können wir nicht nur spezielle Ressourcen finden, sondern auch außergewöhnliche Entdeckungen machen und individuellen Bedrohungen begegnen. Neben dem Küsten-Dschungel, in dem unser Abenteuer beginnt, warten mit dem Vorgebirge, den verfluchten Sümpfen und dem Aschland weitere spannende Umgebungen auf uns. Dabei führen uns grundlegende Quests nach und nach durch die Gebiete, außerdem warten überall Nebenquests sowie verschiedene Herausforderungen auf uns, wie zum Beispiel eine bestimmte Anzahl vorgegebener Gegner in einem Areal zu besiegen.

Solides Crafting ohne Frust

Beim Crafting geht Windrose bekannte Wege und liefert hier solide Kost. Wir sammeln Ressourcen wie Holz und Steine, hacken Büsche klein für Pflanzenfaser, errichten damit Lagerfeuer, Kochstellen und Werkbänke, um wiederum Nahrung, Werkzeug oder Waffen herstellen zu können. Hierfür hält das Spiel einen separaten Baumodus bereit, der uns freigeschaltete Objekte in der Welt platzieren lässt, sobald wir die erforderlichen Materialien beschafft haben. Sehr erfrischend ist hierbei, dass die Werkzeuge, die wir angefertigt haben, dauerhaft zur Verfügung stehen und nicht, wie in anderen Genrevertretern, andauernd wieder repariert werden müssen. Ja, hier entfernt man sich ein Stück weit vom Realismus, aber definitiv zugunsten des Spielflows. Als ersten Spawnpunkt errichten wir ein Zelt, bevor wir später auch befestigte Unterschlüpfe bauen, und zwar wie im Genre üblich, Wand für Wand, Boden für Boden, beginnend mit schwächeren Materialien wie Blättern hin zu robusteren Varianten. Durch das Sammeln von Ressourcen schalten wir zudem immer neue Rezepte frei, wenn wir Material beschaffen, das wir vorher noch nicht im Inventar hatten. Somit füllt sich unser Herstellungsmenü im Prinzip automatisch mit der Zeit. Schön ist auch, dass wir Landwirtschaft betreiben und zum Beispiel Setzlinge bestimmter Pflanzen säen dürfen, die dann wiederum Ressourcen liefern.

Wir stechen in See

Es dauert nicht lange, bis wir auf der Insel, auf der wir gestrandet sind, ein ehemaliges Mitglied unserer Crew entdecken, das sich ebenfalls vor Blackbeard und seinen Schergen retten konnte. Er berichtet uns nicht nur von Schiffswracks in den umliegenden Gewässern, die mit etwas Arbeit wieder flott gemacht werden können. Er stellt uns auch direkt ein kleines Segelboot zur Verfügung, mit dem wir nun auch die nahe gelegenen Inseln erreichen und auch die erwähnten Wracks näher betrachten können. Unser erster Ausflug auf die raue See ist dabei ein mühsamer und wackeliger, denn das winzige Boot hängt ziemlich verloren im Wind und kommt zudem nur sehr langsam voran. Wir merken deutlich die Kräfte des Meeres, die auf das kleine Stück Treibholz wirken - schon hier beweist Windrose ein gutes Gespür für die Schiffssteuerung.

Nachdem wir das passende Wrack endlich erreicht haben, gilt es, haufenweise Ressourcen zu sammeln, um das stattliche Segelschiff wieder flott zu machen. Hierfür benötigen wir außerdem die Unterstützung unserer alten Crew, die, wie wir erfahren haben, in einem nahe gelegenen Piratenlager gefangen gehalten wird. Ist die Mannschaft befreit, können wir endlich unser eigenes Schiff fertig stellen und wenig später zu Wasser lassen. Jetzt beginnt der Spaß erst richtig, denn im Gegensatz zum mickrigen Beiboot fliegt das große Segelschiff deutlich schneller über den Ozean und lässt uns die Karte schnell und komfortabel erkunden. Auf dem Schiff wimmelt es dabei vor eifrigen Crewmitgliedern, die die verschiedenen Stationen des Schiffs eigenständig bedienen und dabei für eine authentische Atmosphäre auf hoher See sorgen. Als Kapitän stehen wir natürlich am Steuerrad, dürfen natürlich aber auch auf oder unter Deck herum flanieren oder auch das Lager des Schiffs verwalten.

Über eine Schiffsbauerwerkstatt statten wir unser schwimmendes Zuhause an der eigenen Werft außerdem mit praktischen Zusätzen wie Kanonen aus, mit denen wir dann auch feindliche Schiffe angreifen und schließlich entern können. Sobald wir über ein Schiff verfügen, dürfen wir dieses von jedem Ort aus herbei rufen ins nächstgelegene Gewässer. Falls wir für engere Passagen aber auch mal ein kleineres Gefährt benötigen, steht uns bei Bedarf auch das Beiboot weiterhin zur Verfügung. Neben der allgemeinen Schiffssteuerung, die sich wirklich richtig griffig anfühlt, haben uns auch die instrumentalen Piratensongs mit hohem Akkordeonanteil sowie die gesungenen Shantis sehr gut gefallen, die uns während unserer Zeit auf hoher See stilecht unterhalten. Insgesamt muss sich das Spielgefühl rund ums Schifffahren keinesfalls vor der Konkurrenz verstecken und bewegt sich auf einem Niveau mit AC Black Flag oder Skull and Bones.

Fazit

Piraten und Survival - für mich eigentlich die perfekte Kombination, da ich das Genre liebe und Piraten eigentlich immer gehen. Windrose verbindet beides miteinander und hat mich dabei wirklich mehr als positiv überrascht. Hier treffen eine hochwertige optische Präsentation und eine grandiose Piratenatmosphäre auf eine für einen Survival-Titel unerwartet auserzählte Geschichte und tolle Spielmechaniken. Ein solides Crafting-System mit komfortablem Menü-Management gehört ebenso zum Gameplay wie ein Kampfsystem, das uns in Sachen Anspruch ebenfalls überrascht hat. Hier geht man schon ein gutes Stück Richtung Soulslike und liefert keinesfalls ein blindes Haudrauf-System. Ob die anspruchsvollen Kämpfe für jeden Survival-Fan das richtige sind, steht auf einem anderen Blatt. Abgerundet wird das Piratenspiel durch eine äußerst stimmungsvoll umgesetzte Schifffahrt, die sich sowohl von Steuerung, als auch von der Atmosphäre her keinesfalls vor der großen Konkurrenz verstecken muss und mir jede Menge Spaß gemacht hat. Alles in allem ist Windrose bereits jetzt im Early Access auf einem herausragenden Niveau, sodass man sich kaum vorstellen kann, was sich bis zum Release noch großartig verbessern sollte. Lange hat uns kein Survival-Spiel mehr so abgeholt wie dieses ambitionierte Piraten-Abenteuer.

Ein Krieg - drei Geschichten

Sudden Strike 5 bietet uns drei unterschiedliche Kampagnen an, sodass wir sowohl für die Achsenmäche als auch für die westlichen Alliierten oder die Sowjets in die Schlacht ziehen können. Befehligen wir die Wehrmacht und ihre Verbündeten, ist es unser Ziel, Europa zu erobern, während wir auf der Seite der USA und Großbritanniens die Kontinente Europa und Afrika von den Eroberern befreien möchten. Die Sowjetunion wiederum hat es zum Ziel, die eigene Heimat zu verteidigen und die Eindringlinge zurück zu schlagen. Jede Kampagne besteht aus mehreren Einzelnmissionen, die auf drei unterschiedlichen Schwierigkeitsgraden gespielt werden können. Dabei erleben wir entscheidende Schlachten des Krieges auf allen Seiten und dürfen uns auf eine Vielzahl an Schauplätzen freuen. So führen uns die verschiedenen Geschichten unter anderem nach Kreta, in die afrikanische Wüste, auf die Krim oder auch nach Ungarn und Italien. Außerdem darf natürlich die berüchtigte Ardennenoffensive nicht fehlen. Manche Schlachten sind dabei in mehrere Missionen unterteilt und kommen unter Umständen auch in mehreren Kampagnen vor, selbstverständlich mit individuellen Perspektiven und Zielen. Insgesamt gibt es 25 Missionen zu erledigen, wobei die deutsche Kampagne mit zehn Einsätzen die längste und die der Sowjets mit sieben die kürzeste ist.

Fight for Victory and Rewards

Durch erfolgreich absolvierte Missionen lassen sich dann auch spezielle Belohnungen freischalten, die uns dann später auch auf dem Schlachtfeld helfen. Hierzu gehören Fähigkeiten und Hilfsmittel, die bestimmte Vorteile bringen. Sandsackbefestigungen für Panzer oder Feldgeschütze, die den erlittenen Schaden der Einheiten reduzieren, Präzisionsschüsse als aktive Fähigkeit für Fahrzeuge, die einen garantierten Treffer mit erhöhtem Durchschlagswert landen oder auch Erste Hilfe Kästen, mit denen sich angeschlagene Einheiten regenerieren können, sind nur einige Beispiele. Bevor wir eine Mission starten, erwartet uns zunächst ein kurzes Briefing, das uns die individuellen Ziele vorstellt. Auch optionale Targets, die uns unter Umständen das Leben erleichtern, wenn wir sie erfüllen, werden hier genannt. Schön ist, dass das Briefing vertont ist und zwar von der Intonation her passend zur jeweiligen Kampagne. Außerdem legen wir vor dem Start eine taktische Ausrichtung fest, also ob wir defensiv, offensiv oder taktisch spielen möchten. Jeder Spielstil bringt dabei eigene Vorteile mit und ist einem individuellen Kommandeur zugeordnet. So finden sich bei den Alliierten zum Beispiel Bernhard Montgomery oder George S. Patton, wohingegen wir bei den Achsenmächten unter anderem Erwin Rommel oder Heinz Guderian wählen können. Die Sowjets halten dagegen Persönlichkeiten wie Konstantin Rokossowski oder Rodion Malinowski bereit. Zu den gewährten Vorteilen gehören, je nach Spielstil, beispielsweise eine erhöhte Gesundheit, eine höhere Geschwindigkeit oder auch eine verbesserte Durchschlagskraft bei Panzerungen. Mal finden diese als aktive Fähigkeit, mal als passiver Bonus statt.

Vielseitige Gefechte

Auf dem Schlachtfeld verlangt uns Sudden Strike 5 definitiv einiges ab. So können wir nicht einfach mit unseren Bodentruppen in feindliche Areale spazieren und darauf hoffen, irgendwie damit durch zu kommen. Um erfolgreich zu sein, stellt uns das Spiel eine ganze Bandbreite an Optionen zur Verfügung, mit denen wir, je nach Mission, zum Ziel gelangen können. Besonders wichtig sind dabei die Aufklärungsflugzeuge, die die von Nebel bedeckten unbekannten Areale für uns sichtbar machen und dadurch ein taktisches Vorgehen ermöglichen. Weiterhin helfen uns schwere Bomber dabei, Schneisen in die gegnerische Verteidigung zu schlagen, wohingegen taktische Bomber genutzt werden können, um einzelne Ziele gezielt auszuschalten. Dabei stehen uns die verschiedenen Einheiten natürlich nur begrenzt zur Verfügung, sodass wir sie mit Bedacht einsetzen müssen. Da die einzelnen Truppenarten hervorragend ineinander greifen, ist eine strategische Vorgehensweise auch sehr gut möglich, aber nicht immer einfach zu realisieren, je nach den Begebenheiten vor Ort. Weiterhin geht es darum, bestimmte Stellungen einzunehmen, um Prestige zu sichern, Versorgungsdepots unter Kontrolle zu bringen, um den Nachschub an Benzin und Munition sicherzustellen oder auch um die eigenen Fahrzeuge zu reparieren. Auch errichten wir Brücken, um Gewässer zu überqueren oder nutzen die vorherrschende Vegetation zur Tarnung, um unauffällig voran zu kommen. Die Tiefe des Schlachtfeldes setzt das Spiel im Übrigen äußerst realistisch um, sodass wir beispielsweise schon von weit entfernten Geschützen angegriffen werden, die wir noch gar nicht sehen, während wir uns im Nahkampf mit Infanterie und Panzern befinden. Die Kamerasteuerung per Stick, die es uns erlaubt, die Umgebung von allen Seiten zu betrachten, sowie sich durch Herauszoomen einen Überblick über das gesamte Geschehen zu verschaffen, ist dabei ein nützliches Werkzeug. Für unseren Geschmack hätte man aber in beide Richtungen gerne einen etwas weiteren Endpunkt wählen dürfen, denn weder das Heranzoomen noch das Herauszoomen sind sonderlich stark ausgeprägt.

Auch die Kreismenüs, über die wir Einheiten anfordern oder Aktionen ausführen sowie die Standardcontrollertasten, über die wir die grundlegenden Befehle wie Auswahl, Angriff oder Stehenbleiben managen, sind sinnvoll gewählt und ermöglichen an der Konsole eine komfortable Steuerung. Die Erklärungen lassen einen hingegen zu Beginn gerne einmal etwas alleine, sodass man vieles auch durch schlichtes Rumprobieren herausfindet. Sehr gut gelungen ist auch der Realismusanteil, gerade auch in den kleineren Details. So zerlegt es natürlich auch unsere eigenen Einheiten, wenn sich diese in der Anflugschneise unserer Bomber aufhalten. Außerdem können sich Feinde, die eigentlich im Verborgenen unterwegs sind, durch Geräusche verraten, wenn unsere Infanterie nah genug an ihnen dran ist. Eine Minimap zeigt uns übrigens zu jeder Zeit unsere Missionsziele sowie die optionalen Targets an und informiert uns außerdem über Befestigungen und Flussläufe. Das Spiel kann zudem zu jeder Zeit manuell gespeichert werden, wodurch auch länger andauernde Schlachten kein Problem darstellen.

Eine ansprechende Präsentation ohne Schnörkel

Insgesamt kann die optische Präsentation von Sudden Strike 5 überzeugen. Egal, ob es um die gut umgesetzte Vegetation, um Wind und Gewässer oder auch um Staubwolken, Schattenwurf oder Explosionen geht. Die Infanterieeinheiten selbst sind dagegen recht rudimentär gestaltet und bewegen sich auch sehr gleichförmig - hier wäre vielleicht etwas mehr Liebe zum Detail möglich gewesen. Diese finden wir aber definitiv in der Umsetzung der originalgetreuen Fahrzeuge, die von der Optik und auch von der Bewegung her auf ganzer Linie überzeugen können. Alles in allem setzt Sudden Strike 5 auf eine realistische Erfahrung ohne jeglichen Pathos, wie man ihn aus entsprechenden Kriegsfilmen kennt. Wer sich ein wenig mehr Hollywood wünscht, wird von der schnörkellosen Präsentation vielleicht etwas enttäuscht sein. Dennoch weiß das Strategiespiel mit abwechslungsreichen Settings zu überzeugen und schickt uns mal ins saftige Grün, mal in die Wüste oder auch in den tiefen Schnee - mitsamt Wettereffekten.

Schön ist auch, dass die kriegerischen Handlungen deutliche Spuren in der Landschaft hinterlassen, seien es Krater der Explosionen, umgefahrene Bäume oder schlichtweg die Fahrzeugspuren auf dem Boden. Auch umherfliegende Trümmerteile sind deutlich zu erkennen und lassen die Wucht des Schusses erahnen. Wer Wert auf eine originalgetreue geschichtliche Darstellung legt, dem sei gesagt, dass Sudden Strike 5 auf der PS5 keine Symbole der Deutschen zeigt, statt Hakenkreuzen sehen wir auf den Fahnen lediglich die Symbolik der Achsenmächte. Von der Soundgestaltung her bietet Sudden Strike 5 authentische Schuss- und Explosionsgeräusche, garniert diese mit einer Handvoll Funksprüchen und Ausrufen der Soldaten, von "Zu Befehl" bis hin zu "Brauche einen Sanitäter", und fügt zudem glaubhafte Fahrzeugsounds hinzu. Musikalisch setzt das Spiel, wie es bei Kriegsspielen inzwischen üblich ist, auf militärisch anmutende Orchesterklänge. Dominante Streicher und Bläsersegmente sorgen hier für treibende und rhythmische Melodien, die zwar stimmungsmäßig grundsätzlich passen, aber in Sachen Variation zu stark eingeschränkt sind. Dadurch gehen einem die immer gleichen Hintergrundklänge auch sehr schnell auf die Nerven. Vielleicht hätte man die Musik auch nicht dauerhaft präsent halten, sondern nur in Spannungsmomenten einsetzen sollen.

Zusätzliche Spielmöglichkeiten

Wem die Kampagne nicht ausreicht, der kann sich in weiteren Spielvarianten austoben. So steht mit dem Scharmützel eine Option bereit, die es uns erlaubt, gegen KI-gesteuerte Teams anzutreten, wahlweise alleine gegen ein oder zwei Teams oder auch an der Seite eines KI-Mitspielers gegen bis zu zwei Gegner. Dabei stehen mit Dominanz und Vorstoß zwei Spielmodi bereit, außerdem lässt sich die KI-Stärke in drei Stufen regulieren. Weiterhin wählen wir optional ein Zeitlimit von bis zu 45 Minuten und bestimmen zudem für jedes Team einen Kommandanten. An Karten stehen, abhängig vom Spielmodus, flache und Gebirgskarten sowie eine Winter- und eine Nachtmap bereit. Die beiden Spielvarianten sind schnell erklärt. So geht es in Vorstoß darum, dass ein Team nacheinander mehrere Frontlinien angreift und die Verteidiger versuchen, den Fortschritt aufzuhalten. Dabei müssen an jeder Frontlinie mehrere Punkte erobert werden, um weiter vor zu rücken. Für die Angreifer gilt dabei ein Zeitlimit für jeden Abschnitt. Verstreicht dieses, gewinnt das verteidigende Team. Der Modus Dominanz ist ein klassischer Eroberungsmodus. Hier geht es darum, markierte Dominanzzonen unter Kontrolle zu bringen, und zwar mehr als unser Gegner, um Dominanzpunkte zu sammeln. Wer nach Ablauf der Zeit mehr Punkte hat, gewinnt das Spiel. Vorbereitungsphasen für die individuelle Planung sowie Möglichkeiten, neue Einheiten zu kaufen, unterbrechen dabei immer wieder das eigentliche Gameplay. Wer zusätzliche Herausforderung sucht, kann die Modi außerdem im Multiplayer gegen menschliche Gegner erleben, PS Plus vorausgesetzt.

Fazit

Sudden Strike 5 bringt eine alteingesessene Strategiereihe zurück und setzt dabei auf eine schnörkellose realistisch anmutende Präsentation. Der Fokus liegt ganz klar auf vielseitigen Schlachten mit taktischer Tiefe und hier liefert das Spiel auch sehr ordentlich ab. Die Art und Weise, wie die verschiedenen Einheiten ineinander greifen müssen, um erfolgreich zu sein, hat uns sehr gut gefallen, da unüberlegtes, planloses Vorgehen eigentlich jedes Mal bestraft wird. Auch die Größe der Schlachten kommt definitiv beim Spieler an, ebenso wie die Fülle an Optionen, die beim Planen der nächsten Schritte zur Verfügung stehen. Hinzu kommen eine griffige und komfortable Controllersteuerung, eine ansprechende Grafik sowie eine umfangreiche Kampagne mit vielen wichtigen Schlachten des Zweiten Weltkriegs, teilweise aus drei Perspektiven. Neben der etwas anstrengenden musikalischen Untermalung, den teilweise recht knappen Erklärungen und der sehr gleichförmigen Darstellung der Soldaten war es für mich vor allem die Tatsache, dass sich in den drei Kampagnen die Schauplätze stark überschneiden, die mir weniger gut gefallen hat. Auch habe ich persönlich nichts gegen eine etwas pathetischere Umsetzung von Kriegsszenerien, hier konzentriert man sich definitiv auf das Wesentliche.

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Fazit

Gestrandet im Nirgendwo

Tomodachi Life: Wo Träume wahr werden lässt uns auf einer kleinen grünen tropischen Insel mitten im Nirgendwo mit einer Fülle an spielerischen Optionen ankommen. Bevor es richtig losgeht, müssen wir unseren eigenen Mii-Charakter erstellen, was auf unterschiedliche Arten möglich ist. So können wir die Figur anhand von Fragen erstellen, die uns das Spiel stellt, oder den Charakter klassisch Körperteil für Körperteil im Editor zusammensetzen. Die erste Option geht dabei besonders schnell und stressfrei von der Hand - ideal für alle, die sich jetzt nicht unbedingt im Erstellen eines Alter-Egos verlieren möchten. Man fragt uns nach favorisierter Gesichtsform, Alter, Augen- und Hautfarbe, Augen-, Mund- und Nasentyp oder Haarlänge und lässt uns an verschiedenen Stellen zwischen zahlreichen Optionen wählen, beispielsweise bei der Frisur. Hier kann man sich am Beispiel der langen Haare nicht nur für eine offene oder gebundene Variante entscheiden, sondern auch wählen, ob die Haare geacheitelt oder mit Pony, zum Zopf oder Dutt gebunden werden sollen - sogar die Höhe des Zopfes kann hierbei festgelegt werden. Sind wir mit der halb automatischen Charaktererstellung durch, dürfen wir am Ende bei Bedarf auch noch manuell nachjustieren.

Ein individueller Charakter

Im letzten Schritt bestimmen wir Größe und Körperbau und geben der Figur einen Namen, der übrigens auch mit einer passenden Aussprache versehen wird, was bei uns wirklich hervorragend funktioniert hat. Ist man damit nicht zufrieden, kann man auch manuell den gewünschten Klang des Namens in den Editor eingeben, indem man ihn so buchstabiert, wie er klingen soll. Will man also dass der Name Daniel Englisch ausgesprochen wird, müsste man hier etwa Dennjel eintragen. Beim Geschlecht können wir übrigens zwischen männlich, weiblich und nicht binär wählen und damit unserer Kreativität freien Lauf lassen. Auch die Partnerpräferenz jedes Miis lässt sich individuell festlegen, also ein Geschlecht, mehrere oder auch gar keins. Schön ist auch, dass wir einstellen können, ob unsere Figur altert oder nicht - also auf Wunsch ist die ewige Jugend zum Greifen nah. 

Zu guter letzt bestimmen wir noch die Stimmfarbe des Miis und dürfen hier auf verschiedene Altersgruppen, Roboter- und Tierstimmen oder sogar eine komplett eigene Stimmfarbe mit individueller Tonhöhe und Modulation sowie eigenem Sprechtempo und Tonfall zurückgreifen. Wer sich für den klassischen Charaktereditor entscheidet, der sich übrigens komplett auch per Touchscreen bedienen lässt, geht wie gewohnt Körperregion für Körperregion durch, passt dabei Details wie Form, Farbe oder Position an und kann seine Figur am Ende auch noch schminken, indem man direkt auf das Gesicht des Miis malt. 

Eure Majestät, ich habe ein Anliegen

Nach der optischen Feinjustierung geht es dann auch noch um das Wesen der Figur. So legen wir in einem 8er-Raster fest, wie spontan, direkt, lebhaft, sorglos oder auffällig unser Mii ist, woraufhin wir im Anschluss eine Art Persönlichkeitsbeschreibung vorgelegt bekommen. Diese fasst den Charakter in wenigen Zeilen zusammen und bringt die gewählten Einstellungen auf den Punkt - die Persönlichkeit ordnet unserem Mii dann wiederum eine bestimmte Farbe zu, die sich in Kleidung und Einrichtung niederschlägt. Ist unsere Figur fertig, empfängt sie uns als Inselchef in ihrem neuen Zuhause. Hier können wir dann auch festlegen, wie uns die Miis ansprechen sollen - ja, sie wenden sich immer wieder direkt an uns, wenn sie ein Anliegen haben - und dürfen dabei auch jeden erdenklichen Gotteskomplex ausleben. Von Inselpapa, über Majestät bis hin zu jedem anderen Titel, den wir uns selbst geben, ist hier alles möglich.

Glück als Währung

Im Spiel steuern wir die Miis dann übrigens nicht selbst, sondern schauen wie eine Art Gottesfigur (Erinnerungen an Black & White werden wach) auf die Inselbewohner herab. Dabei ist es unsere Aufgabe, uns mit ihren Gefühlen auseinanderzusetzen, die sich anhand von Gefühlsblasen über ihren Köpfen äußern. Sie verraten uns, an was es ihnen mangelt, was sie beschäftigt oder warum sie gerade unglücklich sind und wir dürfen dann dafür sorgen, dass es ihnen wieder besser geht. Zufriedene Miis spülen uns dank ihrer Glücksspähren nämlich Geld in die Kasse, sodass wir auch von ihrer Zufriedenheit profitieren. Damit kaufen wir zum Beispiel im Supermarkt Lebensmittel, die wir dann als Geschenk an unsere Miis ausgeben dürfen. Hier gibt es täglich wechselnde Angebote und, da das Spiel in Echtzeit abläuft, auch zur jeweiligen Saison passende Produkte, zum Beispiel Osterleckereien. Mithilfe der gekauften Speisen und Getränke finden wir nicht nur heraus, was jeder Mii gerne nascht, sondern sorgen auch dafür, dass er nach und nach im Level aufsteigt. Auf diese Weise sowie durch zusätzliche Charaktere, die wir einziehen lassen, schalten wir außerdem weitere Gebäude auf der Insel frei, wie eine Boutique, einen Wunschbrunnen oder ein Designzentrum.

Vom einsamen Eiland zur Trendinsel

Wenn ein Mii im Level aufsteigt, überreichen wir ihm zur Feier des Tages ein besonderes Geschenk, das entweder eine zusätzliche Eigenart, eine neue Phrase oder auch ein spezieller Gegenstand sein kann. Dies sorgt nicht nur für zusätzliche Glücksspähren, sondern bietet uns auch die Chance, die Interessen des Miis zu beeinflussen, beispielsweise indem wir ihm ein Musikinstrument schenken. Geschenke sind aber nicht die einzige Möglichkeit, um die Bewohner glücklich zu machen. Oft reicht schon das Tätscheln des Kopfes aus, was übrigens auch per Touchscreen möglich ist, um dem Mii ein Lächeln ins Gesicht zu zaubern. Manchmal haben die Miis auch Kopfweh, was uns vor ein lustiges Minigame stellt, bei dem wir die Gedanken, die im Kopf herum schwirren per Tastendruck zum Platzen bringen müssen, bevor die Zeit abläuft.

Es warten im Spiel auch noch weitere Minigames auf uns, wie zum Beispiel Nicht nachsagen. Hier müssen wir aus einer Liste von Antworten eine passende für die genannte Kategorie auswählen, ohne eine Option zu wählen, die unser Mii schon genannt hat. Verpixelt ist eine weitere coole Beschäftigung für zwischendurch, denn hier gilt es, ein verpixeltes Objekt zu erkennen. Die Minispiele sind zwar nicht hochtrabend, sorgen aber definitiv für Abwechslung und sind zudem äußerst unterhaltsam inszeniert. Unsere gesammelten Glücksspähren lassen sich dann, sobald wir einen Wunschbrunnen zur Verfügung haben, an eben jenem einlösen, um weitere Geschenke für den Levelaufstieg oder später auch zusätzliche Raum- oder Inseldekorationen und ähnliches freizuschalten und die Auswahl zu erhöhen. Im Wunschbrunnen finden wir zudem einmal täglich eine Geldspende der Bewohner, die wir wiederum in den Ausbau der Insel stecken können.

Ein weiterer wichtiger Hotspot ist die Boutique, die, sobald sie zur Verfügung steht, der perfekte Ort ist, um individuelle Outfits für unsere Miis zu kaufen. Auch hier warten wechselnde Tagesangebote auf uns, die von Oberteilen, Hosen und Röcken, über Accessoires wie Mützen und Schmuck, bis hin zu Schuhen oder Strümpfen reichen. Das Sortiment deckt dabei auch Looks für jeden Geschmack ab, passend zur jeweiligen Jahreszeit, von leger bis elegant. Wer möchte, kann statt einzelnen Kleidungsstücken auch komplett aufeinander abgestimmte Outfits kaufen. Die gekauften Klamotten lassen sich dann auch unabhängig von Geschlechtern dem jeweiligen Mii zuweisen, um seinen persönlichen Charakter zum Ausdruck zu bringen.

Natürlich dürfen wir aber nicht nur die Kleider, sondern auch das Zuhause der Miis verschönern. Hierfür steht uns ein Renovierungszentrum zur Verfügung, sobald wir vier Einwohner und zwei Freundespaare auf der Insel vorweisen können. Dort finden wir verschiedene thematisch abgestimmte Räume, bei denen Möbel, Tapeten und Dekorationen perfekt zueinander passen. Vom Zimmerpflanzenset für Grünliebhaber über ein Autowerkstattset für Schrauber bis hin zum Salonset mit äußerst elegantem Stil ist hier für jeden Geschmack etwas dabei. Vor dem Kauf können wir jeweils die Farbakzente auswählen und die Sets dadurch an die Vorlieben jedes Miis anpassen. Tapeten und Böden dürfen wir aber auch separat abändern. Außerdem ist möglich, das äußere Erscheinungsbild der Insel zu verändern, durch individuelle Fassaden, durch Straßen, mit denen sich die einzelnen Gebäude verbinden lassen, oder auch durch passende Straßenlaternen für eine stimmungsvolle Nachtansicht. Für diese größeren Bauprojekte greifen wir auf entsprechende Baupläne zurück, um sie auf unserer Insel umzusetzen. Dies geschieht dann automatisch. Einzelne Objekte für die Insel gibt es später dann auch im Inseldesignzentrum zu kaufen, von Bänken, über Zäune bis hin zur Vegetation.

Wenn aus Fremden Freunde werden - dank Mehlwürmern

Richtig spannend wird das Spiel aber dann, wenn wir weitere Miis erstellen und die verschiedenen Figuren miteinander interagieren. Sobald mehrere Bewohner auf der Insel sind, haben wir die Chance, sie zu greifen und nebeneinander zu platzieren, damit sie sich kennenlernen. Die Interaktionen untereinander finden dann weitestgehend automatisch statt, sodass wir quasi nur als Kuppler fungieren. Es passiert auch nicht jedes Mal dasselbe, wenn die Miis sich begegnen, da der Verlauf auch von äußeren Faktoren abhängen kann. Die Gespräche sind dabei nur teilweise vertont, die Animationen sprechen aber Bände und sorgen für äußerst schrullige, extrem unterhaltsame Momente voller überzeichneter Emotionen. Ab und an müssen wir den Bewohnern aber auch helfen, wenn sie nicht wissen, über was sie reden sollen. Auf diese Weise lassen sich auch ohne Probleme extrem abgefahrene Trends schaffen, indem man zum Beispiel das Thema Mehlwürmer zum Gesprächsthema Nummer 1 macht, oder natürlich jedes andere, denn wir können per Tastatur alles erdenkliche in das Spiel integrieren. Sind Miis dann endlich befreundet, können sie sich auch Spitznamen geben, sich verlieben und auch heiraten, je nachdem, wie sich ihre Beziehung entwickelt. Solch spektakuläre Geschehnisse wie eine geschlossene Freundschaft schaffen es dann natürlich auch in die Insel-eigenen Nachrichten, die die Bewohner regelmäßig über die wichtigsten Entwicklungen informieren. Hierzu gehören natürlich auch Geburtstagspartys mitsamt Ständchen und standesgemäßer Torte, die in den News übertragen werden.

Ein schräges Feelgood-Game

Optisch platziert sich Tomodachi Life: Wo Träume wahr werden mit seiner typischen Mii-Optik bewusst zwischen hausinterner Konkurrenz wie Animal Crossing und Pokopia. Die Kombination aus comicartigem Look und komplett überzeichneter Darstellung ist dabei definitiv ein Alleinstellungsmerkmal, das das Spiel von anderen Genrevertretern abhebt und dabei eventuell auch eine Zielgruppe anspricht, die nicht zwingend in Lebensimulationen zu Hause ist. Der Humor ist in jedem Fall außergewöhnlich und dürfte Jung und Alt gleichermaßen abholen - wenn auch auf unterschiedliche Art und Weise. Kindlicher Slapstick trifft hier auf echte Cringe-Momente, die nur die älteren Semester verstehen. Die musikalische Untermalung beschränkt sich weitestgehend auf wohlklingende unaufdringliche Instrumentalsongs, die sich wohl am ehesten mit denen der Sims-Reihe vergleichen lassen. Hinzu kommt eine unfassbar lustige Vertonung, die sich komplett künstlich nach KI-Stimme anhört, irgendwo zwischen Navi-Ansage und automatischer Warteschleife beim Arzt. Wer auf abgefahrene humorvolle Inszenierungen steht, kommt hier auf jeden Fall auf seine Kosten.

Fazit

Mit Tomodachi Life: Wo Träume wahr werden bringt Nintendo eine weitere exklusive Lebenssimulation auf den Markt und damit interne Konkurrenz für Animal Crossing und Pokopia. Tomodachi setzt allerdings mit schrägem Humor, einzigartigem Look und sehr viel gestalterischer und kreativer Freiheit eigene Akzente und dürfte gerade mit seinen stark überzeichneten Interaktionen und Emotionen auch viele Spieler abseits des klassischen Lifesim-Genres ansprechen. Uns hat Tomodachi Life: Wo Träume wahr werden mit seinen schrulligen Charakteren, den zahlreichen Möglichkeiten, sich selbst einzubringen, und den überwiegend äußerst unterhaltsamen Minispielen insgesamt sehr gut gefallen, auch wenn wir die Langzeitmotivation etwas in Frage stellen würden, da die Abläufe recht gleichförmig bleiben - dies hängt aber am Ende natürlich vom Spielertyp ab. Dennoch macht das vielseitige Inselleben mit den häufig sehr unbeholfenen Interaktionen der Miis untereinander jede Menge Spaß und sorgt definitiv für gute Laune. Wer sich von dem speziellen Humor nicht abschrecken lässt, erhält hier in jedem Fall eine sehenswerte Lebenssimulation für Switch und Switch 2.